Estetic este o disciplină de filozofie care se concentrează asupra percepțiilor , The sens , The frumos (în natură sau artă ), sau numai ceea ce se referă la conceptul de artă. Estetica corespunde zonei desemnate la XVIII - lea secol „știința de frumusețe“ sau „critica de gust “ si este din XIX - lea secol, filosofia artei . Se referă, de exemplu, la emoțiile provocate de o operă de artă (sau la anumite gesturi, atitudini, lucruri), la judecățile operei, la ceea ce este specific sau singular unei expresii (artistică, literară, poetică etc.) ), la ceea ce s-ar putea defini frumos, spre deosebire de util și funcțional.
În limbajul cotidian , adjectivul „estetic” este similar cu „frumos”. Ca denumire, „estetic” este o noțiune care desemnează setul de caracteristici care determină aspectul unui lucru, adesea sinonim cu aspectul cosmetic , de design sau fizic.
Cuvântul estetic este derivat din grecescul αίσθησιs / aisthesis care înseamnă frumusețe / senzație . Estetica definește etimologic știința sensibilului . Acest sens este prezent, de exemplu, în Critica rațiunii pure a lui Kant , unde estetica este studiul sensibilității sau al simțului. Dar folosirea a dat cuvântului un alt sens care nu are legătură cu etimologia atunci când estetica desemnează știința frumuseții sau filosofia artei. Deși cuvântul estetic are o etimologie greacă, acesta era necunoscut în antichitate, deoarece știința esteticii a apărut doar în timpurile moderne și într-un context german. Filosoful german Alexander Gottlieb Baumgarten , discipol al lui Christian Wolff , a introdus în secolul al XVIII- lea neologismul „estetic” (latin: Aesthetica ) și i-a dat sensul modern odată cu publicarea primului volum al lui Aesthetica în 1750. definește o disciplină filosofică nouă și independentă, bazându-se inițial pe distincția platonică dintre lucrurile sensibile ( aistheta ) și inteligibile ( noeta ). În cartea Meditations philosophiques (1735), Baumgarten definește estetica drept „știința modului de cunoaștere și expunere sensibilă”, apoi în Æsthetica (1750): „Estetica (sau teoria artelor liberale , gnoseologia inferioară, arta frumuseții) a gândirii, arta analogiei rațiunii) este știința cunoașterii sensibile ”. Într-adevăr, Baumgarten consideră ideea frumosului ca o percepție confuză sau un sentiment și, prin urmare, ca o formă inferioară de cunoaștere, de unde utilizarea termenului estetic. Estetica este opusă logicii, deoarece ideile confuze sunt opuse, în școala lui Wolff și Leibniz , ideilor distincte. Estetica sa este, de asemenea, o teorie a artelor plastice. Înlocuiește istoric Poetica inițiată de Aristotel .
Termenul estetic capătă o semnificație diferită în funcție de limbi, nefiind adoptat în aceleași perioade și urmând influența acelorași opere filosofice ( în special cele ale lui Kant și Hegel ). În plus, acest domeniu de studiu este, de asemenea, desemnat prin termeni sinonimi sau strâns înrudiți. Estetica este „teoria, nu a frumuseții în sine, ci a judecății care pretinde că evaluează cu precizie frumusețea, precum urâtul” . În limba engleză, domeniul esteticii a clasificat în mod tradițional în critică , după Elements of Criticism (1762), filosoful Henry Home și, în general, definit ca „critic de artă” ( critic de artă ). Din anii 1950, influența dominantă a filosofiei analitice în lumea anglo-saxonă a avut tendința de a restrânge sfera esteticii la o singură filozofie a artei (a se vedea estetica analitică ). În franceză, acest domeniu de studiu a fost desemnat , în general , înainte de XIX - lea secol, ca „teorie a artelor“ sau „critica de gust“. Comentând cu privire la saloane de a doua jumătate a XVIII - lea secol, Diderot folosește termenii „ordine“ sau „gust“ , în critica sa de artă. Charles de Villers scria în 1799: „Diderot a dorit să introducă acest termen Estetică în Enciclopedie, dar nu s-a impus. Avem pe principiile gustului doar lucrări fragmentare și o doctrină eclectică: aceste principii nu sunt scrise într-un anumit cod și conform unei metode cu adevărat științifice, este evident că nu avem nicio estetică ” . Cuvântul esteticii în limba franceză la sfârșitul XVIII - lea secol și în Academia Franceză dicționar în numai 1835. Prima apariție într-un dicționar filosofic se datorează lui Charles Magloire Bénard (traducătorul francez al lui Hegel ) în 1845. Numele desemnează „știința frumosului” și „filosofia artelor plastice”.
Termenul este derivat: estetica care caracterizează evaluarea valorilor umane doar punct de vedere estetic (ca frumos și frumos) și apoi desemnează ulterior o mișcare artistică și literară a secolului al XIX- lea englez . Aesthetization (în germană: Ästhetisierung ), un proces de transformare în realitate estetică a unui fenomen inițial neestetic . Estet , o persoană sensibilă la frumusețe. Esteticianul, un filosof specializat în domeniul esteticii.
În cea mai largă definiție, estetica are ca obiect percepțiile senzoriale, esența și percepția frumuseții , emoțiile și judecățile legate de percepții, precum și arta în toate formele sale (muzică, pictură, gastronomie etc.) și toate aspectele sale ( muncă, creativitate etc.). Pot fi remarcate în mod special aspecte fundamentale și uneori opuse. Estetica poate fi o teorie a frumosului , care își propune să fie o știință normativă, alături de logică (conceptul de adevăr) și morală (conceptul de bine). Prin urmare, este o teorie a unui anumit tip de judecăți de valoare care stabilește normele generale ale frumuseții. Estetica poate fi, de asemenea, o metafizică a adevărului , care se străduiește să dezvăluie sursa originală a oricărei frumuseți sensibile: de exemplu, reflectarea inteligibilului în materie ( Platon ), manifestarea ideii ( Hegel ), a voinței ( Schopenhauer ), de a fi ( Heidegger ).
