Muzică minimalistă

Muzica minimalist este un curent de muzică contemporană a apărut în 1960 în Statele Unite , care este o parte importanta a muzicii clasice în această țară . În Franța, curentul este denumit frecvent muzică repetitivă și, mai specific, desemnează toate operele folosind repetarea ca tehnică de compoziție. Principalii compozitori de muzică minimalistă sunt La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass și John Adams . Opera considerată a fi fondatorul minimalismului este In C de Terry Riley , compusă în 1964 . Uneori se face referire la muzica minimalistă sub eticheta mai largă a muzicii postmoderne .

Mai mult decât o revenire la tonalitate , curentul se caracterizează în principal prin utilizarea unei pulsații regulate și repetarea unor modele scurte, care evoluează lent. Dincolo de o mișcare de reacție la serialism , atunci dominantă în Europa, muzica minimalistă marchează apariția muzicii americane inovatoare, dezlegată de legăturile sale europene. Compozitorii minimalisti au făcut, de asemenea, o revenire la o emoție mai muzicală, în loc de abordarea esențial intelectuală a muzicii seriale , sau abordarea conceptuală a muzicii experimentale, cum ar fi practica John Cage . După începuturi dificile în afara circuitelor tradiționale ale muzicii clasice , muzica minimalistă a dobândit sprijinul unui anumit public, uneori provenind din universuri diferite, cum ar fi jazz , rock , muzică improvizată sau muzică electronică . Televiziune și cinema au folosit pe larg această muzică, în special lucrările lui Philip Glass, contribuind la răspândirea sa în publicul larg. Critica violentă a fost exprimată și din lumea muzicală față de curentul minimalist, acuzând-o că produce muzică de consum, superficială și lipsită de suflet.

General

Prezentare

Termenul de muzică minimalistă este în general folosit pentru a se referi la un curent de muzică contemporană care a apărut în anii 1960 în Statele Unite alături de compozitorii La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich și Philip Glass. Mișcarea se dezvoltă în principal în cele două regiuni ale Statelor Unite în mod tradițional cele mai deschise la inovațiile și influențele artistice din culturile non-europene: New York și Coasta de Vest . Minimalismul are adepți și în Marea Britanie ( Michael Nyman , Gavin Bryars ), Olanda ( Louis Andriessen ), Franța ( Renaud Gagneux , Bruno Letort ), dar rămâne mai presus de toate un fenomen american.

Termenul este uneori folosit mai general pentru a include anumiți compozitori de muzică experimentală sau de muzică postmodernă . În special, Arvo Pärt și Henryk Górecki sunt uneori denumiți compozitori minimalisti, deși au preocupări foarte diferite de cele ale repetitivelor americane.

Muzica minimalistă marchează o pauză cu avangarda și o revenire la muzica tonală , sau uneori modală . De asemenea, se caracterizează, în general, printr-o anumită simplitate și economie de mijloace. În funcție de compozitori, se utilizează diverse caracteristici: utilizarea proceselor compoziționale sistematice, structuri repetitive și pulsații regulate pentru repetitivele americane, o influență a muzicii religioase și medievale pentru Arvo Pärt și Henryk Górecki, revenirea la anumite forme clasice ( cvartet , simfonie) …) Pentru John Adams .

Anul 1976 marchează un vârf al mișcării minimaliste în ansamblu, cu creațiile concomitente de muzică pentru 18 muzicieni de Reich, opera Einstein on the Beach de Glass, De Staat de Louis Andriessen, de Für Alina piesa fondatoare. Din Arvo Pärt stilul tintinnabuli și a treia simfonie a lui Henryk Górecki. Toate aceste lucrări au în comun, în afară de data premierelor lor, că reprezintă un pivot în cariera compozitorilor lor, fie prin a fi punctul culminant al muncii teoretice, fie prin constituirea începutului unui nou stil de scriere care aduce un „ gură de aer proaspăt“ în lumea muzicii clasice a XX - lea  secol .

Fundal muzical

Muzicii contemporane din anii 1950 până în 1960 este dominat de serialiste completă și avangarda europeană în jurul valorii de Pierre Boulez , Luigi Nono , Bruno Maderna , Luciano Berio , Karlheinz Stockhausen ... Compozitorii experimentează noi tehnologii electronice și , astfel, se topesc bazele muzicii electronice și ale muzicii concrete , sub impulsul în special al lui Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen și Pierre Henry .

În Statele Unite , figura lui John Cage domină, într-o abordare esențial conceptuală, aproape de a se întâmpla , cu nedeterminarea ca fir comun. Este, de asemenea, momentul creării mișcării artistice Fluxus , care urmărește să depășească limitele însăși noțiunii de operă de artă, care influențează și minimalistii. Anii 1950-1960 au văzut, de asemenea, nașterea și dezvoltarea sub influența lui John Coltrane și Ornette Coleman , free jazz-ul care marchează în special compozitorii americani ai vremii.

Nici muzica populară nu poate fi ignorată în contextul muzical. Apariția dominanței rock , descoperirea în vest a muzicii extra-occidentale și, în special , a muzicii indiene , au exercitat, de asemenea, o influență asupra minimalistilor.

Pe termenul minimalist

Originea termenului „minimalist” pentru a califica mișcarea minimalistă rămâne neclară. Compozitorul britanic Michael Nyman este în general creditat cu cartea sa din 1974 Experimental Music: Cage and beyond .

Cu toate acestea, încă din 1968 Nyman folosise termenul „minimal” într-un articol numit Minimal Music despre opera compozitorilor Cornelius Cardew și Henning Christiansen .

Termenul „minimalist” va fi folosit ulterior de Nyman pentru a descrie nu numai curentul american, ci și producția de muzică experimentală engleză (inclusiv compozitorii Gavin Bryars , Christopher Hobbs , Michael Parsons ...).

Criticul muzical Tom Johnson a folosit termenul și în martie 1972 în legătură cu un concert Alvin Lucier . Johnson va folosi termenul de minimalist pentru a descrie compozițiile lui Steve Reich , dar vocabularul se schimbă și uneori folosește „muzică hipnotică” . În 1977 , jurnalistul a scris un articol intitulat „Despre ce este cu adevărat minimalismul? În care termenul „muzică minimalistă” este acum bine stabilit.

Există, de asemenea , termenii de muzica puls , muzica sisteme , muzica de proces , muzica trance , muzica hipnotica , sau în franceză de muzică repetitivă , care este utilizat pe scară largă în Franța, și este termenul pe care Steve Reich găsește „mai puțin rău“ .

Adjectivul minimalist, și cu atât mai mult adjectivul minimal, introduce confuzie cu privire la natura muzicii minimaliste. Deși acesta din urmă folosește material muzical parsimonios și o anumită economie a structurii muzicale, termenul descrie slab natura muzicii. Piesele pot fi într-adevăr foarte lungi, necesită un număr mare de muzicieni, iar orchestrația poate fi destul de complexă. Poate fi perceput și ca peiorativ, în sensul că muzica minimă ar fi inferioară „muzicii normale” și ar fi cerut un efort compozițional redus. O altă confuzie apare din faptul că minimalismul este un termen împrumutat de la istoricii de artă și că muzica minimalistă nu împărtășește întotdeauna asemănări cu minimalismul artelor vizuale.

Compozitorii nu sunt deloc mulțumiți de denumire. Numai La Monte Young găsește termenul potrivit și numai pentru lucrările sale timpurii. Philip Glass preferă termenul „muzică fără intenție” sau „muzică cu structură repetitivă” .

Origini

Un precursor și o influență: Erik Satie

Începuturile muzicii minimaliste pot fi găsite în anumite lucrări ale lui Erik Satie , în special prin utilizarea formei repetitive în ostinato văzută ca o „depășire extatică a timpului în repetare, în obsesia contemplativă pentru același lucru” și care servește ca bază pentru mai multe compoziții. La Première Gnossienne (1890) este prima piesă pe care a scris-o după un model repetitiv, pe care a experimentat-o ​​în continuare cu piesa sa mistică Vexations (1892-1893). Acesta din urmă constă în repetarea aceluiași motiv de 840 de ori la rând, durata piesei fiind de până la douăzeci de ore. Supărările vor fi interpretate pentru prima dată la inițiativa lui John Cage în 1963 la New York , adică în anii nașterii minimalismului. Meredith Monk , adesea asociat cu curentul minimalist, va participa la un spectacol de Vexations la un festival Satie în 1966, iar Gavin Bryars și Christopher Hobbs vor face același lucru la Leicester în 1971.

