Muzeul de Artă Modernă
Tip | Muzeul de artă, organizația legată de artă ( d ) |
---|---|
Deschidere | 7 noiembrie 1929 |
Lider |
Alfred Barr , primul regizor Glenn D. Lowry, actual director |
Zonă | 11.600 m 2 |
Vizitatori pe an | 2.750.000 ( 2017 ) |
Site-ul web | www.moma.org |
Colecții | Artă Modernă |
---|---|
Numărul de obiecte |
150.000 de picturi , sculpturi , desene , gravuri , fotografii , modele și opere de artă 22.000 de filme 4.000.000 de diapozitive |
Arhitecți | Yoshio Taniguchi , Edward Durell Stone |
---|
Țară | Statele Unite |
---|---|
Comuna | New York |
Abordare |
11 West 53rd Street New York City 10019 |
Informații de contact | 40 ° 45 ′ 41 ″ N, 73 ° 58 ′ 40 ″ V |
Muzeul de Artă Modernă , cunoscută sub acronimul MoMA , este un muzeu de artă modernă și contemporană deschis în 1929 , iar acum situat în districtul Midtown din Manhattan , New York , pe 53 th Street între a cincea și a șasea bulevarde .
MoMA este unul dintre cele mai importante și influente muzee de artă modernă din lume. Colecția MoMA oferă o privire asupra artei moderne și contemporane, în principal europene și americane ; include desene , picturi , tipărituri , sculpturi , fotografii , lucrări de arhitectură și design , cărți ilustrate și cărți de artiști, filme și suporturi electronice.
Biblioteca MoMA include aproximativ 300.000 de cărți și cataloage de expoziții, peste 1.000 de titluri periodice și peste 40.000 de fișiere efemere despre artiști sau mișcări. Arhivele conțin surse primare legate de istoria artei moderne și contemporane.
La mijlocul anilor 1920, trei femei, Abby Aldrich Rockefeller (soția lui John D. Rockefeller, Jr. ) și doi dintre prietenii ei, Lillie P. Bliss (în) și Mary Quinn Sullivan (în) , patroni influenți și progresiști , văd necesitatea de a oferi o alternativă la politicile conservatoare ale muzeelor tradiționale din Statele Unite . Reușind să-l convingă pe industriașul și bancherul Anson Goodyear (ro) să-i susțină, care fusese unul dintre cei mai mari patroni ai Albright - Knox Art Gallery ( Buffalo ), au decis să creeze o instituție dedicată exclusiv artei moderne al cărei rol va fi pentru a păstra lucrări cunoscute dar mai ales pentru a-și deschide porțile către tinerii artiști contemporani. Alfred Barr este primul său regizor. În New York nu exista nicio instituție muzeală dedicată artei contemporane, cu excepția Muzeului de Artă Vie, fondat de Albert Eugene Gallatin (în) la Universitatea din New York (1925) și a colecției Société Anonyme, Inc. fondată de Katherine Dreier. și Marcel Duchamp și găzduit de Muzeul Brooklyn (1927). 7 noiembrie 1929o mare expoziție este organizată în clădirea Heckscher de pe 730 Fifth Avenue, o cameră împrumutată pentru ocazie, care reunește 35 Cézanne, 28 Van Gogh, 21 Gauguin și 17 Seurat, făcând posibilă strângerea a peste 50.000 de dolari în fonduri pentru noul muzeu. În 1930, a doua expoziție a făcut posibilă evidențierea a 19 tineri pictori americani: pariul a fost câștigat.
De-a lungul istoriei sale, muzeul a ocupat succesiv un spațiu de birouri închiriat pe Fifth Avenue în noiembrie 1929 la câteva zile după prăbușirea pieței de valori ; în 1932 o casă de oraș închiriată Rockefeller-urilor ; în 1937, spații temporare la parterul Rockefeller Center . În 1939, o clădire proiectată de arhitecții moderniști Philip L. Goodwin și Edward Durell Stone în stil internațional a fost construită pe strada 11 West 53rd , locația sa actuală. Această clădire a suferit extinderi semnate de arhitectul Philip Johnson (membru al consiliului de administrație) în 1951 și 1964. Reconfigurarea Grădinii de sculptură Abby Aldrich Rockefeller a fost semnată și de Philip Johnson în 1953. În 1984, muzeului i s-a oferit o extensie de către Cesare Pelli, iar în 2004, a fost efectuată o renovare majoră și adăugire sub conducerea lui Yoshio Taniguchi .
La începutul anilor 2010, muzeul a cumpărat sediul Muzeului American de Artă Populară pentru a construi o nouă extensie.