Caracterul metafizic al frumosului este înlocuit treptat de o filozofie a artei ( Hegel ), care are ca obiect lucrările făcute de oameni în locul construcțiilor a priori a ceea ce este frumusețea. Drept urmare, estetica apare ca o reflecție asupra tehnicilor sau asupra condițiilor sociale care fac un anumit tip de acțiune considerat „artistic”, care se reflectă și asupra legitimității conceptului de artă .
Estetica, înțeleasă în sensul său tradițional ( kantian ) ca studiu filozofic al percepțiilor, emoțiilor, frumuseții și artei, acoperă un domeniu de cercetare la fel de vechi precum filosofia însăși, dar disciplina este modernă, pentru că grecii nu distingeau ceva ca o estetică. în filosofie. Prin urmare, retrospectiv putem vorbi despre o estetică antică ca o știință a frumosului sau o știință a sensibilului. Istoria esteticii se dezvoltă în paralel cu istoria raționalismului . Ea trebuie dată „invenție“ a esteticii la mijlocul XVIII - lea secol și luând în considerare filosofia artei nu a fost până la XIX - lea secol ( Hegel ).
În Grecia antică, problema frumuseții este o întrebare centrală, dar nu este neapărat legată de problema artei. Este, de asemenea, o întrebare care atinge moralitatea și politica la Platon . Perioada de baliză estetice se extinde în principal la V e și IV - lea secole BC. D.Hr. , pe vremea democrației orașelor grecești, deși noțiunile și denumirile estetice erau afirmate în vremuri mai vechi:
Homer (spre sfârșitul secolului VIII E ) vorbește în special despre „frumusețe”, „armonie” etc., însă fără a le fixa teoretic. Prin munca artistică, a înțeles producția muncii manuale, prin care acționa o zeitate. Heraclit din Efes explică Frumusețea ca fiind calitatea materială a adevărului . Arta ar fi atunci manifestarea unui acord opus unei imitații a naturii. Democrit vede natura Frumuseții în ordinea sensibilă a simetriei și a armoniei părților, față de un întreg. În reprezentările cosmologice și estetice ale pitagoreicilor , principiile numerice și proporționale joacă un rol important pentru armonie și frumusețe.
PlatonPentru Socrate , frumosul și binele sunt amestecate. Arta reprezentativă se referă în principal la portretizarea unei persoane care este frumoasă în trup și minte. Platon nu concepe frumosul ca pe ceva doar sensibil, ci ca pe o idee : frumusețea are un caracter supranatural, este ceva inteligibil, care se adresează gândirii. El aparține unei sfere superioare celei a simțurilor și a înțelegerii . Lucrurile sunt doar reflexe ale ideilor, iar arta doar copieze aceste reflecții. Și el evaluează arta în mod negativ în mod negativ, ca o copie necredincioasă, întrucât este făcută imperfect de om. Cu toate acestea, el face diferența între două tehnici de imitație: „copiere” ( eikastikè ), cum ar fi pictura sau poezia, și „iluzie” ( phantastikè ), cum ar fi lucrările arhitecturale monumentale. Dacă Platon este favorabil frumosului, el rămâne ostil artei și în special poeziei și picturii. Cu toate acestea, opera sa rămâne prima codificare ideologică și politică a artei.
AristotelAristotel nu s-a ocupat de frumusețe sau de artă în general. Poetica sa este un fragment de artă dramatică și include doar regulile tragediei . Punctul său de vedere este, de asemenea, mai experimental decât teoretic. El deduce regulile din capodoperele teatrului grecesc. Cu toate acestea, el a dezvoltat o teorie generală a imitației care ar putea fi aplicată diferitelor arte: „Poezia epică, tragică, comedia, poezia ditiramică, jocul flautului, jocul cetrei sunt toate, în general, imitații” (cap. 1). Pentru Aristotel, artele se diferențiază prin obiectele pe care le imită și prin mijloacele artistice utilizate pentru realizarea acestei imitații. Arta imită natura sau completează lucruri pe care natura este incapabilă să le realizeze. Gândirea lui Aristotel devine astfel o bază pentru „teoriile artei” ulterioare (în sens modern), prin dialectica cunoașterii și prin evaluarea rolului naturii și al aparenței în frumusețea artistică. El pune la punct conceptele de imitație ( mimesis introdusă de Platon), emoție , plăcerea spectatorului ( katharsis ), figuri de vorbire sau chiar rolul operei de artă . Aceste teorii vor fi duse la estetica clasică de Boileau ( secolul al XVII- lea), precum și în estetica marxistă .
NeoplatonismÎn Antichitatea târzie , teoria frumuseții a fost sistematizată în special în jurul conceptelor neoplatonice ale lui Plotin (204-270). În Enneads , ea preia și depășește distincțiile lui Platon . Esența frumuseții rezidă în inteligibil și mai precis în idee. Atunci frumusețea este identificată cu „Unitatea” de care depind toate ființele. Frumosul are, așadar, o natură spirituală (legată de suflet) și contemplarea sa este un ghid pentru abordarea Inteligenței. La fel, frumusețea rezidă sub forma operei și nu în materialul ei. Deci, pentru Plotin, arta adevărată nu doar copiază natura, ci mai degrabă caută să se înalțe. Plotin fondează astfel estetica operelor simboliste și nerealiste, dintre care exemple sunt icoanele bizantine sau picturile și sculpturile de artă romanică . Estetica romană ia conceptele Greciei, ca reflecții asupra relației dintre natură și frumusețe, de exemplu în poezia de artă a lui Horace , sau teoriile lui Seneca despre frumos.