Satie este citat de minimalisti ca referință, în special de Steve Reich . Un tribut sub formă de ochi îi este, de asemenea, plătit cu compoziția lui Philip Glass , Bucată în forma unui pătrat , o referință la Trei bucăți în formă de pară , precum și lucrările sale Muzică cu piese schimbătoare și Einstein on the Beach.prinde o formă de progresie a mișcărilor de arcuire de tip ABCBCA utilizate anterior de Satie. Pentru Michael Nyman , Satie este „indispensabil din mai multe motive” și îl consideră singurul compozitor pre-experimental a cărui operă este indispensabilă.

Serialism

Mai surprinzător, Anton Webern , elev al lui Arnold Schoenberg și membru al Școlii a II- a din Viena , a exercitat, de asemenea, o influență asupra mișcării minimaliste. În special pe La Monte Young , care citează secțiunile statice ale celor Șase Bagatele pentru cvartet de coarde (1913) și Simfonia, op. 21 (1928) ca lucrări care l-au ajutat foarte mult să facă trecerea de la serialism la minimalism. Faptul că Webern este, de asemenea, o influență majoră a post-serialismului care s-a dezvoltat în același timp în Europa, dar cu concepții muzicale radical diferite, este uneori remarcat drept „paradoxal” de muzicologi.

O figură a serialismului și a școlii Darmstadt , Karlheinz Stockhausen are totuși legături cu mișcarea minimalistă. Lucrări precum Stimmung , Mantra și Inori utilizează material minimalist și răspândesc timpul. La Monte Young a plecat să studieze cu Stockhausen la Darmstadt și l-a considerat la acea vreme cel mai mare compozitor viu. Terry Riley are, de asemenea, un puternic interes pentru operele lui Stockhausen, în special pentru complexitățile ritmice ale Zeitmasze, precum și pentru Arnold Schönberg .

Mai general, minimalistii au fost expusi tuturor serialismului, Steve Reich ca student la Mills College , care a simțit imediat că trebuie să se îndepărteze de el cât mai curând posibil, sau Philip Glass care compune lucrări atonale de până la 18 ani înainte de a schimba stilul .

Avangarda americană

John Cage a avut o mare influență în anii nașterii minimalismului. Cel mai important compozitor de muzică de avangardă și experimentală din Statele Unite , ideile sale au repercusiuni, direct sau indirect, asupra operei minimalistilor. Unele dintre piesele lui Cage pot părea legate de minimalism, în special primele sale compoziții sau faimoasa 4'33 ″ datând din 1952 , cea mai minimă compoziție posibilă, deoarece este compusă în întregime din tăcere. Cușca este, totuși, foarte critică față de minimalism, iar tehnica sa preferată, nedeterminarea (sau neintenția), adică utilizarea aleatoriei , în lucrări sau în procesul de compoziție în sine, va fi puternic respinsă de minimalisti.

În cartea sa Experimental Music: Cage and beyond , Michael Nyman prezintă în mod clar minimalismul într-un context post-Cage, ca reacție la nedeterminarea dragă acestuia din urmă. Cu toate acestea, muzicologii au remarcat similitudini cu opera lui Cage, în special în interesul structurii, mai degrabă decât în ​​ceea ce privește materialul, faptul că muzica este creată prin procese compoziționale și expresia muzicală evitând setarea. imaginația compozitorului.

Un alt compozitor american al generației lui Cage legat de minimalisti este Morton Feldman . Feldman folosește, de asemenea, nedeterminarea și întâmplarea în lucrările sale, dar este atras de sunete de lungă durată și de peisaje sonore calme și plate. Deși în general nu este considerat un minimalist, unele dintre piesele sale, în special Piece for Four Pianos (1957), pot seamănă cu piesele lui Steve Reich folosind schimbarea de fază . Reich își va recunoaște, de asemenea, admirația față de Feldman.

Muzică extra-occidentală

In anii 1950 / 1960 , Europa de Vest și Statele Unite au descoperit muzica extra-Vest . Aceste muzici, în general bazate pe modă, vor avea o influență asupra tuturor compozitorilor minimalisti.

Locuind pe coasta de vest , La Monte Young a descoperit muzica indiană în 1957 în campusul UCLA . El îi citează pe Ali Akbar Khan ( sarod ) și Chatur Lal ( tabla ) ca fiind deosebit de izbitoare. Muzica indiană va avea o influență decisivă asupra lui Young, în special descoperirea tampoura , pe care a învățat-o împreună cu Pandit Prân Nath . Rolul de dronă al tamporei îl fascinează pe Young și îi împinge interesul către sunete de lungă durată. Young recunoaște, de asemenea, influența muzicii japoneze și în special a gagaku . Această influență se exercită în piesa considerată certificatul de naștere al minimalismului, Trio for Strings (1958).

Terry Riley a descoperit muzică extra-occidentală în timpul șederii sale în Europa, în special muzică marocană , precum și muzică indiană, prin La Monte Young. De asemenea, a colaborat cu Prân Nath pentru CD-ul Music from Mills (1986).

Pentru Steve Reich , lecțiile lui William Austin la Cornell l-au introdus în muzica mondială. Austin îi face pe elevii săi să asculte muzică africană și muzică balineză , o întâmplare rară pentru acea vreme. La recomandarea lui Gunther Schuller , Reich a studiat cartea Studies in African Music de Arthur Morris Jones , care i-a făcut o impresie puternică. În 1970, a decis să studieze percuția în Ghana în timpul verii , ceea ce îi va confirma intuițiile asupra sunetului bogat al instrumentelor acustice (spre deosebire de instrumentele electronice) și a interesului său puternic pentru percuție. Piesa Drumming ( 1971 ) este în parte rezultatul acestei călătorii. Muzicienii Russell Hartenberger și Robert Becker de la Nexus , membri obișnuiți ai ansamblului instrumental al Reich au studiat, de asemenea, tamburul african. În timpul verilor din 1973 și 1974, Reich a mers, de asemenea, să studieze gamelanul balinez pe coasta de vest a Statelor Unite. Reich a declarat în 1973 că „muzica non-occidentală este în prezent principala sursă de inspirație pentru noi idei pentru compozitorii și muzicienii occidentali” .

Pentru Philip Glass , întâlnirea sa cu Ravi Shankar la Paris, în 1965, l-a introdus în muzica indiană. El descoperă un principiu al acumulării de mici unități muzicale pentru a forma altele mai mari, care îi vor influența puternic modul de a compune. Sticla va face, de asemenea, multe călătorii în India în diferite părți ale țării pentru a descoperi muzica și cultura sa.

Jazz

Jazz - ul este de mare importanță pentru minimalist. Toată lumea îi recunoaște influența, în special jazzul modal al lui John Coltrane , free jazz și Ornette Coleman .

Improvizația este esențială pentru Terry Riley , la fel ca La Monte Young . Acesta din urmă este saxofonist și are experiență în jazz ca instrumentist, exercitat în principal în anii de liceu și universitate. În Los Angeles , a cântat în trupe mari și în formațiuni mici, în special cu Eric Dolphy , Don Cherry , Billy Higgins și se gândea să se dedice jazzului. Influența jazz-ului este vizibilă în operele sale, în special în cântarea saxofonului sopranino sau în interesul său pentru formele de improvizație. Riley este pianist și a studiat ragtime cu Wally Rose și l-a jucat pentru a- și câștiga existența ca student la facultate și în timp ce era în Franța. Riley a fost, de asemenea, impresionat de John Coltrane, care a inspirat, printre altele, învățarea saxofonului soprană .

Pentru Steve Reich , jazz-ul este, de asemenea, o influență semnificativă. Reich este toboșar de formare și a cântat în grupuri de jazz în liceu și la Universitatea Cornell . A fost extrem de marcat de John Coltrane, a mers să-l vadă foarte des în concert și citează albumele My Favorite Things și Africa / Brass ca fiind deosebit de izbitoare. Pentru Reich, este de neimaginat că muzica sa ar fi putut vedea lumina zilei fără jazz, în special ritmul , flexibilitatea și simțul melodic al jazzului, care i se par a fi influențe fundamentale.

