Muzica clasică a Statelor Unite se referă la muzica clasică compusă în Statele Unite , din XVII - lea secol la diferite curente ale muzicii contemporane americane.
Cele mai vechi urme de muzică interpretate de coloniști pe pământul american sunt imnuri și psalmi religioși de origine protestantă auziți încă din anii 1570 în Carolina de Nord și California . Către 1620 , pelerinii din Mayflower introdus în New England tradiția corală care se va dezvolta în coloniile de nord în timpul XVII - lea lea și al XVIII - lea secol. În coloniile din sud cântăm muzică inspirată din dansurile franceze și englezești. În 1712 este publicată Introducerea cântecului psalmilor de John Tufts , prima colecție care conține muzică compusă în America. În 1735, a fost interpretată prima operă. În 1743, în Pennsylvania , a fost creată prima orchestră simfonică, precum și prima societate muzicală. Unul dintre primii compozitori americani nativi a fost James Lyon , care a compus o colecție de psalmi în 1762 sub titlul Urania ; cel mai cunoscut a fost William Billings, un alt compozitor coral, activ la Boston, al cărui Psalmsinger din New England era foarte popular. În 1766, Sainte Cécile societatea a fost fondată în Charleston , Carolina de Sud , prima societate muzicala pentru a organiza concerte private , prin abonament, care a jucat , printre altele , muzica lui Carl Friedrich Abel, Johann Christian Bach, Joseph Haydn și Wolfgang Amadeus Mozart.
De la Războiul Revoluționar la începutul secolului al XIX - lea secol, Philadelphia a devenit centrul muzical al Statelor Unite , care dezvoltă o mare activitate muzicala, mai ales sub conducerea organist englez Alexander Reinagle , care organizează mai multe "concerte ale orașului“ . De asemenea, a fost director muzical al Philadelphia Theatre . Londonezul James Hewitt a compus prima operă pe pământ american în 1794 , intitulată Tammany , și a devenit proeminentă cu sonata de pian intitulată Bătălia de la Trenton , dedicată președintelui Washington. În 1818 Anthony Philip Heinrich , originar din Boemia, a fost unul dintre primii muzicieni dinaintea lui Dvořák care a apărat crearea de muzică folosind expresii americane autentice și fără influențe europene. După ce s-a retras timp de un an în Bardstown, Kentucky și s-a frământat cu un trib de indieni, a devenit interesat de muzica tradițională nativă americană și a folosit-o în compozițiile sale. În calitate de dirijor, a fost primul care a dirijat operele simfonice ale lui Beethoven în Statele Unite. Lowell Mason , organist și bancher a publicat o colecție de muzică religioasă în 1821 și a promovat educația muzicală în Statele Unite , înființând Academia de muzică din Boston . În 1842 a fost creată Orchestra Filarmonicii din New York .
A doua jumătate a secolului al XIX - lea secol vede apar curenți muzicale multiple, în plus față de muzică religioasă deja prezentă , deoarece XVII - lea secol . Domeniul liric cunoaște primele sale lucrări compuse de americani a căror limbă este încă influențată de opera italiană. William Henry Fry (ro) scrie prima operă americană Leonora urmată de cea a lui George Frederick Bristow (ro) Rip van Winkle .
Statele Unite , de asemenea , a preluat limbajul muzical al școlii germanic, mai mulți compozitori precum John Knowles Paine , format în Germania . Organistul Dudley Buck compune oratorii inspirate din wagnerism. În acest moment apar și compozitori clasificați ca independenți, deoarece nu sunt atașați de nicio școală muzicală. Este cazul lui Louis Moreau Gottschalk, compozitor și pianist virtuos, al cărui limbaj a fost inspirat din muzica creolă din New Orleans , care susține concerte de călătorie în toată țara și a emigrat în America de Sud după războiul de secesiune . Sidney Lanier , poet și muzician care a murit prematur de tuberculoză , a lăsat o operă muzicală considerată originală, dar care nu a fost recunoscută în timpul vieții sale și eclipsată de opera sa poetică. Un alt muzician care a murit prematur, Stephen Foster a fost unul dintre cei mai prolifici compozitori de melodii populare.
23 octombrie 1883este inaugurată Metropolitan Opera din New York . Numirea din 1892 până în 1895 a lui Antonín Dvořák în funcția de director al Conservatorului Național din New York l-a determinat să deplângă influența supremației estetice germane care predomina în educația muzicală, și-a încurajat studenții și compozitorii americani în general să se inspire din populare și indigene. muzică pentru a face muzică autentică americană.