Estetica Evului Mediu a preluat principiile neoplatonismului legându-le de modelul teologic al creștinismului . Considerăm că în creația artistică se distilează o demnitate creatoare, comparabilă cu creația divină. Arta este un mijloc de transcendență față de inteligibil. Simbolismului lui Plotin se adaugă alegorismul , care nu mai este considerat ca o simplă figură de vorbire (retorică), ci ca un mijloc privilegiat de corespondență cu ideile. Datorită caracterului său extrem de simbolic, estetica medievală abia se pretează diviziunii moderne dintre abstractizare și figurare . Într-adevăr, același simbol poate fi reprezentat indiferent folosind o figură geometrică sau umană. De exemplu, există și reprezentări ale Trinității sub formă de trei sfere, trei cercuri, un triunghi sau trei persoane umane cu fețe identice. În perioada romanică , arta sacră a făcut obiectul unei opoziții între susținătorii unei estetice a dezbrăcării în conformitate cu idealurile contemplative ( Sfântul Bernard și cistercienii , cartușii ) și susținătorii unei estetici mai ornamentale. Din care Cluny este rodul și dintre care Suger pare să-l imite. Suger nu este doar „creatorul artei gotice”, ci dezvoltă o estetică a luminii în strânsă legătură cu liturghia. Biserica este văzută ca o prefigurare a Ierusalimului ceresc , orașul promis celor aleși. Niciunul dintre elementele arhitecturale, liturgice, decorative sau iconografice nu este gratuit. Totul este acolo pentru a manifesta și a celebra slava divină a cărei lumină este cel mai bun simbol.
În muzică, Hildegard von Bingen concepe muzica ca o reminiscență a paradisului. Și aici, estetica este inseparabilă de metafizică și spiritualitate. Muzica este în esență trinitară, legile sale derivă din Cuvânt, precum și de proprietățile lor matematice: intervale, moduri, ritmuri etc. În general, speculațiile pitagorice asupra numerelor joacă un rol important nu numai în măsurarea ritmurilor. Muzicale, ci și, mai presus de toate, pentru a defini proporțiile arhitecturale. Filozofi: Pseudo-Dionisie Areopagitul , Augustin de Hipona , Boethius , Toma de Aquino .
Teoria bizantină a imaginiiÎn interogatoriu și chestionarea statutului imaginilor religioase (de pictogramele ), Pagan (de idolii ) și comerciale (monede, borcane) , realizat de creștinism în imagini ceartă sau criza iconoclast a VII - a și a VIII - lea secol, se adaugă răspuns la întrebarea Frumuseții, statutul icoanei , distincția dintre imagine și pictură, adevărul unei imagini (ceea ce este o imagine adevărată sau falsă), relația Logosului (verb, cuvânt) cu imagine, noțiunea a amprentei, relația imaginii cu prezența, în cele din urmă semne și hieroglife . Dezvoltată de filozofii și teologii greci neo-platonici și aristotelici, în special: Ioan Damascen și Pseudo-Dionisie Areopagitul , teoria imaginii bizantine construiește imaginea ca un limbaj al semnelor și codurilor .
Estetica Renașterii se conformează interpretării timpului care retrogățește Evul Mediu de latura timpurilor obscure și se îndreaptă spre antichitatea greco-romană. Istoricii și umaniștii laudă mișcarea artistică care de la Giotto a reușit să readucă arta la asemănarea naturii. Alberti atribuie lui Brunelleschi , Donatello și Ghiberti renașterea artelor plastice, iar Vasari împarte în trei perioade progresul care duce de la imitarea strămoșilor la imitarea naturii. Dacă antichitatea nu a fost niciodată uitată în totalitate, umaniștii încearcă să-și găsească autenticitatea: traducerile latine sunt abandonate în favoarea textelor originale grecești, sunt organizate primele săpături arheologice, apar primele muzee.
Redescoperirea lui Platon de către Gemist Pletho și Marsilio Ficino nu este lipsită de consecințe asupra concepției artei și arhitecturii. În Compendium in Timeeum , Ficino elaborează norma pitagoreismului estetic și a platonismului: participarea sensibilului la domnia formelor pure are loc prin figuri și proporții geometrice. Realitatea fizică a esenței matematice, scopul esteticii este de a defini legile matematice ale frumuseții (speculații cu privire la numărul de aur , volumul triunghiului pitagoric al armoniei muzicale etc.). Alberti va fi principalul contractor pentru acest program. În De re aedificatoria , el se inspiră din Timeu pentru a stabili principiile construcției. În De pictura , abordează noțiunile de perspectivă legitimă care face din pictură extinderea realității și a frumuseții picturale în compoziția potrivită prin desenarea contururilor (linia de circumscripție) care condiționează ordinea culorii și a luminii (clarobscur). Dacă în Caietele sale , Leonardo da Vinci concepe și pictura ca o imitație a naturii, această mimesis implică o analiză conceptuală complexă a celor zece atribute ale vederii urmată de o sinteză picturală și plastică a elementelor la fel de diverse precum studiul proporțiilor și atitudinilor umane. , al mișcării și al odihnei, al formei și poziției, al materiei și culorilor, al perspectivei liniare sau atmosferice, al distribuției umbrei și luminii, ale căror legi optica și matematica sunt instrumentele preferate de studiu. În tratatul său de arhitectură inspirat de Vitruvius , Serlio apără idealurile de regularitate și simetrie care prefigurează estetica clasică.
Cu toate acestea, prin aplicarea teoriilor și perspectivei lui Alberti sau a matematicii lui Manetti și Pacioli pentru a crea un spațiu iluzionist construit rațional, artiștii renascențiști sunt conștienți de inovarea și dezvoltarea tehnicilor artistice care nu existau.
Rolul imaginii este pus la îndoială prin reformarea teologilor care citesc o contradicție între plăcerea estetică și ordinea divină, catolicul Jérôme Savonarola din Florența care organizează distrugerea oglinzilor și picturilor de pe miză deșertăciuni , protestanții Luther care interziceau imaginile din temple și Jean Calvin care a adăugat cromoclastia , distrugerea culorilor. Ca răspuns, rolul imaginii ca literatură și vorbire este afirmat de Conciliul de la Trent și de Biserica Catolică.