Spre deosebire de colegii săi, Philip Glass , cu o pregătire muzicală mai exclusiv clasică, nu vede jazz-ul ca una dintre influențele sale, chiar dacă recunoaște că a fost fascinat de free jazz-ul lui Ornette Coleman și John Coltrane.

Mișcare minimalistă

Mișcarea minimalistă a apărut în anii 1960 cu lucrarea La Monte Young și a lui Terry Riley , considerate a fi precursorii. Steve Reich și Philip Glass își vor extinde ideile și vor veni cu procese de compoziție care se vor dovedi a fi foarte reușite.

Cu toate acestea, minimalismul se referă doar la o parte din operele acestor compozitori, iar minimalismul, așa cum este definit în general, se consideră că se încheie în jurul mijlocului anilor 1970. Elemente muzicale mai bogate, mai multă melodie și armonie, chiar contrapunct . Adăugarea acestor elemente, fără a se rupe de lucrările lor anterioare, aduce o evoluție clară. Uneori vorbim despre post-minimalism, în special pentru John Adams . Philip Glass spune în mod explicit că, pentru el, minimalismul se încheie în 1974, datorită implicării sale depline în „teatrul muzical” din acel moment.

Personalitățile, uneori numite „minimaliste mistice” , precum Arvo Pärt , care a apărut la sfârșitul anilor 1970, nu sunt, pe de altă parte, moștenitorii direcți ai repetițiilor americane, dar sunt, de asemenea, incluse sub steagul post-minimalismului, sau mai general de postmodernism.

Compozitor precursor: La Monte Young și Terry Riley

La Monte Young este în general considerat a fi inițiatorul mișcării minimaliste, în special cu piesa sa Trio for Strings ( 1958 ). Young a fost la acea vreme inspirat de Webern și a creat un univers sonor aproape static, cu note lungi ținute câteva minute și foarte puțină evoluție. Această piesă va servi, de asemenea, ca bază pentru Young pentru munca sa viitoare pe drone și este una dintre originile așa-numitei mișcări muzicale cu drone . Cu toate acestea, Young compune încă folosind sistemul cu 12 tonuri , deși se deosebește de acesta prin utilizarea de note susținute și favorizează intervale bazate pe acorduri perfecte și șapte majore . Trio for Strings produce muzică diferită de oricare alta a timpului, creând o atmosferă meditativă, „în altă lume ” .

A fost Terry Riley , care a introdus două elemente fundamentale ale minimalismului: revenirea la muzica tonală și repetarea motive muzicale. În Cvartetul de coarde (1960), Riley abordează cheia, în timp ce atrage intens pe La Monte Young, folosind note lungi susținute. În String Trio (1961) Riley a introdus pentru prima dată o structură bazată pe repetarea tiparelor. Utilizarea repetării provine în parte din experimentele pe care Riley le-a efectuat apoi cu casete la San Francisco Tape Music Center .

Dar, mai presus de toate, In C ( 1964 ) marchează o etapă importantă în definirea muzicii minimaliste. Titlul poate fi văzut ca fiind deosebit de provocator pentru avangarda serială, deoarece anunță o revenire la muzica tonală, în cea mai simplă cheie posibilă, Do major . În C este scris pentru orice număr de muzicieni și orice instrumente. Piesa are 53 de motive muzicale, pe care fiecare interpret le repetă de câte ori dorește, urmând câteva recomandări. În C este în general considerată a fi opera fondatoare a minimalismului, care include toate elementele sale: pulsație regulată, muzică tonală și un set de modele scurte repetate, elemente care creează un univers muzical în sine. Lucrarea a fost înregistrată de Columbia Records , care a lansat un CD în 1968. Va fi distribuită și interpretată pe scară largă, în special de Toru Takemitsu în Japonia și Cornelius Cardew în Anglia.

Compozitori care se repetă: Steve Reich și Philip Glass

Experimentele lui Riley cu casete și In C au o influență fundamentală asupra lui Steve Reich . Acesta participă la crearea In C ca muzician și recunoaște că piesa, aducând elemente ale muzicii africane, contribuțiile lui John Coltrane și repetițiile benzilor magnetice, l-au ajutat cu tărie să-și găsească propriul drum, în special pentru It's Gonna Rain ( 1965 ). Steve Reich dezvoltă din această piesă o tehnică numită phase shift / phasing . Aplicat mai întâi pe benzile magnetice, compozitorul experimentează apoi tehnica pe instrumente acustice, care va da în special piesele Piano Phase ( 1967 ), Violin Phase ( 1967 ). Reich va continua să folosească procesul de schimbare de fază până în 1971 și Drumming ( 1971 ) a considerat o lucrare de tranziție. Termenul „muzică de fază” este uneori folosit pentru a desemna muzica scrisă din această tehnică care constituie în opera compozitorului așa-numita sa perioadă de „minimalism timpuriu” . După această perioadă, Reich s-a îndepărtat de tehnicile simple de fazare pentru a scrie lucrări mai ambițioase în ceea ce privește dimensiunea instrumentală, durata și tehnicile, dezvoltându-și în principal cercetările către armonie și pulsație ritmică. Această așa-numită perioadă de „minimalism matur” a culminat cu piesele Muzică pentru 18 muzicieni ( 1976 ) sau Muzică pentru un ansamblu mare ( 1978 ). O a treia perioadă de compoziție va începe cu piese , cum ar fi Tehillim ( 1981 ) , dar mai presus de toate Desert Music ( 1984 ) și diferite trenuri ( 1988 ) , care sunt marcate cu atât utilizarea vocii și a vorbirii ca mediu de scriere. Unui „ melodia discursului ”, dar și angajamentul filosofic și spiritual clar al compozitorului în compozițiile sale ulterioare.

Philip Glass , după o perioadă de încercări și erori în cercetările sale stilistice de la sfârșitul anilor 1960, caracterizat prin utilizarea simplă a proceselor de repetare / acumulare (ca în cazul Două pagini și muzică în al cincilea ), a realizat un mare avans în ceea ce privește timbrul și armonia d cu compoziția Music with Changing Parts ( 1970 ) care marchează începutul așa-numitelor sale compoziții de „minimalism matur” . El va continua în această direcție cu punctul culminant al noilor sale baze de scriere în piesa Muzică în douăsprezece părți ( 1974 ). Un moment decisiv în cariera sa a avut loc în 1973 cu întâlnirea regizorului Bob Wilson, care i-a cerut să compună muzica pentru maratonul de operă Einstein on the Beach ( 1976 ). Această lucrare va constitui prima parte a celebrei sale trilogii lirice, completată de Satyagraha ( 1980 ) și Akhnaten ( 1984 ), în care apar treptat motivele tematice atât de caracteristice compozițiilor lui Glass. De la mijlocul anilor 1980, s-a îndreptat spre scrierea masivă a șase cvartete , nouă simfonii și șase concerte , variind temele și ritmurile care reprezintă acum marca sa, identificabile imediat, dar îndepărtându-se de toate noile cercetări formale din cadrul mișcării minimaliste. Pe de altă parte, câștigă popularitate în rândul publicului larg, în special datorită lumii muzicii pop și a cinematografiei, care folosește pe larg creațiile sale mai mult sau mai puțin originale, spre deosebire de Steve Reich, care este o autoritate și o figură de referință în lume muzicală clasică.

Mulți alți compozitori au fost implicați în dezvoltarea muzicii minimaliste în New York în anii 1960 și 1970 . Philip Glass insistă în special asupra faptului că a existat o mare vitalitate și varietate de idei, la care Meredith Monk , Frederic Rzewski , Pauline Oliveros , James Tenney , Charlemagne Palestina , Terry Jennings , Philip Corner , David Behrman , Jon Gibson a contribuit puternic. , Phill Niblock , Rhys Chatham , Ingram Marshall . Glass regretă că acești compozitori nu au avut aceeași expunere media ca el sau Steve Reich. În afara acestei comunități din New York, se dezvoltă în Europa lucrări care se apropie de minimalism sau direct inspirate de operele americanilor  : Louis Andriessen în Olanda, Gavin Bryars și Michael Nyman în Marea Britanie, Renaud Gagneux și Bruno Letort în Franța.