Cu toate acestea, unii compozitori nu au așteptat ca Dvořák să încerce o expresie mai americană în lucrările lor, așa cum a fost cazul cu Edward MacDowell instruit în Europa. Muzica sa în stil post-romantic împrumută de la muzica indiană americană și folclorul irlandez.
Școala din BostonDe la sfârșitul anului al XIX - lea lea la primul război mondial , un grup de compozitori și profesori de muzică, grupate sub numele de School of Boston (limba engleză a doua School din New England pentru ao diferenția de Prima New England School , care desemnează adepții lui William Billings), domină viața muzicală clasică din Statele Unite. Deși nu a fondat acest grup, influența lui John Knowles Paine a stat la originea constituției sale. George Chadwick , Arthur Foote , Horatio Parker , Amy Beach (prima femeie compozitoare din Statele Unite) și Daniel Gregory Mason au fost principalii reprezentanți. Aveau în comun să fie din New England , să fi studiat muzica în Europa (cu excepția lui Arthur Foote) și să compună și să predea conform esteticii muzicale germane.
XX - lea secol este considerat de istoricii de muzica din Statele Unite , cum ar fi cel care spune dacă o identitate muzicală americană independentă de influență europeană. Prima jumătate a secolului este reprezentată în principal de figurile lui Charles Ives , Georges Gershwin și Aaron Copland, care simbolizează trei stiluri diferite, dar având în comun faptul că sunt specific americani. A doua jumătate a secolului este reprezentată de Elliott Carter , John Cage, figura principală a școlii din New York și a celei de-a doua avangarde muzicale americane, și Philip Glass , unul dintre cei mai renumiți reprezentanți ai muzicii minimaliste .
Prima avangardă (1920-1940)Charles Ives este considerat tatăl muzicii americane moderne, primul compozitor care a folosit un limbaj american unic în muzica sa, dar izolarea sa nu a câștigat recunoaștere de către comunitatea muzicală americană până în 1927, când l-a cunoscut pe compozitorul modern Henry Cowell . Cowell promovează muzica americană modernă cu revista sa New Music unde publică piese de Carl Ruggles sau Wallingford Riegger . Edgar Varèse a fondat în 1927 Asociația Pan Americană care a promovat muzica experimentală americană și ai cărei membri, în afară de Varèse și Cowell, care au co-dirijat asociația, au fost Ruggles, Ives și compozitorul mexican Carlos Chavez .
Un alt muzician va avea un rol important în cadrul acestui grup, dirijorul Nicolas Slonimsky , care în fruntea orchestrei de cameră din Boston va cânta și va promova muzica de avangardă în Statele Unite și în Europa, la Paris, Berlin sau Budapesta.
Influența Nadiei BoulangerDin anii 1920, mai mulți tineri muzicieni au venit la Conservatorul American din Fontainebleau pentru a se antrena cu Nadia Boulanger, a cărei influență asupra muzicii americane moderne a fost decisivă prin prezentarea lucrărilor grupului de șase și Igor Stravinsky . Aaron Copland a fost primul său elev, urmat de Roy Harris și Walter Piston, care urmau să fie printre principalii reprezentanți ai curentului americanist și neoclasic. Roger Sessions s -a orientat către un stil influențat de Școala din Viena, Virgil Thomson , care a fost primul compozitor american care s-a interesat de muzica lui Satie și Elliott Carter , a trecut brusc în 1959 de la o scriere neoclasică la o muzică în limba originală folosind un sistem de modulații metrice.
Philip Glass a fost unul dintre ultimii compozitori americani care s-au format cu Nadia Boulanger.
George Gershwin și Jazz simfonicGeorge Gershwin este unul dintre primii compozitori americani care au câștigat recunoaștere în Europa, cu jazz-ul său simfonic, un gen muzical introdus din 1924 și al cărui reprezentant este cel mai faimos. Rapsodia sa în albastru i-a adus admirația lui Maurice Ravel , Jacques Ibert și Arnold Schoenberg . Pentru André Gauthier, Gershwin este singurul compozitor american care „și-a definit țara într-o sintaxă originală”.
Cu mult înainte de Gershwin, alți compozitori folosiseră sintaxe din jazz și ragtime , precum Charles Ives din 1902 cu cele trei dansuri Ragtime , John Alden Carpenter în 1915 cu Concertino pentru pian și orchestră și autorul ragtime Scott Joplin , primul african -American să abordeze genul operei cu opera sa Treemonisha compusă în 1917. Structurat clasic, el apelează în mod repetat la ritmul și sunetele ragtime .
