Muzical este un teatru gen , amestec de comedie , cântând , dansând și step. Apărut la începutul XX - lea secol , este în tradiția căsătoriei teatrului și muzicii clasice , care au dat naștere secolele anterioare la balet , la opera , la opera de benzi desenate și opereta . A fost dezvoltat în special în Statele Unite , disociindu-se de anii 1910 de genul clasicprin integrarea muzicii „noi” precum jazz-ul . De fapt, termenul din zilele noastre evocă în principal Statele Unite și mai ales Broadway .
În ceea ce privește termenul „ opéra-comique ”, utilizarea cuvântului „comedie” trebuie luată în sens larg: într-adevăr, temele muzicalei pot fi ușoare sau tragice. Astfel West Side Story , inspirată din drama Romeo și Julieta a lui Shakespeare , nu poate fi considerată o piesă „comică”. Acesta este motivul pentru care numele de teatru muzical sau spectacol muzical au fost preferate de douăzeci de ani, precum și cuvântul muzical , în special pentru producțiile de limbă engleză.
De asemenea, termenul desemnează prin extensie în limbajul cotidian un film muzical . Lumea muzicalelor și a filmelor muzicale sunt de fapt strâns legate: multe muzicale au fost adaptate cinematografiei de la sosirea cinematografului vorbitor. Se întâmplă, mai rar, ca un film muzical să facă obiectul unei adaptări scenice, precum State Fair (1945) adaptat pentru scenă în 1992, Mary Poppins (1964), Chitty Chitty Bang Bang (1968), Victor Victoria (1982) ), sau chiar lungmetrajele animate de la studiourile Disney , Frumoasa și Bestia , Regele Leu , Sirenita , Tarzan și Aladdin . În cele din urmă, pot fi adaptate și unele filme non-muzicale, cum ar fi Billy Elliot (2000).
În 1285, Jacques Bretel în Tournoi de Chauvency descrie un joc care reunește toate caracteristicile musicalului: este o mică piesă teatrală cu temă de dragoste, unde actorii se improvizează și se exprimă cântând, dansând și mimându-și sentimentele. . Un menestrel, o doamnă nobilă și un cavaler sunt eroii acestui „joc al rozariului” sau „Coroana florilor”.
Termenul „musical” ( musical comedia ) a apărut a priori pentru prima dată în secolul al XVIII- lea în Italia pentru a califica puținele opere muzicale ușoare care combină vocea și dialogul (și, eventual, dansul), imaginea operei-comice franceze .
Găsim acest nume în Franța, de la „ Între cele două războaie ” până la sfârșitul anilor 1960 , pentru a califica comedii de mic bulevard muzical, numite și „operete ușoare”, precum Couchette nr. 3 de Joseph Szulc , Alex Madis și Albert Willemetz a avut premiera în 1929 la Théâtre des Capucines . Atunci nu are nimic de-a face cu musicalul american în forma sa primitivă. Calificativul de „comedie muzicală” va reapărea în Franța la mijlocul anilor 1990 pentru a califica (mai mult sau mai puțin justificate) diferite forme de opere muzicale.
American muzical în forma sa inițială, sa născut la începutul XX - lea secol , chiar dacă Black Crook (1866) este adesea considerat primul muzical. Este apoi foarte diferit de opereta europeană sau comedia muzicală. De fapt, nu s-a născut dintr-o formă teatrală, ci din amestecul a două genuri muzicale de origine britanică, atunci foarte la modă peste Atlantic: „ burlescul ”, un fel de mică recenzie născută în jurul anului 1830 pe scenele populare ale englezilor ” burduf ", mai mult sau mai puțin construit în jurul unui cadru foarte ușor, a unei teme sau a unui fir comun simplu, care păstrează sistemul de comedie care leagă numerele muzicale și recenzia muzicală , născută douăzeci de ani mai târziu în marele" caf 'conc' „al Londrei și care s-a dezvoltat în Statele Unite până la producțiile somptuoase ale lui Florenz Ziegfeld în anii 1910-1920.