Post-minimalism și postmodernism

Postmodernism muzical este o atitudine de respingere împotriva izolării și ermetică post-serialiste, compozitorii postmoderne susținând miscegenation și formele de amestec o tehnică colaj, împrumutând și citare. Acolo unde post-serialismul ar fi trebuit să facă o „curățare a trecutului” pentru a folosi expresia lui Pierre Boulez , postmodernismul o ia ca referință. Astfel, John Adams consideră că muzica sa este hrănită "nu numai de minimalism, ci de Alban Berg , Stravinsky , rock'n roll , muzică arabă , evreiască etc." " . Prin întoarcerea sa la formele melodice și tonale, la utilizarea unui limbaj repetitiv, la utilizarea colajului și a citatelor, în toate aceste caracteristici minimalismul este curentul cel mai radical al postmodernismului în ruptura sa cu post-serialismul.

Post-minimalismul se referă și la compozitorii minimalisti timpurii. După Drumming ( 1971 ), Reich a îmbogățit instrumentele pieselor sale și a făcut ca metodele sale ritmice și armonice să evolueze către o mai mare complexitate. La fel, Philip Glass a început să compună pentru „teatru muzical” și operă din 1974, cu preocupări care s-au îndepărtat de minimalism, în special utilizarea armoniei ca în operă. Einstein on the Beach ( 1976 ) care marchează această evoluție. Prin urmare, post-minimalismul se distinge de minimalism prin faptul că este mai puțin radical și experimental.

Cele „minimaliștii mistice“

Acești compozitori sunt uneori grupați împreună și asociați cu mișcarea minimalistă datorită utilizării anumitor principii compoziționale ale acestui stil (repetare, sunete de lungă durată, tăceri, o anumită simplitate) și unei influențe religioase creștine sau spirituale revendicate în mod deschis în viața lor. Și în compozițiile lor. Alan Hovhaness este uneori văzut ca un precursor al acestei tendințe, dar este mai presus de toate estonienul Arvo Pärt , polonezul Henryk Górecki și britanicul John Tavener care sunt în general asociați cu „minimalistii mistici” . Mai general, Giya Kancheli și Sofia Goubaïdoulina sunt uneori păstrate și în această ramură a minimalismului.

Lucrările lui Pärt și Górecki se caracterizează prin utilizarea tonalității, un material muzical simplu adesea folosit în mod repetat și o compoziție influențată de compozitorii din Evul Mediu și cântecul câmpiei gregoriene . Ambele, puternic marcate de represiunea politică și spirituală din țările lor sub regim comunist, au început să compună în anii 1960 într-un stil neoclasic înainte de a se îndrepta spre serialism provocând cenzura lor din partea autorităților. Pärt se îndreaptă apoi către o muzică de liniște și contemplare compunând Für Alina ( 1976 ), Fratres ( 1977 ) și Spiegel im Spiegel ( 1978 ), fondând lucrări ale acestei mișcări interne în minimalism, care vor pune bazele unui stil. el descrie ca tintinnabulum . Acest stil se caracterizează prin utilizarea simultană a două voci, una arpegiată de o triada tonică numită „tintinnabulante” și cealaltă odihnindu-se pe un bas care evoluează într-un mod diatonic. Prin urmare, opera sa s-a îndreptat spre scrierea aproape exclusivă a muzicii sacre , cel mai adesea corală, dezvoltând o „lumină a cântecelor” . La rândul său, Górecki și-a făcut tranziția între muzica în serie și minimalismul sacru în 1976, în special prin scrierea celei de-a treia simfonii care va avea un impact foarte mare câțiva ani mai târziu în Europa de Vest și Statele Unite, stabilindu-și astfel notorietatea internațională.

Descriere muzicală

Corpul de opere clasificate ca muzică minimalistă este departe de a avea o unitate de stil sau de a avea caracteristici muzicale complet identice. Deși o clasificare este întotdeauna reductivă, este totuși general acceptat faptul că estetica muzicii minimaliste se bazează pe trei caracteristici:

Cu toate acestea, aceasta reunește lucrări cu profiluri foarte diverse și utilizarea diferitelor tehnici muzicale. La fel, lucrările așa-numiților compozitori minimalisti nu pot fi considerate toate minimaliste, în special ultimele opere ale lui Steve Reich și Philip Glass sau primele piese (adesea non-muzicale) din La Monte Young .

Între teorie și intuiție

Pionierii minimalismului La Monte Young și Terry Riley au experimentat cu o mare varietate de tehnici de compoziție. La Monte Young produce în special o mare varietate de lucrări: piese inspirate din serialism și Webern , piese conceptuale apropiate de John Cage , grupuri de improvizație inspirate din muzica indiană și jazz , piese bazate pe cercetările sale formale asupra gamelor naturale . Terry Riley este mult mai empiric, experimentează cu benzi magnetice și folosește foarte mult improvizația .

La sfârșitul anilor 1950, La Monte Young a folosit serialismul într-un mod giratoriu pentru a crea un stil nou, format din perioade lungi cvasistostatice, compuse din note lungi susținute. Alegerea intervalelor face, de asemenea, compozițiile sale caracteristice. Încă din 1957 și Variații pentru viola, flaut, fagot, harpă și trio de coarde , Young a folosit în principal sferturi și cincimi echitabile, precum și șapte mari , care pot fi găsite în multe compoziții, cum ar fi pentru Brass ( 1957 ). și în special Trio for Strings ( 1958 ), considerat a fi piesa majoră a perioadei minimaliste a lui Young.

Limbajul armonic al lui Young este construit parțial pe aceste intervale, precum și pe evitarea treimei majore , despre care spune că nu reușește să exprime sentimentele pe care le dorește. Young izolează patru acorduri pe care le numește „  Acorduri de vis  ”, care devin baza limbajului său armonic. Abandonarea treimei majore primește apoi o justificare teoretică prin cercetarea sa formală pe scări naturale . Din 1961, La Monte Young a folosit improvizația la saxofonul sopranino , repetând secvențe modale cu viteză mare, însoțită de o dronă , unde se remarcă influența lui John Coltrane și a muzicii indiene.

O parte importantă a operei lui Terry Riley se referă la casetele magnetice , pe care se înregistrează la pian, înregistrează vorbire, râsete, sunete particulare sau programe radio și le folosește ca o buclă, adică sub formă de scurtmetraj tipare repetate. El experimentează mai multe tehnici pentru manipularea acestor benzi, folosind un dispozitiv pentru a genera efecte de ecou prin repetarea întârziată, pentru a schimba frecvența sunetelor modificând viteza casetelor, treptat sau brusc, tăie în mod aleatoriu bucăți de benzi și le lipește în spate, sperând pentru a genera fenomene interesante. În esență, repetarea tiparelor se află în centrul experimentelor lui Riley, repetarea tiparelor pe care el le are și instrumentistii, ca în In C ( 1964 ). Abordarea lui Riley este mai intuitivă și mai experimentală decât structurată, totuși compozitorul încearcă să producă o „experiență abstractă” pentru ascultător, în care sunetele recunoscute inițial sunt distorsionate treptat până când nu mai sunt identificabile.

Un alt semn distinctiv al operei lui Riley este accentul pus pe improvizație și jazz . Compozitorul folosește uneori standarde de jazz , cum ar fi Frunzele de toamnă , și dezvoltă un anumit stil de improvizație pentru pian, influențat în parte de ragtime . Majoritatea pieselor sale după In C nu mai sunt cotate și sunt parțial improvizate, parțial construite dintr-un ansamblu de motive muzicale prestabilite, care se repetă după bunul plac , ca în Studiul tastaturii nr. 1 și Studiul tastaturii nr. 2 . Modelele sunt redate rapid, fără pauze, astfel încât să se obțină un flux continuu de note neaccentuate. De asemenea, Riley improvizează pe saxofonul sopran , mai ales în Dorian Reeds și Poppy Nogood și Phantom Band , în care folosește modele repetitive și benzi magnetice pentru a crea un ecou și a genera efecte de contrapunct complex prin amestecarea vocii.