Estetica clasică inspirată de Simpozionul lui Platon și găsirea uneia dintre cele mai realizate expresii ale sale în Arta Poetică din Boileau , a conceput nu numai esteticul, frumosul și negativul, urâtul . Frumusețea a fost concepută în termeni de armonie, simetrie, ordine și măsură. Estetica empiricistă va adăuga o a doua valoare estetică pozitivă, sublima . Sublimul este o valoare caracterizată prin dizarmonie, disonanță, excesivitate, tulburare, asimetrie. Acolo unde frumosul a produs senzația de seninătate în suflet, sublimul a produs sentimente precum teroarea și pasiunea violentă (fără, totuși, să cadă în groază). Sublimul își va găsi cea mai absolută aplicație artistică în romantism , care va exalta pasiunea și excesul în sufletul uman (geniul artistic, dragostea pasională, sinele solitar sau chiar revoluția politică). Pentru estetica clasică, frumusețea era un concept. Putem vorbi în această legătură de „artă intelectuală” sau „intelectualism estetic”. De exemplu, în Antichitate, muzica era plasată printre cele patru științe ale quadriviumului . A fost o știință a armoniei și măsurii, așa cum o descrie Sfântul Augustin în Tratatul său de muzică . Pentru Descartes , întrebările care preocupă cartezianismul sunt străine frumuseții și artei; în această școală, unele minți s-au mulțumit să reproducă tradițiile antichității, în special ideile lui Platon și ale Sfântului Augustin (de exemplu tratatele despre Beau de Crouzaz sau părintele André ).
Dimpotrivă, estetica empiricistă concepe frumosul și sublimul ca sentimente interioare. Acestea sunt reprezentări pe care sufletul le face în timpul experienței estetice. Frumosul se referă la un sentiment de plăcere și calm, în timp ce sublimul se referă la un sentiment de plăcere amestecat cu durere sau la o alternanță contradictorie de sentimente. Gustul nu mai este atunci o noțiune intelectuală, ci privește impresia sensibilă și sentimentul, definite de empiriciști ca fiind cele mai adevărate și mai vii idei ale minții. Cartea Philosophical Research on the Origin of Our Ideas of the Sublime and the Beautiful (1757) a filosofului irlandez Burke (1729-1797) poate fi considerată manifestul empiric al filosofiei estetice . Putem adăuga eseurile estetice ale lui Hume, precum și scrierile lui Shaftsesbury și Hutcheson . În Franța, Diderot și Encyclopédistes preiau idei similare. Charles Batteux comentează Aristotel și reduce toate artele la principiul imitării naturii frumoase. Abatele Jean-Baptiste Dubos și Voltaire contribuie la caracterizarea esteticii drept critică literară . În Germania, discipolii lui Wolff și Leibniz au fondat noua știință a esteticii. Baumgarten este urmat de Mendelssohn , Sulzer și Eberhard .
Kant trece pentru că a conferit esteticii autonomia sa ca domeniu propriu artei, dar în realitate autonomia privește doar „subiectul estetic” și este legată de cunoaștere și morală. Transcendentală estetică în Critica ratiunii pure (1781) desemnează știința intuiției, a a priori conceptele de spațiu și de timp din punct de vedere al cunoașterii. Estetica este știința „sensibilului” spre deosebire de logică, care este știința „inteligibilului”. Kant remarcă faptul că doar germanii folosesc termenul estetic în sensul criticilor de gust, despre care nu are nicio întrebare. În Critica Facultății de Judecătorie (1790), Kant analizează problema judecății gustului în raport cu frumosul și sublimul , dar și problema teleologiei în natură . El distinge facultatea de a judeca ca o facultate independentă de înțelegere sau rațiune și apoi integrează estetica în sensul teoriei gustului, frumuseții și artei în domeniul filosofiei transcendentale .
Întrebându-se despre natura sentimentului estetic, Kant observă că, pentru percepția plăcutului , fiecare persoană recunoaște că acest sentiment are valoare doar pentru propria sa persoană și că nu este posibil să conteste plăcerea simțită de celălalt: „când eu spune că vinul din Canare este plăcut, mă bucur să fiu luat înapoi și amintit că trebuie să spun doar că este plăcut pentru mine . Prin aceasta, el ajunge să creadă că „fiecare are gustul său particular”. Cu toate acestea, cazul frumuseții ar fi diferit, deoarece dacă judecă un lucru ca fiind frumos : „Atribuiesc altora aceeași satisfacție” și „Nu judec doar pentru mine, ci pentru toată lumea și vorbesc despre frumusețe ca și cum au fost o calitate a lucrurilor (...) ”. El demonstrează astfel că frumosul nu este plăcut . Judecata frumosului nu se face după un gust personal: „Prin urmare, nu putem spune aici că fiecare are gustul său particular”.
HegelÎn sistemul filosofic al lui Hegel , estetica este definită ca o filozofie a artei , iar scopul artei este de a exprima adevărul . Frumos este ideea într - o formă sensibilă, este absolută acordată intuiție. Arta este o obiectivare a conștiinței prin care se manifestă pentru sine. Prin urmare, este un moment important din istoria sa . Reflecția asupra artei este legată de sfârșitul artei, în sensul că acest scop este o depășire a elementului sensibil către gândirea pură și liberă. Această depășire are loc în religie și filozofie . Pentru Hegel cea mai proastă dintre producțiile omului va fi întotdeauna superioară celei mai frumoase peisaje, pentru că opera de artă este mijlocul privilegiat prin care spiritul uman este realizat.
Pentru Hegel, istoria artei este împărțită în trei, în funcție de forma și conținutul artei:
Hegel dezvoltă, de asemenea, un sistem de arte plastice, care este împărțit în cinci arte principale în funcție de spațiu (arhitectură, sculptură, pictură) și timp (muzică, poezie).