Ultima operațiune de renovare și extindere este realizată de firma de arhitectură Diller Scofidio + Renfro ; livrarea este programată după patru luni de la închiderea15 iunie la 21 octombrie 2019.
De la deschiderea sa în 1929 până în prezent, MoMA a continuat să modifice și să mărească atât clădirile sale, cât și colecțiile sale; MoMA a trecut de la a fi o entitate experimentală, incertă, la o proclamație triumfătoare, înscrisă pe acoperișul său, desemnând-o drept Muzeul de Artă Modernă din New York.
De administratorii , Abby Aldrich Rockefeller și doi dintre prietenii ei, Lillie P. Bliss și Mary Quinn Sullivan, a ales Barr ca principale, când el avea doar douăzeci și șapte de , pentru că în calitatea sa de profesor la Colegiul Wellesley , el a dezvoltat și a predat un curs vizionar de artă modernă, o premieră în Statele Unite. El a fost instruit în istoria artei la Universitatea Princeton și Universitatea Harvard sub conducerea istoricului de artă medieval Paul Sachs. Mai mult, o vizită la Bauhaus în 1927 îl făcuse conștient de o abordare multidisciplinară, deschisă pentru multe practici artistice, o abordare inovatoare pentru acea vreme.
În timpul primei expoziții MoMA din 1929, Alfred Barr și-a explicat alegerile și abordarea pentru acest muzeu de artă modernă.
Astfel, în prima broșură MoMA publicată în 1929 de muzeu, Alfred Barr constată că în întreaga lume există un interes crescând față de artiștii contemporani și că aceștia se găsesc fie în colecții private, fie în galerii și expoziții. Personal permanent al muzeelor sau public instituții. Este surprins că: „metropola americană nu are o galerie expozițională de acest tip, este extraordinar de anormală”. El compară această situație cu cea a colecțiilor publice moderne din alte orașe importante din lume, cum ar fi Londra , Paris , Berlin , München , Moscova , Tokyo , Amsterdam . Pentru aceste exemple, New York-ul trebuie să apeleze la idei.
Proiectul inițial al lui Barr a inclus departamente dedicate picturii și sculpturii, dar și desenului, gravurii, fotografiei, tipografiei , designului comercial și industrial, arhitecturii (oferind o colecție de proiecte și modele ), scenografiei , mobilierului și artelor decorative . De asemenea, urma să fie creată o filmotecă.
Cu toate acestea, consiliul , temându-se că publicul ar putea să nu fie gata să accepte aceste noi forme de artă, a redus semnificativ lista dorită a lui Barr, astfel încât textul final să citească pur și simplu: „ În viitor, colecțiile muzeului se vor extinde dincolo de pictură și sculptură la includ departamente dedicate desenului, tipografiei și altor domenii ale artei moderne. " .
Alfred Barr își va păstra însă proiectul în minte. Pe un alt exemplar al broșurii din arhivele MoMA, putem vedea, în partea de jos a paginii, lista scrisă de mână a lui Barr a diferitelor departamente ale muzeului și datele dorite ale creațiilor lor: desen 1929, arhitectură 1932, fotografie 1932, 1934 design industrial, film din 1935, 1940 teatru și dans.
În plus, primele comunicate de presă de la MoMA , în mod clar de stat că nu va exista nici un conflict între misiunea noului muzeu și cel al Muzeului Metropolitan de Artă , luând ca o analogie a relației dintre Musée du Luxembourg și Luvru. Din Paris care împreună au oferit publicului posibilitatea de a vedea arta de azi și arta trecutului. „Tânărul muzeu va avea mai multe funcții; va trebui mai întâi să înființeze o colecție de vechi maeștri, americani și europeni, care tocmai au precedat mișcarea modernă. Galeriile muzeului vor afișa colecții alese cu grijă ale celor mai importanți maeștri vii, în special cei din Franța și Statele Unite, deși va exista probabil un reprezentant din Anglia , Germania , Italia. , Mexic și alte țări ” .
MoMA a dorit să completeze alte instituții din New York și mai ales MET , cea a unei instituții mereu în mișcare, după modelul desenat de Alfred Barr în 1933, torpila: „nasul” torpilei care reprezintă prezentul, corpul său arta ultimilor cincizeci de ani și a lui trage vărsarea de-a lungul anilor celor mai vechi lucrări, astfel încât să păstreze doar esențialul.
Constituția colecțiilorMuzeul și-a construit colecția de-a lungul deceniilor și adesea de-a lungul expozițiilor de către patru generații de curatori cu diverse sensibilități, acestea au fost, de asemenea, foarte îmbogățite prin donații externe de la colecționari a căror contribuție a fost decisivă.