Proces de apelare sonoră

Contrar abordării foarte intuitive a lui Terry Riley, Steve Reich și Philip Glass vor defini procese de compoziție riguroase, care îi vor ajuta să-și structureze lucrările. Reich este văzut în general ca fiind cel mai talentat și cel mai riguros în definirea unor astfel de proceduri.

În eseul său din 1968, Muzica ca proces treptat , Steve Reich își explică intenția ca ascultătorul să audă un proces muzical. Dacă preia ideea de compoziție creată de un proces, se opune lui John Cage , dintre care unele dintre compoziții se bazează pe procese aleatorii de construcție a compoziției. Reich vrea să facă audibil chiar procesul de construire a piesei. Un alt element important de disociere cu Cage este respingerea indeterminării: procesele lui Reich sunt pur deterministe, întâmplarea nu joacă niciun rol.

Aceste idei conduc la un proces de compunere pe care Reich îl numește „  fazare  ” (phase shift în franceză). Acest proces de compoziție, care poate aborda forma clasică a butoiului, provine din munca sa cu mai multe magnetofoane de calitate slabă, care și-au pierdut treptat sincronicitatea. Fazarea este construită din modele muzicale scurte, repetate ad libitum de mai multe voci și constă în introducerea treptată a unei schimbări între aceste voci, creând o schimbare de fază. Progresia schimbării de fază între voci pe măsură ce piesa progresează creează noi structuri muzicale, complică sau simplifică ritmurile și armoniile, dând efectiv impresia procesului fizic de amestecare a vocilor dorite de compozitor. Stratificarea vocilor prin schimbarea de fază este uneori atât de complexă încât ascultarea piesei poate da naștere la percepții diferite de sunet între două persoane și chiar între două experiențe de ascultare de către o singură persoană. Din Violin Phase ( 1967 ) Reich începe să exploateze ceea ce el numește „subprodusele psihoacustice” (sau tiparele rezultate) ale schimbării de fază, adică tiparele care se formează spontan printr-o combinație de tipare de bază. De asemenea, complică situația prin introducerea unor motive rezultate specifice, care să fie interpretate în mod explicit de instrumentiști, care se adaugă ocazional la cele care se formează în mod natural, sau linii melodice care nu urmează împărțirea temporală a motivelor de bază.

Opera lui Philip Glass se bazează și pe un proces de compoziție sistematică, audibil ascultătorului. Sticla definește din 1968 un proces bazat pe adunarea / scăderea tiparelor de bază, acestea fiind împărțite în două sau mai multe alte tipare. Scorul definește modelele și apoi notează doar extensiile / contracțiile acestora. Cifrele care rezultă din această grupare de tipare trebuie repetate de un număr nespecificat de ori. La fel, instrumentele și notele nu sunt specificate.

Spre deosebire de Young sau chiar de Riley, Reich și Glass resping cu fermitate orice interpretare a muzicii lor ca hipnotică sau meditativă și resping orice termen de „transă muzicală” , considerat peiorativ. Dimpotrivă, ei consideră că ascultarea trebuie să fie deosebit de activă și alertă, pentru a auzi detaliile proceselor implementate.

Caracteristici muzicale

Ritm

O preocupare majoră în rândul minimalistilor este ritmul. Majoritatea compozițiilor au un ritm regulat și sunt construite prin împletirea unităților ritmice de bază. Aceste considerații ritmice sunt marcate în mod special în Steve Reich și sunt realizate prin intermediarul tehnicii de fază . Drumming ( 1971 ) marchează punctul culminant al fascinației lui Reich față de ritm, exprimată prin fazare. Cu Philip Glass, lucrarea pe ritm este prezentă din primele sale piese minimaliste folosind procesul său de compoziție aditivă, în special în piesa 1 + 1 ( 1968 ).

Ritmul este astfel primul element analizat sistematic de minimalisti, inainte de reintegrarea viitoare a armoniei si melodiei.

Armonie

Primele lucrări ale minimalistilor sunt atonale , Young's Trio for Strings (1958), Riley's String Quartet (1960), chiar dacă evoluția extrem de lentă și densitatea redusă a notelor dau o iluzie de tonalitate, eliminând aproape toată mișcarea. Chiar și în C , care este în general considerat a fi opera de întoarcere la tonalitate, nu este strict tonală, ci o compoziție atonală fără semnătură cheie , chiar dacă compoziția este în mare parte diatonică .

Abandonarea treptată a benzilor magnetice în favoarea instrumentelor acustice promovează dezvoltarea armoniei. Cu Steve Reich, din Piano Phase , un profil tonal sau modal este stabilit la începutul lucrării, dar rămâne ambiguu. Diatonismul rezultat în urma proceselor de etapizare nu este ales a priori, ci mai degrabă este impus de experiență.

Înregistrare și dinamică

La Young și Riley, basul joacă un rol de dronă , inspirat din muzica indiană. Cu Steve Reich, nu există bas, iar tonurile aparțin în general registrului mediu ( Piano Phase nu are o notă sub E 4 , Phase Patterns sub C 4 ). Absența basului produce anumite ambiguități pe care Reich încearcă să le păstreze, fără să știe cum să le definească cu precizie. În mod similar, minimalistii nu folosesc deloc tehnici de joc extinse , care sunt foarte prezente în alte curente ale muzicii contemporane .

În general, nuanțele variază foarte puțin, dacă este deloc. Nivelul sonor este adesea foarte ridicat, de exemplu în anumite piese din La Monte Young și la Glass, unde percepem influența rockului .

Execuţie

Ascultată cu ușurință, muzica repetitivă pare înșelător de ușor de interpretat. Procesele de schimbare de fază ale Reich necesită o mare concentrare din partea instrumentiștilor. În mod similar, Glass raportează că mai mulți dirijori care au venit nepregătiți pentru repetiții și-au dat seama prea târziu de dificultatea scorurilor lor. În absența compozitorului, partituri nu sunt întotdeauna ușor de descifrat pentru interpreți, necesitând inventivitate în fața lipsei de indicații sau a lipsei lor de claritate.

Legături cu artele vizuale

Dans

Dansul, care prin natură a fost întotdeauna strâns legat de creațiile muzicale ale timpului său, nu scapă de influența muzicii minimaliste, mai ales în jurul noțiunii și al utilizării repetării. Într-un fel, originea impactului muzicii minimaliste asupra dansului datează de la colaborările lui John Cage cu coregrafa americană Merce Cunningham la începutul anilor 1950, în timpul nașterii dansului modern . Prin el, Cunningham l-a întâlnit și pe Morton Feldman, care a compus muzică pentru el pentru coregrafiile sale inovatoare, cum ar fi Melodia fără titlu pentru Merce Cunningham în 1968 . Mai mult, un grup format din dansatori Simone Forti , Yvonne Rainer , Trisha Brown și ceilalți compozitori Terry Riley și La Monte Young se formează în jurul orașului Halprin între 1960 și 1962 pentru a obține performanțe, inclusiv Biserica Judson din New York . Cu toate acestea, Trisha Brown va explora în continuare principiul repetării și acumulării succesive a mișcărilor coreografice în această perioadă a dansului modern. Meredith Monk , care este și dansatoare, se alătură ulterior acestui grup unde poate combina atât cercetările sale muzicale, cât și creațiile sale coregrafice în spectacole orientate către o mișcare mai rafinată și o anumită transă spirituală.

După primii ani de minimalism, s-a țesut o relație strânsă între dans și această mișcare muzicală datorită lui Lucinda Childs , una dintre elevele lui Cunningham, care, după ce a fost asociată cu grupul Anna Halprin, a colaborat intens cu Philip Glass la sfârșitul anilor 1970 pentru opera sa Einstein on the Beach (1976). Apoi va interpreta două dintre coregrafiile sale Dance (1979) și Mad Rush (1981) pe compozițiile omonime ( Dance and Mad Rush ) comandate compozitorului din New York. Lucrarea lui Lucinda Childs este interesată de diferite aspecte ale cercetării asupra minimalismului, cu o colaborare extinsă în domeniul decorurilor și imaginilor produse cu artistul plastic Sol LeWitt , unul dintre campionii minimalismului pictural . De asemenea, Twyla Tharp a folosit frecvent compozițiile de sticlă în care a comandat cea de-a 4- a simfonie numită „Eroi” în 1996 pentru baletul omonim. În mod similar, Laura Dean a lucrat cu Steve Reich între 1971 și 1975, în special la prima coregrafie a compoziției Drumming . Cu toate acestea, aceste coregrafii, deși folosesc elemente și schimbări repetitive, nu pot fi calificate în întregime ca minimaliste, muzica rămânând un suport pentru o creație coregrafică relativ tradițională și bogată.