În Franța ( sec . XIX )Termenul estetic, care este absentă din Diderot Enciclopedia , găsit prima sa apariție în limba franceză , în 1743. Dar nu a luat rădăcini în Franța până în jurul valorii de 1850, când marile texte ale lui Kant , Hegel și Schelling au fost traduse sau transpuse de către Jules Barni și Charles Magloire Bénard . Bénard observă, în 1845, că estetica este cultivată cu ardoare în Germania, dar că nu este cunoscută în Franța. Întârzierea se datorează unor probleme naționale. Știința esteticii este percepută ca germană și nu găsește decât tardiv recunoașterea filosofică. Multe cărți sunt publicate, desigur, pe tot parcursul XIX - lea secol, care se încadrează în estetica ca știința frumuseții. Estetica este, de asemenea, subiectul predării în rândul discipolilor lui Victor Cousin, cum ar fi Théodore Simon Jouffroy sau Charles Lévêque (1861) din perspectiva platonică și spiritualistă. Dar prima catedră universitară dedicată predării esteticii a fost creată la Sorbona pentru Victor Basch abia în 1921 .
Estetica s-a dezvoltat și în afara instituției filosofice în domeniul criticii de artă . În 1856, Charles Baudelaire a intitulat Bric-à-brac esthetic studiul său dedicat saloanelor din 1845 și 1846. El i-a dat titlul final de Curiozități estetice în 1868. În articolul său despre Expoziția universală din 1855 , a criticat „profesorii „De estetică”, „doctrinarii frumosului” închiși în sistemul lor și care nu știu să înțeleagă corespondențele . El teoretizează apariția modernității în articolul său de capital The Painter of Modern Life (1863).
În Germania ( sec . XIX )În XIX - lea secol formalizeaza Kunstwissenschaft sau „știința artei“ în jurul valorii de o abordare istorică a artei, numită istorism ( în jurul principiilor individualitate și dezvoltare ), în special prin lucrarea „istoricul Jacob Burckhardt . Ambiția este aceea a unui studiu științific , departe de idealismul filosofic și critica literară . „Știința artei” nu se distinge clar de istoria artei . Apariția acestei mișcări este influențată de scrierile lui Winckelmann (1717-1768), care a determinat arta printr-o abordare istorică și a egalat istoria artei cu istoria civilizației . Cele lecții estetice ale lui Hegel justifică astfel importanța primelor istorice, precum și sistematizarea cunoștințelor.
Arthur Schopenhauer (1788-1860) este direct influențat de Kant , dar se reconectează cu gândurile lui Platon și Plotin . Pentru Schopenhauer, arta este o cunoaștere directă a Ideilor (dincolo de rațiune), care în sine se referă la un aspect suprem: voința . De asemenea, prezintă arhetipul geniului , capabil să depășească subiectivitatea umană și să acceseze cunoștințele finale (și să le dezvăluie oamenilor). El stabilește o clasificare a artelor, care se referă la platonism (sau gândire medievală). Influențează profund dramele și scrierile teoretice ale lui Richard Wagner . Friedrich Nietzsche (1844-1900) se opune pesimismului lui Schopenhauer , cu o atitudine estetică, dionisiaca , pe care o opune apolonianului . Inversând ierarhia platonică, sensibilul devine o realitate fundamentală: „arta are mai multă valoare decât adevărul”. Criticând principiul valorilor obiective ca rod al decadenței, Nietzsche îl plasează pe artist ca fiind creatorul propriilor sale valori singulare, oferite altor bărbați, pentru a le stimula „voința de putere”, adică forța lor de viață. Și bucurie. „Arta este marele stimul”. Potrivit lui Nietzsche, funcția artei nu este de a crea opere de artă, ci de a „înfrumuseța viața”. „Esențialul în artă este sărbătorirea, binecuvântarea, îndumnezeirea existenței”.
Aparand în XX - lea secol , sunt principalele mișcări ale esteticii contemporane. Acestea se încadrează în special în contextul preocupărilor cu privire la limba (întrebarea centrală a filozofiei XX - lea secol) în legătură cu apariția unor noi științe ( lingvistica , neurostiinta ).
FenomenologieHeidegger definește estetica ca „știința comportamentului sensibil și afectiv al omului și ceea ce îl determină” . După 1933 , în prelegerile despre „Originea operei de artă”, studiile sale despre poezia lui Hölderlin și pictura lui Van Gogh , Heidegger a abordat problema artei . Mută întreaga întrebare ontologică („Ce este ființa?”) Către arte. În abordarea sa fenomenologică , el desemnează opera de artă ca o implementare a unei dezvăluiri ( aletheia ) a Ființei de a fi. Opunându-se astfel curentului obiectivist (care stabilește adevărul printr-o relație cu ideea de realitate ), Heidegger definește arta ca mijloc privilegiat al unei „puneri în aplicare a adevărului” de către minte:
„Doar prin opera de artă, ca ființă care este ( das seiende Sein ), tot ceea ce apare în altă parte și este deja acolo este confirmat și accesibil, elucidabil și de înțeles, ca fiind sau dimpotrivă ca neființă . Deoarece arta ( Kunst ), într-un sens distins, conduce ființa să rămână în operă și să apară acolo ca ființă, ea poate fi apreciată ca puterea de a pune - lucrare scurtă, ca și tehnica . "
- Heidegger
Această abordare este dezvoltată ulterior de filozofi precum Jean-Paul Sartre , Maurice Merleau-Ponty , Mikel Dufrenne , Jean-François Lyotard .
Școala din FrankfurtFilosofii ale Școlii de la Frankfurt sunt puternic marcate de o gândire materialistă, inspirat de marxism și studiul crizelor XX - lea secol. Estetica lor se bazează pe o analiză critică a științelor sociale și pe un studiu al culturii de masă . Pentru Theodor W. Adorno (1903-1969), în special în Theory Aesthetic (1970), arta rămâne un spațiu de libertate, contestare și creativitate într-o lume tehnocratică. Arta are un rol critic față de societate și rămâne un loc al utopiei, atâta timp cât își respinge propriul trecut ( conservatorism , dogmatism , serialism). Adorno se va opune, de asemenea, facilităților culturii de masă ( industria culturală ), condamnând jazz-ul în treacăt.