Astfel The Bathers (1885) de Paul Cézanne prezentat în timpul primei expoziții pe7 noiembrie 1929, a fost primit printr-un legat de la Lillie P. Bliss în 1934 și a fost unul dintre primele tablouri care au intrat în colecțiile MoMA. House by the Rail Road (1925), o lucrare a lui Edward Hopper , a fost, de asemenea, una dintre primele lucrări care au intrat în colecții. A fost împrumutat mai întâi de proprietarul său Stephen C. Clark (moștenitorul mașinilor de cusut Singer care s-a alăturat consiliului de administrație MoMA pentru a doua expoziție a muzeului, Picturi de nouăsprezece artiști americani vii dinDecembrie 1929. La scurt timp după încheierea expoziției, Stephen Clark donează anonim pictura muzeului. Aceste donații sunt esențiale pentru tânărul muzeu, deoarece la început, fără fonduri dedicate achizițiilor, Barr trebuie să se bazeze pe generozitatea administratorilor și a altor patroni pentru a începe să constituie colecția. Cu toate acestea, dacă primul director a fost foarte recunoscător pentru donațiile primite, a fost dornic să pună în aplicare o politică de achiziții coerentă și controlată . „Dezvoltarea unei colecții nu poate fi lăsată la voia întâmplării”, spune el .
De la creație, Alfred Barr a dorit ca acest muzeu să fie ancorat în timpul său, dar să nu nege trecutul. Acesta este motivul pentru care a ales să prezinte , la prima expoziție în 1929 de artiști de la sfârșitul al XIX - lea secol, cele din a doua generație ca Gauguin , Seurat , Van Gogh , și următoarea expoziție Matisse și Picasso ( care nu este prezentat la MET ).
În 1929, data din 1880 corespundea cu începutul unei perioade de aproape cincizeci de ani de spirit modern pe care muzeul și-a propus să-l facă cunoscut publicului din New York.
Aproape toate disciplinele încă colectate astăzi, pictura și sculptura, arhitectura și designul, desenul și tipăriturile, precum cărțile de artiști, cinematografia și fotografia, și-au făcut intrarea în colecțiile din primul deceniu al instituției.
MoMA a fost unul dintre primele muzee de artă din lume care a înființat, în 1940, un departament specific dedicat fotografiei, fondat de Beaumont Newhall ; acest lucru a contribuit foarte mult la recunoașterea acesteia ca artă de sine stătătoare și a avut o mare influență în acceptarea fotografiei de către alte muzee din întreaga lume.
Organizare și evoluțiiÎn cadrul unei organizații administrative relativ stabile, obiectele colectate de departamente sunt foarte diverse și definirea lor în continuă transformare, susținând, uneori cu întârziere, evoluția practicilor și tehnologiilor.
De exemplu, colecția de lucrări pe hârtie, limitată inițial la desenul alb și negru doar până în anii 1950, s-a deschis, treptat și tardiv, la alte practici, de la colaj la culoare, când în același timp, au fost deschise tipărituri la multipli și la poster cu, de exemplu, lucrările derivate ale lui Ronald Haeberle .
Împuternicirea, la sfârșitul anilor 1960, a desenului și a tipăritului, până atunci responsabilitatea Departamentului de pictură și sculptură, a avut loc atunci când aceste practici au devenit centrale pentru avangarda perioadei.
Arhitectura, limitată mult timp la prezentarea de desene, planuri sau modele, s-a îndreptat recent în mod voluntar spre fotografie și imagini în mișcare.
De asemenea, Departamentul de fotografie, condus din 1947 până în 1962 de Edward Steichen , responsabil cu expoziția Familia omului , a început abia în anii 1960 să ia în considerare în colecțiile sale non-formele de fotografie, în special practica amatorilor .
În timp ce MoMA este adesea văzut ca depozitul unei viziuni elitiste a artei moderne (expunând numai artiști de renume mondial), cultura populară a fost totuși luată în considerare timpuriu de multe dintre departamentele sale: în anii 1930, sub conducerea lui John Hay Whitney , Iris Barry , primul regizor al Filmotecii, a reușit să achiziționeze pentru muzeu un film de Walt Disney , ( Steamboat Willie din 1928) și filmul lui Eisenstein ( Battleship Potemkin lansat în 1925), unul este exemplul cel mai strălucitor al un film de divertisment și celălalt al filmului unui autor. Siegfried Kracauer va lucra și pentru filmoteca.