Influența directă a muzicii minimaliste în procesul de creație coregrafică este de fapt asociată cu descoperirea și utilizarea operelor lui Steve Reich de coregrafa de dans contemporan belgian Anne Teresa De Keersmaeker , în timpul studiilor sale la Școala de Arte Tisch din New York. . Din 1980 până în 1982, ea a creat piesa ei fondatoare Fase, patru mișcări ale muzicii lui Steve Reich, în care a teorizat în continuare contribuția muzicii de fază la dans, arătând cu adevărat principiile fazelor / schimbării de fază dezvoltate de Reich în primele sale compoziții Pian. Faza , faza viorii , muzica din palme și ieșire . Prin urmare, legătura strânsă dintre muzica lui De Keersmaeker și Reich va fi reînnoită în numeroase creații ale coregrafului belgian în deceniile următoare, în special cu baletul Drumming (1998) pe compoziția omonimă Drumming and Rain (2001) în Muzica pentru 18 muzicieni . Steve Reich va compune special piesa Dance Patterns în 2002 pentru creația Counter Phrases de De Keersmaeker care, la rândul său, îi va aduce un omagiu deschizând ceremoniile din New York care sărbătoresc cei 70 de ani ai Reich-ului în 2006, cu o creație dedicată special intitulată Steve Reich Seara .

În plus, coregraful suedez Mats Ek s-a îndreptat pentru o vreme către „minimalismul mistic” prin compunerea în 1995 a duoului Smoke pentru Sylvie Guillem care folosește compozițiile Für Alina și Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt . Mai recent, coregraful britanic Christopher Wheeldon a folosit în mod special compozițiile tuturor marilor nume din minimalism pentru lucrările sale scrise în stil neoclasic.

Arte plastice

Compozitorii minimalisti au mentinut relații strânse cu artiștii vizuali, în special cu cei ai mișcării minimaliste și ai artei conceptuale . Steve Reich și Philip Glass au avut prieteni foarte bune cu Richard Serra , Sol Le Witt , Bruce Nauman , Michael Snow sau Nancy Graves . Reich și-a scris eseul Music as a Gradual Process (1968), care a fost inclus în catalogul unei expoziții majore despre minimalism alături de prietenii săi plastici de la Muzeul Whitney în 1969 și în timpul căruia a susținut concerte cu Glass. Pe de altă parte, o lucrare precum Pendulum Music a lui Reich la care Serra, Nauman și Snow participă ca interpreți este mai performantă decât muzica reală. Steve Reich va recunoaște o „atitudine comună” între artiștii plastici și creațiile sale, caracterizată prin aspectul „geometric și metaforic” al lucrărilor lor respective, dar nu și prin influențele reciproce directe. El spune: „Tocmai înotam în aceeași supă” . În 1977, câțiva artiști au participat la o vânzare a operelor lor pentru salvarea datoriilor rezultate din asamblarea lui Einstein on the Beach de către Glass. În cele din urmă, Glass a fost asistentul personal cu normă întreagă al lui Richard Serra în 1969. Cu toate acestea, Glass nu face o legătură directă între munca sa de muzician și lucrările prietenilor săi de artiști plastici.

La Monte Young a menținut câteva legături scurte cu mișcarea Fluxus în perioada sa de creare a pieselor conceptuale. Lucrările sale din 1959-1961 au fost interpretate la festivalurile Fluxus, iar unele dintre piesele sale, inclusiv Trio for Strings , au fost publicate de mișcare. Cu toate acestea, Young s-a îndepărtat de Fluxus în 1963. Pe de altă parte, a lucrat regulat cu soția sa, artistul vizual Marian Zazeela , care a oferit instalații vizuale, în special pentru Pianul bine acordat sau Teatrul muzicii eterne .

Audio-vizual

Cinematograful și, în general, sectorul audiovizualului au împrumutat frecvent de la începutul anilor 1980 lucrările compozitorilor minimalisti ca purtători de sunet pentru filme, documentare, artă video, reclame de televiziune și credite. Philip Glass și Arvo Pärt sunt cu siguranță cei doi compozitori care au permis cel mai mult utilizarea pieselor lor ca coloane sonore pentru filme și chiar au compus în special la cererea unui regizor. Astfel îi datorăm lui Philip Glass coloanele sonore cu adevărat originale ale celor trei filme ale Trilogiei Qatsi de Godfrey Reggio (din 1982 până în 2002), Mishima: A Life in Four Chapters de Paul Schrader (1985) și Kundun de Martin Scorsese ( 1997 ). . De asemenea, a realizat a posteriori muzica pentru filmul Dracula din 1931 și a colaborat în numeroase ocazii la muzica pentru filmele și documentarele lui Errol Morris , punând la dispoziție și reorchestrând compozițiile sale anterioare. În plus, sticla a lucrat intens cu regizorul Bob Wilson , pentru crearea de spectacole ambițioase, amestecare operă, film, teatru, în special pe Einstein pe plaja (1976) sau Războaiele CIVILE (1984) , sponsorizat. Pentru ceremoniile de deschidere ale Jocurile Olimpice din Los Angeles . În ceea ce privește Pärt-ul eston, nu este vorba de compoziții originale pentru cinema (deși a compus multe coloane sonore la începutul carierei sale, dar nu într-un stil minimalist), ci de autorizații pentru utilizarea operelor sale.

În plus, Steve Reich a lucrat, în numeroase ocazii, într-o relație intimă cu soția sa, artistul video Beryl Korot , la crearea în comun a unei opere care să integreze din momentul scrierii sale muzicale utilizarea imaginii. redarea video pe principiul repetării. Din această cercetare, care a început la începutul anilor 1990 , a rezultat două opere video ( Peștera în 1993 și Three Tales în 2001), inclusiv spectacolul (pentru ambele) și înregistrarea (doar pentru a doua).) Integrează proiecția dintre videoclipurile asociate.

Alte muzici

Utilizarea repetării ca structură este folosită și în muzica populară, odată cu publicarea în 1967 a discului de banane al Velvet Underground , celebrul grup de muzică pop produs de Andy Warhol . Ideile provin direct din minimalism, John Cale și Angus MacLise au colaborat cu La Monte Young și Teatrul de muzică eternă înainte de implicarea lor în Velvet Underground.

O mare parte din opera lui Philip Glass este legată de rock . S-a implicat în producția cu lumea rockului și și-a dobândit o reputație acolo. Muzica sa va influența unele grupuri experimentale de rock , în special germane: Kraftwerk , Cluster sau Neu! . David Bowie și Brian Eno sunt, de asemenea, influențați de Glass, chiar și de Steve Reich, iar influența minimalismului este clar perceptibilă în mișcarea Ambient creată de Eno. La fel, albumul lui Eno cu Robert Fripp , No Pussyfooting (1973) este puternic influențat de Music with Changing Parts ( 1970 ). Robert Fripp dezvoltă în cele trei albume care marchează revenirea lui King Crimson în 1981, Discipline , Beat și Three of a perfect pair , un rock post-progresiv influențat de limbajul minimalist, pe care îl amestecă cu sunete new-wave, electronice, și etnice.

Din 1976, Glass a colaborat cu cluburile rock din Manhattan și cu mișcarea punk rock și post-punk , în special prin Philip Glass Ensemble . Trupe precum Theoretical Girls sau compozitori precum Rhys Chatham sunt, de asemenea, influențați de experiența lui Glass cu rock. În 1995 a compus o versiune orchestrală a lui Icct Hedral de Aphex Twin , unul dintre principalii autori de muzică electronică . În anii 1990, Philip Glass va fi inspirat în schimb de albumele Low (1976) și „Heroes” (1977) de David Bowie pentru a compune două dintre simfoniile sale ( Simfonia nr. 1 și respectiv Simfonia nr. 4 ), subliniind astfel reciprocitatea. interacțiuni reciproce între cei doi artiști din medii diferite.