Benjamin, printre subiectele sale de studii disparate, a dezvoltat în special conceptul de aura al operei de artă (1917), pe care ulterior l-a extins la studiul fotografiei și al cinematografiei și la reproductibilitatea tehnică a operelor. Aura va deveni un concept important pentru critica de artă contemporană ( ready-made , Warhol ). Contribuția lui Benjamin la estetica secolului XX ne permite să înțelegem mai bine originalitatea operelor de artă într-un context post-industrial și să menținem dezbaterea deschisă cu privire la legitimitatea și valoarea lor artistică.
„Postmodernism” francezÎntre anii 1960 și 1980, mai mulți filozofi francezi au încurajat noi abordări estetice. Teoriile lor disparate au o puternică influență în Statele Unite asupra criticii literare și artistice, unde sunt denumite „ teoria franceză ”. Acești autori, uneori atașați unei filozofii postmoderne sau post-structuraliste , urmăresc o critică a subiectului , a reprezentării și a continuității istorice, în special sub influența lui Freud, Nietzsche și Heidegger.
A se vedea în special: Jean-François Lyotard , Gilles Deleuze (planul de compoziție, figura estetică, percepe și afectează), Jacques Derrida ( deconstrucție și diseminare), Michel Foucault (estetica sinelui și a sexualității), Jean Baudrillard (obiecte și seducție).
Estetica analiticăApărut în anii 1950 , estetica analitică este curentul dominant al gândirii în lumea anglo-saxonă . Provenind din empirism și pragmatism , această estetică se bazează pe cercetări folosind instrumente logico-filosofice și analize ale limbajului, în extinderea filozofiei analitice . Această estetică este alcătuită dintr-un set de teorii omogene, legate în esență de analiza întrebărilor și definițiilor artei. Aceste teorii susțin că sunt independente de estetica „tradițională”, atât prin restricția obiectelor sale (sunt excluse: problema frumuseții, istoria esteticii), cât și prin specificitatea analitică a metodelor sale de cercetare (vezi referire la logică și nu speculativă) ). Abordarea metafizică urmează această tendință, în special pe „adevărul formelor” .
Dominique Chateau explică:
„Estetica analitică pretinde a fi o nouă versiune a esteticii, un mod de a o concepe care o întrerupe din tradiția sa, ca un nou limbaj pe care cineva ar pretinde că îl substituie limbajului comun și în care ar fi dificil de tradus. "
Primele lucrări importante de estetică urmează publicării postume a lui Wittgenstein's Philosophical Investigations (1953) , în jurul teoriei jocurilor de limbaj mai capabile să permită analiza termenilor limbajului obișnuit : de exemplu, cuvântul „ artă ” sau întrebarea „ Ce este Artă? ”(„ Ce este arta? ”, Fără determinant gramatical). Această cercetare este în dialog constant cu lucrările de artă contemporană de avangardă , în special cu cele ale lui Duchamp și Warhol . Lucrările analitice abordează în special: indefinibilitatea artei ( Weitz , „rolul teoriei în estetică”, 1956; Mandelbaum ); instituționalizarea artei ( Dickie , Arta si analiza Estetica Instituțional. , 1974); „lumea artei” (Dickie, Danto); identificarea operei de artă ( Danto , La transfiguration du banal , 1981); experiență estetică, arta ca simbol ( Goodman , Limbi de artă , 1968).
Această tranziție de la „Acest lucru este frumos” la „Aceasta este artă” datorită lui Duchamp va pune sub semnul întrebării definiția cuvântului care i-a fost dat de-a lungul secolelor. Totul fiind confruntat cu gusturi, nimic nu scapă esteticii, deoarece chiar și ceva ce ni se pare „urât” rămâne în primul rând supus judecății. Deci, în cele din urmă, definiția cuvântului ca sinonim de frumos, de frumos poate fi văzută ca eronată (termenul „inestetic” ar lua sens doar atunci când Omul nu mai este acolo pentru a privi lucrurile).
Noi științe ale arteiObiectele esteticii sunt abordate și de anumite discipline noi ale științelor umane și sociale , îmbogățind astfel cercetarea noilor abordări teoretice și metodologice.
Sociologie esteticăCa o extensie a istoriei culturale a secolului al XIX- lea , istoria socială a artei studiază forțele colective care acționează în artă. Opunându-se idealismului filosofic, această sociologie este inițial influențată de gândirea marxistă ( materialismul istoric ); evidențiază în principal contextul socio-economic și caută să lege dezvoltarea artistică de lupte și clase sociale. Opunându-se determinismului marxist , au fost ulterior puse în aplicare abordări distincte ale studiului contextelor sociale ale artei, mai atenți la mecanismele interne ale „lumii artei”: un studiu al inscripției contextuale a operelor în mediul cultural, în special prin istoria culturală și antropologia artei ( Lévi-Strauss , Boas ); un studiu sociologic al habitusului artei ( Bourdieu ); o sociologie a acțiunii și a interacțiunilor contextuale ( Becker ).
Aceste noi abordări ale artei sunt confruntate, de exemplu, cu ideea comună a unei opere, născută dintr-o inspirație „liberă” a artistului, sau dintr-o logică estetică intrinsecă artei și independentă de mediul social. De asemenea, sunt dezvăluite mecanismele sociale pentru recepția lucrărilor (distincție, coduri etc.). Cu toate acestea, aceste științe sociale eludează studiul operelor în sine, conferind poate un reducționism „social” artei; acesta este motivul pentru noi abordări nu numai de abordare a mediului, ci de practică, văzând lucrarea în sine.