Continuitatea dramatică nu este chiar respectată acolo. Broșurile sale sunt mai degrabă un set de legături în jurul unei povești vagi, chiar și a unui concept, servind doar pentru a da o coerență (uneori foarte fragilă) întregului. Se întâmplă adesea ca numerele muzicale ale aceluiași musical să fie scrise de compozitori diferiți. Irving Berlin , Cole Porter sau George Gershwin s-au ilustrat în acest gen hibrid, cu opere de mare calitate muzicală, multe dintre care „cifrele” au devenit „standarde” pentru cântecul american. Genul va deveni totuși teatral. Această dezvoltare s-a accelerat în special în începutul anilor 1930 cu sosirea cinematografului de vorbire (și cântare) care a cerut scenarii mai coerente.
În 1943, Richard Rodgers a început o colaborare - care va deveni legendară - cu libretistul Oscar Hammerstein II . După ce și-a încercat mâna în câteva recenzii, acest excelent compozitor a început, de asemenea, în „prima formulă” muzicală, având ca principal colaborator Lorenz Hart . Deja, cu lucrări precum Băieții din Siracuza în 1938 (după Comedia erorilor de William Shakespeare ) sau Pal Joey în 1940, el a inițiat o formă mai construită de comedie muzicală. Moartea prematură a lui Hart în 1943 îl împinge să caute noi colaboratori, pe care îi regăsește în persoana lui Hammerstein, înzestrată cu o experiență solidă în comedia muzicală „clasică” (aceasta din urmă este într-adevăr autorul succesului ca Rose-Marie cu Rudolf Friml în 1924, The Desert Song cu Sigmund Romberg în 1926 și Show Boat cu Jerome Kern în 1927) și care tocmai adaptase opera Carmen sub titlul Carmen Jones într-un musical .
Noul duo va evolua genul, fără a ezita să abordeze subiecte serioase pe un ton ușor și să nu neglijeze niciodată mesajul social (așa cum Hammerstein începuse deja cu Show Boat despre rasism). Colaborarea lor a produs lucrări, dintre care majoritatea vor deveni „clasice” datorită, în special, adaptărilor cinematografice. Printre acestea: Oklahoma! (1943), Pacificul de Sud (1949), Regele și eu (1951) și Cântecul fericirii (1959).
Au deschis o nouă cale pentru compozitori consacrați precum Irving Berlin (cu Annie Get Your Gun în 1946, Miss Liberty în 1949 sau Call me Madam în 1950), Frank Loesser ( Guys and Dolls în 1950) Cole Porter ( Kiss Me, Kate în 1948, Can-can în 1953), Meredith Willson ( The Music Man în 1957) dar și pentru noii veniți: Alan Jay Lerner și Frederick Loewe ( My Fair Lady în 1956), Jule Styne ( Gypsy în 1959, Funny Girl în 1964), Jerry Bock și Sheldon Harnick ( Lăutarul pe acoperiș în 1964), Jerry Herman ( Hello, Dolly! În 1964) sau chiar Mitch Leigh și Joe Darion ( Omul de la Mancha în 1965),
Dar coregraful Jerome Robbins și compozitorul și dirijorul Leonard Bernstein sunt cei care stabilesc regulile muzicalei americane care pot fi descrise ca „contemporane”. În On the Town, în 1944, Robbins a început să pună în practică ideile revoluționare: adunând strâns forme muzicale de obicei separate în Statele Unite, cântec și dans, ținând cont de caracterul personajelor și fuzionat în dialoguri vorbite. „ Linia corului ” (dansul ansamblului) este încă prezentă ca în primele zile, dar într-un mod care este întotdeauna justificat și poate fi, de asemenea, împărțit în solo. Rezultatul acestei cercetări a rezultat în 1957 în ceea ce va rămâne cu siguranță „capodopera” muzicalei americane: West Side Story .