În ceea ce privește designul, din expoziția „Machine Art” din 1934, MoMA a afirmat criterii foarte stricte de la care s-a abătut puțin, favorizând mai degrabă produsul industrial decât obiectul prețios, prototipul , utilizarea pe teren. Estetic, cultural sau chiar abordare antropologică a artisticului. În acest context, Departamentul de Arhitectură și Design a continuat să depășească limitele colecției, punând sub semnul întrebării definiția obiectului muzeului: intrarea în ultimii ani a formelor populare.
Astfel, în 2006, crearea unui nou departament Media , care în 2009 va deveni departamentul Media și Performanță , responsabil cu lucrările care se desfășoară în timp (lucrări bazate pe timp), subliniază necesitatea de a ține cont pe deplin de formele de artă colectate anterior sporadic și incomplet de către alte departamente, Cinema cu video, Pictură sau Sculptură, în special pentru instalații multimedia.
În cadrul unei scheme generale, fiecare departament și-a dezvoltat deci propria cultură, logica achizițiilor specifice, o evoluție consolidată din anii 1960, prin înlocuirea comitetului de achiziții al muzeului cu comitetele de achiziții de către departamente.
Pentru a rămâne mereu un muzeu de artă modernă, MoMA a trebuit să se reînnoiască și să varsă o parte din colecțiile sale la fiecare cincizeci de ani. Acest lucru a determinat MoMA să cedeze capodoperele mai vechi din colecția sa la Metropolitan Museum of Art din New York în 1947 în schimbul fondurilor destinate achiziționării de opere contemporane.
Dar acest lucru nu a fost suficient, deoarece problema pusă de prezentarea lucrărilor moderne în galerii menținând în același timp o rată susținută de achiziție nu a fost rezolvată. Muzeul trebuie să ordoneze în mod constant ceea ce este prezentat în camere și, de asemenea, să modifice interiorul și exteriorul clădirilor sale pentru a menține o prezentare judicioasă a lucrărilor sale.
MoMA PS1 , situat în Queens , MoMA afiliat începând cu 2000 ca anexă.
Colecție și lucrări istoriceÎn 1939, la zece ani de la crearea sa, colecția MoMA și-a adoptat propriile contururi: „o colecție de artă internațională” de la postimpresionism , cu accent pe Europa în primii ani și o extindere în anii următori.
Instituția păstrează una dintre cele mai importante colecții de artă modernă și contemporană din lume cu cea a Centrului Georges-Pompidou (Paris) și a Tate Modern (Londra). Colecția muzeului conține până în prezent aproximativ 200.000 de lucrări. 77.000 pot fi vizualizate online. Centrul Pompidou care conține peste 100.000 de lucrări din 1905 până în prezent.
Colecția MoMA este bogată în multe producții artistice moderne și contemporane în domenii atât de diverse precum pictura, sculptura, desenul, dar și fotografia, designul ( Charles Eames , Livio Castiglioni , Achille Castiglioni , Pier Giacomo Castiglioni , Isamu Noguchi ) și arhitectura ( Frank Lloyd Wright , Ludwig Mies van der Rohe ), video ( Pac-Man ) și film ( Citizen Kane , All Is Full of Love ) de când MoMA a început să colecționeze primele sale filme prin crearea în 1935 a unei biblioteci de film.
Robert Delaunay , Turnul și roata .
Henri Rousseau , cunoscut sub numele de Douanier Rousseau, La Bohémienne endormie , 1897 .
Henri Rousseau dit le Douanier Rousseau, Le Rêve , 1910 .
Henri de Toulouse-Lautrec , La Goulue cu două femei din Moulin Rouge , 1891-1892.
Vasili Kandinsky , Lumile mici .
Colecția este completată de arhive documentare foarte bogate, indiferent dacă este vorba despre arhivele expozițiilor și activităților MoMA sau ale bibliotecilor specializate, precum cea dedicată artelor latino-americane moderne și contemporane .
Situația artistică până la sfârșitul celui de-al doilea război mondial din Statele Unite nu a fost cea mai favorabilă pentru artiștii contemporani. Mișcarea expresionismului abstract a făcut obiectul numeroaselor atacuri ale tuturor politicienilor până la președintele Truman însuși.
Truman credea că arta nu era inocentă, ci puternic pătrunsă de politică. Și acest președinte democratic , era, de asemenea, conservator și anticomunist și era puternic atașat de valorile tradiționale din domeniul artelor. În 1950 , unii reprezentanți precum congresmanul republican George Anthony Dondero (în) , care simboliza sulița de fier a anticomunismului care va deschide ușile mccarthyismului , au devenit portavocul unui tradiționalist și lobbyist american , afirmând în mari efecte retorice : „ Cubismul aspiră la distrugere prin discordanța designului. De futurismul aspiră la distrugere prin mitul mașinii ... The dadaism vizează distrugerea prin ridiculizare. Expresionismului își propune să distrugă mimând primitiv și nebuni ... " . „Artiștii ultramoderni sunt folosiți inconștient ca instrumente de către Kremlin. " .