Psihologia arteiPsihologia artei are ca scop studiul stărilor de conștiință și inconștiente fenomene la locul de muncă în artistice crearea sau recepția lucrării. Analiza creației artistice reia ideea primatului artistului însuși în interpretarea artei; idee dezvoltată încă de la Renaștere și romantism și deja inclusă în abordările biografice ale unor istorici de artă din secolul al XIX- lea (vezi Kunstwissenschaft ). Din 1905 , cu schița lui Freud a teoriei pulsiunilor , arta a devenit un obiect al psihanalizei . Această abordare nu vizează evaluarea valorii operei, ci explicarea proceselor psihice intrinseci dezvoltării acesteia.
„Găsirea legăturii dintre impresiile copilăriei și destinul artistului pe de o parte și lucrările sale ca reacții la acești stimuli, pe de altă parte, aparține celui mai atractiv obiect al examinării analitice” - FreudAceastă analiză se bazează în special pe conceptul de sublimare ; creația artistică este privită ca transpunerea unei pulsiuni ( dorințe ): încercarea artistului de a-și depăși nemulțumirea prin crearea unui obiect valorificat social capabil să-și satisfacă dorința. La fel, prin această abordare, arta este considerată ca un simptom: ea devine apoi instrumentul posibil pentru diagnosticul clinic sau terapie ( terapia cu artă ).
Analiza recepției extinde teoria Gestalt , psihologia formei ( XX - lea ). Această analiză a artei urmărește să determine procesele psihologice ale recepției operelor de către privitor. Această recepție nu mai este considerată ca o simplă percepție și descoperire (a cunoștințelor artistului), ci ca o recunoaștere a unei cunoștințe specifice spectatorului, propriei sale culturi și mediului său social ( Gombrich , Arnheim ). Aceste analize psihologice sunt extinse prin diferitele abordări cognitive ( psihologia cognitivă , filosofia minții etc.) și, în special, descoperirile recente în neuroștiințe (funcționarea sistemului nervos: creier, cinci simțuri etc.), care abordează prin noi căi pentru studiul percepțiilor sau factorilor de judecată estetică, chiar și a conceptelor de creativitate sau imaginație .
Semiologia arteiUrmând teoriile lui Ferdinand de Saussure și structuralism, o semiologie a artei este pusă încet în aplicare . Această „știință a semnelor” nu studiază tiparele sau semnificațiile operelor, ci mecanismele semnificării ( cum semnifică lucrarea); lucrarea este considerată aici ca un spațiu al semnelor și simbolurilor , a căror articulare trebuie descifrată. Limba de lucrări (de exemplu , limbajul pictural) nu este considerat ca fiind un sistem identic cu limbi : într - adevăr, acest „limbaj“ nu este compusă din unități lipsite de sensul (cum ar fi lingvistice foneme ), sau prin semne de convenție pură. Acest limbaj există în principal prin relații de analogie . In timp ce anumite coduri specifice limbajului de artă poate fi determinată (rolul formei, orientarea, scara, etc.), implicarea elementelor materiale corespunzător (legate de obiectul: pigmenților, lumina, etc.) nu poate fi însă, arta nu poate să fie reduse în întregime la sisteme lingvistice.
Cealaltă abordare semiologică analizează medierea artei prin limbaj (vorbit / scris), în special prin studiul discursului asupra artei (descriere, critică etc.). Acest discurs, considerat ca un „meta-limbaj” al operelor, ar putea astfel să arate lumina jocurilor de semnificație din artă. Această abordare a fost criticată în mod diferit de filozofi și istorici de artă, datorită logocentrismului său , o prejudecată care ar reduce operele vizuale doar la texte (descriptive și interpretative), în detrimentul materialității și experienței lor estetice (a spectatorului).
Arta chineză are o lungă istorie în schimbarea stilurilor și desenelor. În cele mai vechi timpuri, filosofii discutau deja despre estetică. Confucius (551-478 î.e.n.) a subliniat rolul artelor și literelor (în special muzica și poezia) în dezvoltarea virtuților și întărirea li (etichetă, rituri), pentru a se apropia de esența umană. Totuși , opozându-se acestor argumente, Mo Zi a susținut că muzica și arta plastică erau scumpe și ineficiente, beneficiind oamenii bogați, dar nu obișnuiți.
În scrierile din secolul al IV- lea î.Hr., artiștii dezbate propriile obiective în artă. De exemplu, sunt cunoscute trei lucrări ale lui Gu Kaizhi despre teoriile picturii. Mai multe lucrări ulterioare, scrise de artiști alfabetizați, se ocupă și de creația artistică. Influența dintre religie și filozofie, pe de o parte, și artă, pe de altă parte, a fost comună, dar nu omniprezentă; astfel, în fiecare perioadă a istoriei Chinei, este posibil să găsim arte care ignoră în mare măsură filosofia și religia.
În jurul anului 300 î.Hr., Lao Tseu a formulat concepții materialiste și estetice în legătură cu taoismul și legile naturii . Aceste opinii sunt în contradicție evidentă cu interesele minorității conducătoare.
Cel mai important reprezentant al tranziției la estetica medievale chineze este filosof Wang Chong , I st secol. Adoptă o substanță pur materială, qi , ca principiu al evoluției naturale și ca o caracteristică fundamentală a percepției umane. El consideră astfel lumea materială ca sursa oricărei frumuseți sau urâțenii; adevăr în curs de dezvoltare conformitatea artiștilor cu faptele.
Cao Pi (187-226) a urmat aceste considerații anterioare, însă a inclus nu numai criteriile frumuseții, ci și formele artistice . Xie He (479-502) concretizează aceste idei în cele Șase Principii ale picturii : expresia esenței manifestărilor vieții; arta picturii cu pensule; utilizarea culorilor în conformitate cu natura subiectului; compoziția ; concordanța formei cu lucrul real; imitație de cele mai bune exemple din trecut.
În secolul al XI- lea, scriitorul Su Shi a atras atenția asupra rolului de inspirație și talent .
În ciuda multiplicității reflecțiilor, evoluția esteticii chineze în perioada care a urmat a fost puternic împiedicată de slaba dezvoltare a forțelor productive și de rigiditatea relațiilor sociale, în forme feudale sau ulterioare.