Revoltele culturale și sociale care au însoțit sfârșitul anilor 1960 și au permis să apară noi talente. Printre ei John Kander și Fred Ebb ( Cabaret în 1966) și bineînțeles Stephen Sondheim . Acest compozitor este cu siguranță cel mai original. Și-a început cariera ca libretist și lirist , în special pentru West Side Story și Gypsy sau pentru una dintre ultimele opere pe care Richard Rodgers le-a compus după moartea lui Hammerstein (pe care Sondheim l-a considerat mentorul său) în 1960: Do I Hear a Waltz? (1965). Dar nu poate concepe un libret și versuri fără muzică și ar dori să fie recunoscut și ca compozitor. Începuturile sale sunt dificile ( Compania în 1970, Follies în 1971 și A Little Night Music în 1973 dintr-un film de Ingmar Bergman ). Limbajul său muzical nu seamănă într-adevăr cu standardele Broadway și încurcă publicul (unii critici merg până acolo încât îl numesc „groparul muzicalului” ): „numerelor” preferă continuitatea muzicală. a lui Puccini sau Wagner , adaptându-și stilul la temele broșurilor sale, ale căror surse de inspirație (în special extrase din literatura europeană și asiatică) sunt considerate prea „intelectuale”. Dar încăpățânarea lui a ajuns să dea roade ( Sweeney Todd în 1979) și este astăzi recunoscut drept unul dintre cele mai mari nume din comedia muzicală americană.
Revoluția hippie a lovit și muzicalul: la periferia miticii Broadway (de unde și numele lor „ off-Broadway ”) mai multe locuri mici sau locuri de cote și finalități, în care spectacolele „Avangardei” și „evenimentelor muzicale” din spiritul de protest al „ Flower Power ” începe să înflorească. Dintre aceștia din urmă, unul a câștigat repede onorurile unei scene de pe Broadway înainte de a face turul lumii: Hair , creat în 1967. Tinerii care, de mulți ani, evitaseră muzicalul, vin fără să vrea să-l reînnoiască, amestecându-și ritmurile (începând cu cu rock 'n' roll și folk ) și idealurile lor în spectacole care sunt adesea corozive și provocatoare.
Un alt tip de muzical își face apariția și va genera noi emulatori tineri în întreaga lume. În tradiția Hair, lucrări precum Jacques Brel Is Alive and Well and Living in Paris de Mort Shuman și Eric Blau în 1968, Godspell de Stephen Schwartz în 1971 sau mai recent Rent de Jonathan Larson , o transpunere contemporană a La Bohème de Puccini în timpul SIDA .
Scena engleză, leagăn al pop-ului , nu trebuie depășită cu The Rocky Horror Show în 1973 și mai ales un tânăr compozitor care își va lăsa de acum amprenta în lumea comediei muzicale, Andrew Lloyd Webber , cu Joseph și Amazing Technicolor Dreamcoat în 1968 și mai ales Iisus Hristos Superstar în 1971.
În anii 1980 , calitatea producțiilor a avut tendința de a stagna, adesea sacrificată în favoarea unor „rețete” ipotetice care și-au dovedit valoarea și pe care nimeni nu a îndrăznit să le schimbe, crezând astfel că păstrează o anumită rentabilitate. Rezultatul este o abundență de lucrări turnate în același tipar, într-un stil muzical uniform, ca să nu spunem igienizat, și care în cele din urmă nu va mai avea succes. Nu este cazul în Anglia, unde Andrew Lloyd Webber continuă să triumfe la Londra cu Evita (1978), Cats (1981) și The Phantom of the Opera în 1986 (din 2006, este comedia muzicală jucată continuu pe Broadway și care are a acumulat cele mai multe încasări la box-office, cu venituri de 3,2 miliarde de dolari), la care s-a alăturat în curând un compozitor francez, Claude-Michel Schönberg , care a reușit cu un succes răsunător în adaptarea în versiunea în limba engleză a musicalului său Les Misérables (1985).
Din 2004, New York salută în toamnă Festivalul de Teatru Muzical din New York (în) care durează trei săptămâni.