Și, chiar dacă artiștii și inteligența americană au suferit o „de-marxizare” între 1935 și 1941, rămâne faptul că artiști precum Jackson Pollock , Motherwell sau Rothko au avut, în anii 1930, o producție artistică și poziții angajate politic, chiar și pentru unii revoluționari. Pollock, de exemplu, a experimentat tehnica de propagandă a frescei alături de Siqueiros . Acest tip de poziție nu a putut fi uitat de anticomunisti.
Astfel, în timpul Războiului Rece , promovarea oficială a expozițiilor de artă modernă nu a fost deci posibilă pentru guvern. Dar se confrunta cu o necesitate: cultura și în special artele plastice reprezentau un spațiu de luptă ideologică puternică pe care sovieticii nu au omis să-l folosească. Și, în ciuda dezacordului estetic, dar și social, care ar putea exista între artiștii avangardei și guvernul american, arta modernă a reprezentat, în ciuda tuturor, pentru acesta din urmă o ideologie a libertății.
Guvernul a încercat să implementeze proiecte prin intermediul diferitelor agenții, cum ar fi Agenția de Informații a Statelor Unite (USIA), dar multe au trebuit anulate din cauza opoziției.
Prin urmare, a fost necesar să apelăm la organizații care să apere și să promoveze avangarda ca model de libertate americană. Guvernul a apelat la sectorul privat, în special la Muzeul de Artă Modernă din New York. Într-adevăr, în Statele Unite majoritatea muzeelor și colecțiilor de artă sunt „private”. Prin urmare, a fost relevant pentru liderii americani să sprijine acele muzee și fundații care sunt deja obișnuite să susțină expresionismul abstract.
Programul internațional MoMA a produs deja, în diferite capitale ale lumii ( Londra , São Paulo , Paris ...), expoziții de artă americană contemporană și, în principal, de expresionism abstract. Muzeul și-a asumat, de fapt, reprezentarea americană unde alte națiuni erau reprezentate de sprijinul guvernului la expoziții. Între 1954 și 1962, Departamentul de Stat a refuzat să își asume responsabilitatea pentru pavilionul american în timpul Bienalelor de la Veneția . Managementul acestui pavilion național a fost, prin urmare, încredințat MoMA cu sprijinul financiar al Agenției Centrale de Informații, distilat prin fundații.
Astfel, în 1960, a fost deschisă la Muzeul de arte decorative din Paris , o expoziție numită Antagonism ; în această expoziție au fost găsiți, printre alții, Sam Francis , Jackson Pollock, Mark Rothko, Mark Tobey , Beauford Delaney ... Această expoziție a fost prezentată parțial la Viena pentru a contrabalansa festivalul tineretului comunist care a avut loc anul precedent. În introducerea catalogului expoziției The New American Painting , Alfred Barr a arătat rolul expresionismului abstract în timpul Războiului Rece .
850 de milioane au fost colectate pentru renovarea MoMA la începutul XXI - lea secol: 500 de milioane a fost dat de către Consiliul de Administrație filantropic ; 65 de milioane au fost donate de către New York City. Muzeul a putut să se extindă (suprafața sa a fost dublată): acum are trei magazine de suveniruri și librării, patru cafenele și restaurante și poate găzdui 7.000 de vizitatori pe zi. Proiectul este condus de Kohn Pedersen Fox . Cu toate acestea, aceste renovări și extinderi inițiate de actualul director al muzeului Glenn D. Lowry nu sunt întotdeauna văzute ca îmbunătățiri, așa că Michael Wolff din The Guardian le consideră contrare intereselor muzeului.
După renovare, taxa de intrare a crescut la 20 USD. Cu toate acestea, intrarea rămâne gratuită pentru sub 16 ani și studenții din New York. Intrarea este liberă în fiecare vineri după - amiază de la cu 4 p.m. la 8 p.m. , datorită sprijinul sponsorului, Uniqlo magazine .
În 2010, muzeul a găzduit 3.131.238 de persoane, devenind a treia cea mai vizitată instituție din Statele Unite după Metropolitan Museum of Art (New York, 5.216.988 de persoane) și National Gallery of Art (Washington DC, 4.775.114 persoane). În 2017, a primit vizita a 2.750.000 de oameni, alunecând pe poziția a șaptea pe continentul nord-american.
: document utilizat ca sursă pentru acest articol.