Estetica japoneză reprezintă abordarea noțiunilor estetice vecine de frumusețe sau bun gust în cultura japoneză tradițională și modernă. Deși această abordare este văzută în societatea occidentală în primul rând ca un studiu filosofic, este văzută în Japonia ca o parte inseparabilă a vieții cotidiene și spirituale. Prin aspectele sale religioase, estetica japoneză este puternic influențată de budism . Este dezvoltat în special în budismul zen și Chanoyu . Chanoyu are multe aspecte: construcții , grădină și utilizarea plantelor, țesături, kimono , ceramică, artizanat bambus, caligrafie, turnătorie, de gătit ... Estetică sunt , de asemenea , evaluate prin idealuri, tradiționale , cum ar fi wabi- SABI , mono nu conștient , Iki , sau modern ca kawaii .
Estetica arabo-islamică sau estetică islamică nu se referă exclusiv la religie, ci la toate gândurile referitoare la cultura și contextul islamic și la practicile religioase și laice. Din lipsă de texte, nu este posibil să se cunoască teoriile estetice ale erei pre-islamice. Filozofii islamici nu au scris lucrări legate strict de estetică, dar în discuțiile lor despre Dumnezeu, abordează diferite dezbateri ale căror teme (arte, frumusețe, imaginație ...) sunt studiate astăzi în această disciplină.
Ideile de frumusețe sunt inspirate din secolul al IX- lea, de doctrinele neoplatonice , inclusiv cele ale lui Plotin , cu text arab lansat sub numele de Teologia lui Aristotel , care a influențat filosofii Al-Kindi (801-873) Al-Farabi (872 -950) și Avicenna (980-1037). Acești filosofi preiau în special distincția dintre frumusețea sensibilă și frumusețea inteligibilă și legăturile cu percepția, dragostea și plăcerea. În Orașul virtuos , Al-Farabi introduce ideea frumuseții inteligibile în discuțiile despre numele lui Dumnezeu . El invocă frumusețea și perfecțiunea lui Dumnezeu, pentru a justifica relațiile de transcendență dintre perfecțiune , frumusețe și plăcere. Lucrările umane sunt astfel inerent imperfecte (în comparație cu cele ale lui Dumnezeu); dezbateri privind relevanța reprezentării figurative în artă vor fi stabilite de-a lungul secolelor în societatea islamică . În Tratatul său de dragoste , Avicenna detaliază mai departe distincțiile dintre frumusețea inteligibilă și cea sensibilă și formele de plăcere sau atracție, luând în considerare și elemente psihologice și spirituale. Avicenna afirmă, de exemplu, că dorința de frumusețe sensibilă poate fi un lucru nobil, atâta timp cât aspectele sale pur animale sunt subordonate, iar inteligibilul își păstrează puterea de a influența sensibilul.
O parte importantă a discuțiilor filozofice se referă la artă , mai ales la retorica și poezia arabă sau persană . Inspirată de comentatorii greci ai lui Aristotel , această abordare a artelor este mai puțin estetică decât lingvistică și logică. Filosofii pun la îndoială eficacitatea limbajului, mecanismele sale lingvistice, utilizările sale (religioase, politice), capacitățile sale cognitive (convinge, fac oamenii să-și imagineze). Existența retoricii și a poeziei rămâne, de asemenea, esențială pentru filosofi, în explicațiile lor despre legăturile complementare dintre religie și filosofie (Al-Farabi, Averroès 1126-1198).
Muzica este supusă mai multor interpretări în urma școli: în cazul în care ulema îl privesc cu oarecare suspiciune, sufiștii - i dea un rol spiritual important. Al-Ghazâlî (1058-1111) dedică multe pagini efectelor auzirii muzicii, poeziei și rugăciunii asupra sufletului, iar filozofi precum Avicenna dezvoltă teorii matematice asupra sunetelor, în relație cu muzica sferelor .
Reflecțiile estetice, produse încă din secolul al VIII-lea în India , se concentrează pe teatru , care reunește mai multe arte ( actorie dramatică , poezie , muzică , dans ). În secolele X și XI, Abhinavagupta , în comentariile sale despre Abhinavabhāratī, a realizat o sinteză a esteticii. Filozofia esteticii este un domeniu laic. În centrul esteticii hinduse, conceptul de Rasa, în sanscrită „esență”, „gust” sau „aromă” (literalmente „seva” sau „suc”), este atribuit lui Bharata și dezvoltat de Abhinavagupta , care îl califică drept „ „Esența poeziei”. Această abstractizare sugerează că sentimentele umane (fiecărui sentiment îi corespunde un registru artistic) pătrund în forme întrupate. Rasa, care poate fi găsită în teatru și poezie , constituie componentele experienței estetice. Minunea și fericirea, superioare oricărei bucurii zilnice, reprezintă esența rasa. Cauzele și efectele actualizează dispozițiile permanente ale minții, care rezultă atât din experiența (inclusiv artistică) a vieții, cât și din viețile trecute. Combinația elementelor dramatice (în opera teatrală) face posibilă trezirea sentimentelor, realizarea rasa (aceleași dispoziții sunt la originea sentimentelor obișnuite într-o concepție neestetică).
Astfel, materialul artei are propria sa putere de a dezvălui rasa, ceea ce duce la o experiență de jubilare. Abhinavagupta compară teatrul cu riturile, în aranjarea acțiunilor purtătoare de putere. Această artă este opusă vieții de zi cu zi, satisfacerii unei nevoi sau a unui interes în care limitele timpului, spațiului și cauzalității înrobesc conștiința. Timpul desfătării estetice este prezentul, care corespunde eternității. Nu este vorba de reprezentare (o formă de reiterare a trecutului), ci de bucurie.
Termenul de pratibh înseamnă atât inspirație, cât și sensibilitate. Corespunde percepțiilor inefabile. Fericirea este esența conștiinței accesată de artist (yogin). Estetica hindusă capătă astfel o dimensiune metafizică.