Majoritatea broșurilor muzicalei americane din aceste zile sunt structurate și urmează o continuitate dramatică. Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că genul a păstrat unele particularități ale originilor sale. Cea mai evidentă este importanța dansului, cu teatrul muzical european - începând cu opera - la rândul său privilegiind cântecul și ignorând chiar complet baletul (această tendință tinde să se schimbe). O altă particularitate este că încă găsim adesea dialoguri repetate cu numărul muzical care îl urmează.
Spre deosebire de Franța, succesul unui musical în Statele Unite și Regatul Unit este judecat după durata sa. Un spectacol muzical în care turneele din Franța vor sta câteva zile în fiecare oraș, în timp ce în țările anglo-saxone, musical-urile pot sta câteva luni în același oraș. Les Misérables deține astfel recordul absolut cu 21 de ani consecutivi, din 1985 până în 2006.
Această diferență se explică prin faptul că muzicalele anglo-saxone implică mijloace financiare mari care pot fi profitabile doar pe perioade lungi de operare. În plus, acestea necesită adesea amenajarea specială a teatrelor. Camera este, de asemenea, în unele cazuri, decorată și în culorile spectacolului.
Muzicalul "à la française" este deosebit de înfloritor în anii 1920-1930, când este numit și " operetă ușoară". Adevărate mici comedii muzicale de bulevard, ele rămân foarte diferite de „verii” lor americani. Interpretate cel mult de o duzină de interpreți, sunt însoțiți de o mână de muzicieni, chiar și un simplu pian.
Începând din anii 1970 , teatrul muzical „ușor” (spre deosebire de muzica „serioasă”) a suferit o lungă eclipsă. Dar, din 1995, un ușor tremur începe să se simtă cu câteva coperte de „standarde”, dar mai ales spectacole de montaje muzicale, cum ar fi The Java of Memories , The Twist Years și The Fever of the 80s de Roger Louret . Aceste spectacole, care totuși nu pot fi asimilate teatrului muzical produs în jurul unui concept și nu al unui libret, au câștigat favoarea publicului, beneficiind de o promoție larg transmisă de mass-media. Succesul lor deschide calea pentru Notre-Dame de Paris , creată pe 16 septembrie 1998, pentru care Richard Cocciante a acumulat „hiturile”. Cu toate acestea, încă nu o putem califica strict vorbind ca o „comedie muzicală” în măsura în care Luc Plamondon (care atunci nu a ezitat să o critice) a scris mai degrabă o succesiune de tablouri fără nicio continuitate dramatică, menită să pună în imagini care este practic un disc album. A fost totuși un succes popular incontestabil care a pus bazele unei forme noi - denumită în mod necorespunzător „operatică” (spre deosebire de Les Misérables ) - și care va genera numeroase opere, adaptate și din albume muzicale cu succese foarte diverse. O altă producție de mare spectacol, Da Vinci: Les Ailes de la lumière , un musical de Christian Schittenhelm inspirat din viața pictorului florentin și creat în vara anului 2000 la Cazinoul din Paris, folosește tehnologia 3D în dispozitivul său scenografic.
Odată cu anii 2000 , s-a simțit o „întoarcere la tradiții” odată cu apariția multor producții mai modeste care au câștigat succesul publicului și al criticii datorită originalității lor, precum Le Cabaret des hommes perdus (Molière 2007 din teatrul muzical) sau L 'Sarah's opera (Molière 2009 din teatrul muzical).
Sosirea companiei Stage Entertainment în august 2005 a supărat peisajul muzical prin actualizarea musicalului american datorită succeselor dovedite ale Cabaretului la Folies Bergère și ale Regelui Leu la teatrul Mogador (Molière 2008 al teatrului muzical) , de solide opere teatrale însoțite - așa cum ar trebui - de o orchestră. Deținătoare a drepturilor la multe muzicale grozave , ea a cumpărat imediat teatrul Mogador pentru a-l transforma într-un teatru muzical major echivalent cu cele din Londra și Broadway.