Compozitori afro-americaniComunitatea afro-americană a dat naștere mai multor compozitori, dintre care cel mai cunoscut rămâne William Grant Still , elev al lui George Chadwick și Edgar Varese, care s-a inspirat din cultura afro-americană pentru operele sale și a cărui primă simfonie a fost intitulată Afro- Simfonia americană . Howard Swanson , născut în Atlanta, student al Nadiei Boulanger, va vedea Simfonia sa scurtă creată de Dimitri Mitropoulos dirijând Filarmonica din New York .
Recunoașterea europeană și imigrațiaLumea muzicală europeană descoperă muzica clasică a Statelor Unite în anii 1920, pe lângă Gershwin, se remarcă un alt compozitor, George Antheil , care se stabilește la Paris și se freacă de mișcarea Dada . A avut un succes scandalos cu lucrarea sa experimentală Ballet Mécanique creată la19 iunie 1926, la Théâtre des Champs-Élysées , folosind printre altele un motor de avion pentru această lucrare, el se află în vina producătorilor de zgomot italieni.
Din anii 1930, ca urmare a apariției nazismului și a celui de- al doilea război mondial care a urmat, mai mulți compozitori și muzicieni europeni precum Arnold Schönberg , Paul Hindemith , Kurt Weill , Igor Stravinsky sau Béla Bartók , au venit la refugiați în Statele Unite. Instalat pe coasta de vest în 1934, Schönberg va preda serialismul ca profesor de compoziție la Universitatea din California de Sud .
Prix de Rome în 1935, Samuel Barber a câștigat recunoaștere atunci când Arturo Toscanini și-a creat Adagio pentru corzi, ceea ce l-a făcut cel mai faimos reprezentant al mișcării neoromantice americane. Bătrânul său Howard Hanson poreclit „Sibeliusul american” a revendicat această estetică pe care a opus-o muzicii moderne pe care a calificat-o drept „muzică cu sânge rece” deoarece nu se bazează pe emoții. Această mișcare muzicală este reprezentată și astăzi de John Corigliano și de compozitorul de muzică de film John Williams .
Cage și a doua avangardăLa fel ca înainte cu Nadia Boulanger, învățătura lui Arnold Schoenberg este decisivă pentru muzica americană. Printre studenții săi cel mai important este John Cage, liderul celei de-a doua avangarde americane, care se îndepărtează de serialism pentru a evolua către un limbaj muzical influențat de percuții orientale și Yi Jing , care îi inspiră conceptul de nedeterminare. . Experimentele sale au culminat în 1949 în Sonatele și interludiile pentru pian pregătit , una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale, în care a transformat pianul într-un instrument de percuție prin adăugarea de obiecte eterogene la mecanismul său, precum o radieră sau o piuliță, inclusiv „ locația și natura afectează sunetul în funcție de locul în care sunt poziționate.
Tinerii compozitori care i se vor alătura pentru a constitui Școala din New York sunt David Tudor , Morton Feldman , Christian Wolff și Earle Brown .
Compozitori independențiUna dintre particularitățile muzicii americane este de a include compozitori a căror scriere muzicală prin eclecticism sau originalitate nu îi leagă de nicio școală sau grup artistic specific. Au fost uniți sub termenul „American Mavericks” și includ indivizi la fel de diferiți ca Harry Partch, pionier al muzicii microtonale, Conlon Nancarrow cunoscut pentru compozițiile sale la pian mecanic , George Crumb , Carl Ruggles sau Henry Brant . Elliott Carter este unul dintre cei mai importanți compozitori independenți, care din anii 1950 a dezvoltat un limbaj foarte personal, distingându-se de tehnicile avangardiste, de post- serialism , de utilizarea aleatoriei sau a electronicii și de curenții americani de muzică minimalistă sau jazz simfonic.
Dirijorul Michael Tilson Thomas le-a dedicat un festival în 2001 pentru a prezenta diversitatea muzicii lor.
Post-seriale americaneÎn timp ce în Europa, în anii 1950, post-serialismul a predominat în special prin influența școlii Darmstadt , în Statele Unite, la fel ca alte stiluri muzicale, dodecafonismul nu a ocupat o poziție dominantă, iar paradoxul este că perioada americană a lui Schoenberg, care a introdus acest limbaj muzical în țară, este marcat de o revenire la tonalitate. După moartea sa, un alt compozitor american recent naturalizat, Igor Stravinsky va adopta această tehnică muzicală. Principalii reprezentanți americani ai post-serialismului sunt Wayne Barlow, care a fost elev al lui Schoenberg, Milton Babbitt și George Rochberg . Școala serial americană a încercat să se desprindă de moștenirea vieneză încercând abordări mai libere de 12 tonuri, de exemplu prin combinarea ei cu scrierea tonală, așa cum au făcut Harrison Kerr și Ross Lee Finney .