Recunoaștere și popularitate

Minimalismul s-a născut ca o mișcare experimentală și s-a dezvoltat în afara lumii tradiționale a muzicii clasice . Primele concerte sunt susținute în principal în galerii de artă sau muzee și trebuie organizate chiar de compozitori. Mai presus de toate înregistrările vor permite o distribuție largă a muzicii minimaliste, inclusiv până în Europa, unde recepția este destul de bună. Mai mult, Europa a fost cea care a oferit minimalistilor primele lor semne majore de recunoaștere, cu o comisie din partea statului francez pentru Philip Glass și un succes record cu un public nelimitat doar pentru iubitorii de muzică contemporană , cu înregistrarea Muzicii pentru 18 muzicieni. de Steve Reich , pentru eticheta germană Edition of Contemporary Music .

O distribuție mult mai largă apare atunci cu reluarea de către cinema și televiziune a lucrărilor minimalistilor sau a muzicii inspirate în mare măsură de aceștia.

Începuturi dificile

Primele concerte de minimalisti au loc în afara circuitului tradițional de reprezentare a muzicii clasice. Compozitorii își prezintă lucrările în galerii de artă ( Park Place Gallery ), muzee ( Muzeul Solomon R. Guggenheim ), în case private (mansarda Yoko Ono ) sau în universități. Cei artiști vizuali sunt în mod deosebit muzica lui Philip Glass și Steve Reich, și să recunoască o înrudire cu propria lor muncă.

Primele concerte mai oficiale în sălile de concerte clasice au fost prilejul scandalurilor. O prezentare a celor patru organe ale lui Steve Reich la Carnegie Hall în 1973 a atras protestul public împotriva naturii hipnotice a operei. Philip Glass este supus unor aruncări de ou în timpul spectacolelor. În timpul unui turneu în Europa cu Richard Serra , publicul a reacționat nefavorabil la lucrările lui Glass, în special la Amsterdam .

Recepția criticilor este mixtă. Tom Johnson de la Village Voice și Michael Nyman scriu recenzii pozitive la primele concerte, dar sunt și compozitori înșiși, apropiați de mișcarea minimalistă. Alți jurnaliști sunt mult mai duri, în special Donald Henahan de la New York Times despre munca Reich. Harold Schonberg de la The Times este surprins de un concert de la Terry Riley cu A Rainbow in Curved Air și Poppy Nogood și Phantom Band . Criticul recunoaște caracterul hipnotic obținut prin repetarea tiparelor, apropierea de muzica indiană , dar descrie rezultatul ca fiind „monoton și neplăcut” .

Recepția muzicienilor este, de asemenea, mixtă, La Monte Young este denigrată de profesorii săi și piesele sale sunt în mare parte înțelese greșit.

Recunoaștere și succes

Terry Riley a fost printre primii compozitori care au câștigat recunoaștere pentru munca sa, după succesul In C ( 1964 ). În 1967, Academia Regală de Muzică suedeză i-a însărcinat să producă o lucrare pentru orchestră și cor, Olson III . În 1969, Fundația Dilexi l-a însărcinat să scrie un scor pentru un videoclip despre opera sculptorului Arlo Acton , care a devenit ulterior Muzică cu bile . De asemenea, colaborează cu televiziunile suedeze și daneze.

Dirijorul american Michael Tilson Thomas joacă un rol important în difuzarea muzicii minimaliste, organizează în 1971 și 1973 primele concerte în săli importante ( Carnegie Hall în 1973), de la Boston Symphony Orchestra . În 1971, Reich și Glass au făcut turnee împreună în Europa, unde grupul lor comun a interpretat Four Organs , Pendulum Music , Piano Phase , Reich's Phase Patterns și Glass's Music with Changing Parts . Recepția concertelor la Paris și Londra este încurajatoare, mai amestecată în Germania.

Mai presus de toate înregistrările permit compozitorilor să-și sporească circulația. Încă din 1967, Come Out de Steve Reich și In C de Terry Riley au fost înregistrate pentru Columbia Records , într-un album care cuprinde aproximativ douăzeci de lucrări contemporane. albumul a fost criticat în presa muzicală, precum și în revista Time . Sunt Gonna Rain and Violin Phase de Steve Reich în 1969 și The Church of Anthrax de Terry Riley în 1970, sunt înregistrate, încă cu Columbia. În 1971, Philip Glass și-a creat propria companie de discuri, Chatham Square Productions, cu care a lansat Music with Changing Parts , Music in Fifths , Music in Similar Motion . Înregistrările sunt produse și de o etichetă franceză, Shandar. De asemenea, din Franța va veni o adevărată recunoaștere a minimalistilor. În 1974, Michel Guy , pe atunci secretar de stat pentru cultură, i-a comandat lui Philip Glass lui Einstein pe plajă . Crearea și turneul operei în Europa în 1976 a fost un succes, la fel ca spectacolele din New York în același an.

Recunoașterea discografică va veni din Germania, cu în 1974 înregistrarea pe prestigioasa etichetă de muzică clasică Deutsche Grammophon , a lui Drumming , Six Pianos , Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ de Steve Reich. În 1978, înregistrarea Muzicii pentru 18 muzicieni a făcut ca muzica lui Steve Reich să fie cunoscută la nivel internațional și pentru un public larg. Este eticheta germană Edition of Contemporary Music , dedicată jazzului și muzicii improvizate , care produce discul și care permite unui public mult mai mare decât cel al avangardei să descopere muzica minimalistă. În schimb, refuzul compromisului din partea La Monte Young față de companiile de discuri sau sălile de concert face ca producția sa de discuri să fie rară, iar munca sa este de fapt mai puțin răspândită și cunoscută.

Din anii 1980 și 1990, muzica minimalistă a fost copiată și difuzată la scară masivă de televiziune și cinema. Compozitorii de muzică de film și reclame TV copiază în special trucuri ale lui Philip Glass . Steve Reich și Meredith Monk sunt, de asemenea, imitați. O anumită reînnoire a mișcării minimaliste americane pare să apară cu o nouă generație de compozitori precum Nico Muhly , care lucrează în special cu Philip Glass sau Dustin O'Halloran , dar și în Europa, de exemplu cu francezul Sylvain Chauveau , germanul Max Richter , sau luxemburghezul Francesco Tristano , care sunt uneori clasați într-o așa-numită mișcare „post-minimalistă” .

Critică și analiză

Au fost exprimate critici extrem de puternice față de minimalism, în principal de la compozitori sau muzicologi apropiați avangardei sau de la filosofi. Compozitorul american Elliott Carter și- a exprimat în repetate rânduri puternica sa respingere a minimalismului și mai general a repetării în muzică, considerată moartea compozitorului. În special, el face o analogie cu publicitatea , care este nesolicitată, intruzivă și repetată până la greață. Termenul fascist a fost chiar folosit în mod explicit, la fel ca și comparația utilizării repetării ca metodă de spălare a creierului, așa cum se practică în discursurile publicitare sau Hitler .

O critică frecventă este aceea de a acuza muzica minimalistă de superficialitate sau chiar de anti-intelectualism. Este văzut ca „nicăieri”, negând limbajul muzical și fiind doar o „tapiserie sonoră” . Mai ales muzica lui Philip Glass este cea care concentrează criticii care uneori o califică drept „minciună” sau „regresie” . Calificativele de „monoton” sau „plictisitor” apar adesea în recenziile La Monte Young și Terry Riley. Criticii sunt foarte împărțiți și sunt, în general, poziționați ca „pentru” sau „împotriva”. În Franța, primele reacții la lucrările lui John Adams nu au fost foarte favorabile. În 1990, revista Télérama scria despre Nixon în China  : „este gradul zero al muzicii. Un fel de produs tipic american, precum Coca-Cola , Disneyland și Noua Ordine Internațională ” .

Critica minimalismului este uneori confundată cu cea a postmodernismului . Compozitorul de avangardă Brian Ferneyhough refuză postmodernitatea și îl critică în special pe John Adams , în care denunță o absență etică legată de nesocotirea culturii muzicale.