Odată cu revenirea teatrului muzical, a început să se organizeze o întreagă profesie și structurile, în cea mai mare parte asociative, s-au format încetul cu încetul. Creat la Béziers în 2005 de producătorul Matthieu Gallou, festivalul Les Musicals s-a mutat la Paris în vara anului 2007, înainte ca dificultățile financiare să ducă la finalul prematur al celei de-a șasea ediții în 2009.
O altă structură a fost creată în 2008: Diva , o asociație creată de Cathy Sabroux și Jacky Azencot (deja la originea festivalului Musique en și a sălii de concert Le Sous-Sol ), organizator al webzine-ului muzical regardencoulisse .com în mai 2009 al „Fête du théâtre musical” la teatrul Comedia și „Descoperirile Diva”, lecturi publice ale operelor scrise sau în căutarea producției prezentate în avanpremieră.
O „Federație de muzicale”, din nou la inițiativa lui Matthieu Gallou, a reunit între 2006 și 2010 profesioniști (artiști, autori, compozitori, producători) pentru a ajuta la crearea, promovarea și diseminarea tuturor formelor de teatru muzical.
Trofeele de comedie muzicală există din 2017 : recompense artistice acordate în cadrul unei ceremonii anuale. Jurnaliștii, bloggerii și profesioniștii în spectacole live sunt la inițiativa acestui proiect, toți lucrând pentru a promova musicalul prin una dintre următoarele șase entități fondatoare: canalul YouTube de pe Broadway din Paris , companiile de producție Kryzensha și Musidrama , Musical Avenue și Regard en Site-uri web Coulisse , dedicate evenimentelor actuale din teatrul muzical, și în cele din urmă autorul și lectorul de istoria muzicalului Patrick Niedo.
În 2003, s-au născut în Franța primele școli dedicate exclusiv comediei muzicale, cum ar fi Centrul Rick Odums / Institutul Superior de Arte Performante și Academia Internațională de Comedie Muzicală (AICOM), fondată de Pierre-Yves Duchesne . Alte școli își creează propriul curs multidisciplinar dedicat comediei muzicale, cum ar fi Choreia din 2001, ECM 3 ARTS s-a deschis în 2002 și a devenit ECM la Paris, studioul internațional Vanina Maréchal a fost deschis în 2008 sau Musidrama din 2012.
Un musical este „o piesă muzicală ale cărei melodii avansează acțiunea” și / sau explică psihologia unui personaj, în special în timpul solilohiilor. Termenul anglo-saxon „ muzical “ tinde să înlocuiască astăzi că a „comediei muzicale“, la fel ca și termenul „ comedia muzicală “ a fost înlocuit de „ joc muzical “ în țările vorbitoare de limba engleză în mijlocul XX E secol.
Noțiunea de „spectacol muzical” este utilizată din Notre-Dame de Paris (1998), constând - așa cum am menționat anterior - într-o succesiune de tablouri fără o continuitate dramatică reală. Concepția sa respectă regulile industriei de înregistrare: un album, alcătuit dintr-o serie de „hituri” potențiale, este lansat mai întâi, pentru a familiariza publicul cu muzica spectacolului și pentru a-i atrage când vine momentul. (spectacolul este deja parțial profitabil), în timp ce musicalurile așteaptă începutul spectacolelor pentru a lansa - dacă este posibil - un album.
Printre spectacolele muzicale construite pe acest principiu, putem cita Cele Zece Porunci , Regele Soare , Romeo și Julieta, de la ură la iubire , 1789: Les Amants de la Bastille , Robin des Bois , La Légende du Roi Arthur sau The Three Musketeers . Denumirea de „comedie muzicală” care uneori le este atribuită este, prin urmare, o eroare transmisă în mod obișnuit de presa franceză.
Notă: numai piesele muzicale care beneficiază de un articol sau care îndeplinesc criteriile de eligibilitate sunt enumerate mai jos (și nu filmele muzicale). La fel, sunt folosite doar datele de creație și nu copertele. Următoarele sunt specificate între paranteze în ordine: compozitorul (compozitorii) / versul (liricii) - libretistul (compozitorii).