Pentru unii muzicologi, pe de altă parte, minimalismul se potrivește perfect modernității. Pe lângă influențele definite ale serialismului, în special Schönberg și Webern , asupra La Monte Young și Terry Riley , care au dus direct la primele lucrări de minimalism, precum Trio for Strings ( 1958 ), aplicarea unor procese riguroase de generare a muzicii, precum cele dezvoltate de Reich și Glass, pot fi paralele cu constrângerile serialismului integral sau cu procesele aleatorii ale lui John Cage . În special, acceptarea rezultatelor oferite de procesul de etapizare (chiar dacă este determinist, procesul scapă parțial compozitorului) poate fi comparată direct cu acceptarea produselor muzicale generate întâmplător la Cage.

Pentru muzicologul Keith Potter, un alt argument în favoarea modernității minimalismului este „defamiliarizarea” , un termen propus de teoreticianul formalist Victor Chklovski pentru a însemna pierderea impactului elementelor actuale, diminuate în sensul lor prin obișnuință. Potrivit lui Chklovski, scopul artei este de a da acest sens lucrurilor cu care s-ar fi obișnuit prea mult. Potter subliniază că această redescoperire a elementelor familiare fusese deja făcută de Cage și serialisti, dar că minimalistii o realizează foarte diferit. Mai degrabă decât cele nemaiauzite, ele pleacă de la un material muzical extrem de simplu și familiar și îl studiază în profunzime prin utilizarea intensivă a repetării. Primul parametru astfel studiat este ritmul , abordarea sistematică producând piese apropiate de studiu și oferind acestor prime piese un caracter real al muzicii experimentale . Această explorare este apoi extinsă la alți parametri ( înălțimi , armonie ).

Keith Potter spune:

„Minimalismul îi obligă pe ascultători să reinterpreteze familiarul, nu numai prin propriile percepții și senzații, ci și prin energiile generate de aceleași principii (pulsația regulată și sentimentul de a se deplasa către un scop), care au subînțeles abordarea Muzică tonală occidentală în ultimele secole. "

Lucrări esențiale

Note și referințe

Note

  1. Ce este cu adevărat minimalismul?
  2. In C se traduce în franceză ca En C major
  3. Acest termen este preferat de compozitor pentru a-l diferenția de muzica pur repetitivă
  4. În franceză, Dream Accord

Referințe

  1. Marie-Claire Mussat, traiectoriile muzicii XX - lea  secol , Klincksieck , 2002 ( ISBN  2-252-03404-1 ) , pp.  141-143 .
  2. Reich (2002) , Introducere de Paul Hillier , p.  4 .
  3. în Experimental Music: Cage and beyond de Michael Nyman , edițiile Schirmer Books, New York, 1974.
  4. Strickland (1991) , Steve Reich, pp.  34-50 .
  5. Potter (2000), p. 1-20
  6. Tom Johnson, The Minimal Slow-Motion Approach , Alvin Lucier și colab. , Vocea satului , 30 martie 1972
  7. Strickland (2000) , Sound, pp.  252-253 .
  8. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  255 .
  9. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  85 .
  10. Strickland (1991) , p.  91 .
  11. Nyman (1974) , p.  68 .
  12. Reich (2002), p.  160
  13. Potter (2000) , p.  281 .
  14. Vincent Lajoinie (1985) Erik Satie , p.  414 .
  15. Strickland (1991) , La Monte Young pp.  52-70 .
  16. Machard, (2004) , pp.  47-64 .
  17. Paul Griffiths, Scurtă istorie a muzicii moderne, de la Debussy la Boulez , edițiile Fayard , 1978, pp.  161-165 .
  18. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  92-150 .
  19. Strickland (1991) , Philip Glass pp.  142-158 .
  20. Nyman (1974) , p.  211 .
  21. Reich (2002) , p.  202 .
  22. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  21-91 .
  23. Potter (2000) , Steve Reich, pp.  151-250 .
  24. Potter (2000) , Philip Glass, pp.  251-341 .
  25. Strickland (2000) , Sound, pp.  119-256
  26. Strickland (2000) , Sunet, p.  176
  27. Potter (2000) , Steve Reich, pp.  151-153 .
  28. Potter (2000) , p.  288-295
  29. Potter (2000) , Philip Glass, p.  307-323
  30. Potter (2000) , Philip Glass, p.  340-341
  31. J. Y. Arm curenți de Muzică al XX - lea  secol p.  260
  32. B. Ramaux Chevassus Muzică și postmodernitate p.  34 .
  33. B. Ramaux Chevassus Muzică și postmodernitate p.  33
  34. "  muzica minimalista  " , pe site - ul Ircam
  35. Fișier compozitor: Henryk Mikolaj Górecki în Le Mensuel de Polyphonies nr. 31 - ianuarie 2009
  36. John Adams , în Machard, (2004), p. 49
  37. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  29-32
  38. Potter (2000) , La Monte Young, pp.  58-59 .
  39. Strickland (2000) , Sunet, p.  179 .
  40. Potter (2000) , Terry Riley, p.  98-99
  41. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  117-124 .
  42. Potter (2000) , Terry Riley, pp.  128-130 .
  43. Jean-Noël von der Weid, muzica XX - lea  secol , Hachette literatură , 2005, p.  387 .
  44. Steve Reich, Muzica ca proces gradual , în Scrieri despre muzică 1965-2000 , Oxford University Press , 2002, pp.  34-36 .
  45. Paul Epstein, „Structura și procesul modelului în faza de pian a lui Steve Reich”, Oxford University Press , The Musical Quarterly , 1986; LXXII (4): 494-502.
  46. Fink (2005) , O tranșă colorată în drama secolului XX al subiectivității consumatorului pp.  62-119 .
  47. Strickland (2000) , Sunet, p.  123
  48. Strickland (2000) , Sound, pp.  175-180 .
  49. Potter (2000), p.  188
  50. Potter (2000) , La Monte Young, p.  65-66
  51. Eric Darmon, Philip Glass, Looking Glass , DVD Arte France , 2005
  52. Lake (2007) , Comentariu de Gavin Bryars , p. 73
  53. „  muzica minimalista  “ , pe site - ul Ircam
  54. [PDF] Dans și muzică: repetitivitate și acumulare a fișierului educațional al Manège de Reims
  55. Rosita Boisseau , Panorama de dans contemporan. 90 de coregrafi , Ediții Textuel , Paris, 2006, pp.  110-111 .
  56. (in) Heroes pe site-ul oficial al Twyla Tharp .
  57. (în) Roselyn Sulcas, „Rendezvous With Reich” , The New York Times , 17 octombrie 2008.
  58. Rosita Boisseau , Panorama de dans contemporan. 90 de coregrafi , Ediții Textuel , Paris, 2006, pp.  300-301 .
  59. (în) John Rockwell, „Reich împlinește 70 de ani; Celebrations Break Out " , The New York Times , 5 octombrie 2006.
  60. Potter (2000) , Steve Reich pp.  171-172 .
  61. Potter (2000) , Philip Glass, p.  266
  62. Potter (2000) , Philip Glass, p.  268 .
  63. Edward Macan (1997), Rocking the classics: English progressive rock and the counterculture p.  212 .
  64. Strickland (1991) , Terry Riley, p.  110 .
  65. Potter (2000) , La Monte Young, p.  76 .
  66. Strickland (2000) , pp.  1-2
  67. (în) biografie a lui Nico Muhly pe site-ul oficial al Orchestrei de Cameră din Los Angeles .
  68. (în) John Schaefer , muzică post-minimalistă , a difuzat New Sounds , WNYC , 24 iunie 2011.
  69. Geoffrey Norris, „Minimalismul este moartea”, Interviu cu Elliott Carter , The Daily Telegraph , 25 iulie 2003.
  70. Strickland (2000) , End, p.  286 .
  71. Heinz Holliger , interviu cu Jacques Drillon, Le Nouvel Observateur , 17-23 aprilie 2003.
  72. Michael Gielen, În Freitag, Berlin, 12, VI. 2003
  73. Strickland (1991) , La Monte Young p.  52
  74. Renaud Machart , John Adams , Actes Sud / Classica, 2004, p.  111 .
  75. Marc Texier, Câteva neadevăruri despre opera lui Brian Ferneyhough , libret din CD-ul Auvidis-Montaigne Works of Brian Ferneyhough. 1997

Anexe

Articole similare

Bibliografie

linkuri externe