Leonard Bernstein și răspândirea muzicii americaneDin anii 1950, odată cu apariția industriei de înregistrări, dezvoltarea radioului și apariția televiziunii, muzica americană a cunoscut o distribuție mai largă, în special prin inițiativa de etichete care oferă colecții dedicate compozitorilor americani precum Mercury Records a căror colecție Living Presence prezintă operele lui Chadwick, Samuel Barber, Virgil Thomson, Morton Gould sau Henry Cowell de Howard Hanson dirijând Orchestra Eastman Rochester.
În 1958, preluând conducerea Filarmonicii din New York , urmând generații de dirijori din Europa, inclusiv Serge Koussevitzky , Arturo Toscanini și Dimitri Mitropoulos , Leonard Bernstein a devenit primul dirijor născut în Statele Unite, deținător al unei orchestre americane de talie internațională. Dacă nu este primul dirijor care promovează muzica americană (Toscanini și Koussevitsky au comandat lucrări de la Samuel Barber sau Aaron Copland), el este cel care va pune cel mai mult entuziasm în apărarea muzicii din țara sa, în special prin înregistrările sale, și prin organizarea unei serii de concerte televizate ca parte a Concertelor pentru tineri , un program care popularizează muzica clasică în rândul spectatorilor. Repertoriul său foarte variat va varia de la Charles Ives (pentru care a premiat Simfonia nr. 2) la Lukas Foss , inclusiv Copland, Schuman, Carter și Shuller.
În calitate de compozitor, el se află în continuarea jazz-ului simfonic al lui Gershwin cu muzicalele sale On the Town and West Side story și baletul său Fancy Free și în curentul simfonismului neoclasic, sub influența lui Aaron Copland , cu cele trei simfonii ale sale.
Electroacustică și muzică pe bandăLa sfârșitul secolului, Edgar Varèse , un compozitor francez care a emigrat în Statele Unite în 1915, la 32 de ani, era interesat de utilizarea instrumentelor care puteau produce sunete noi. El a contactat Fundația Guggenheim pentru a finanța construcția unui studio de muzică electronică în 1933, iar în 1934 a compus Equatorial, care a folosit instrumentul generator de unde Theremine inventat de Léon Theremin . Inginerul rus va construi , de asemenea , pentru Henry Cowell Rythmicon , un instrument capabil să producă o varietate largă de combinații ritmice.
În 1946, muzicianul de jazz Raymond Scott a fondat Manhattan Research , primul studio format în principal din instrumente electronice.
28 octombrie 1952, Otto Luening și Vladimir Ussachevski de la Columbia University cântă la Muzeul de Artă Modernă din New York cu Fantasy in Space, o compoziție pentru benzi magnetice. În 1958, au fondat Columbia-Princeton Electronic Music Center, cel mai dezvoltat centru de cercetare a muzicii electronice la acea vreme. Lucrarea lor asociază compozitori precum Roger Sessions și Milton Babbitt care au compus în 1964 Ansambluri pentru sintetizator cu sintetizatorul centrului RCA Mark II.
Richard Maxfield, care a lucrat cu John Cage , compune lucrări pur electronice și este, de asemenea, inspirat de muzica concretă . Preda muzică electronică la New School for Social Research din New York și numără printre elevii săi La Monte Young cu care participă la concerte de muzică electronică susținute la Yoko Ono .
Apariția muzicii conceptualeÎn conformitate cu căile deschise de John Cage către experimentarea radicală, la sfârșitul anilor 1960 a apărut o generație de compozitori interesați de interdisciplinaritate, reînnoirea limbajului muzical și utilizarea tehnicilor netradiționale. Apariția muzicii conceptuale, bazată pe performanță de acțiuni care se apropie de teatrul muzical în care se întâlnesc influențele dadaïame, literatură și știri tehnologice, naște o serie de lucrări diseminate prin grupul Fluxus , fondat de artistul interdisciplinar Georges Maciunas în jurul anului 1961. Fluxus reunește în special compozitori interdisciplinari precum Nam June Paik , Philip Corner , Yoko Ono , Yasunao Tone , Charlotte Moorman , George Bretch , Pierre Mercure și Ben Patterson . În anii 1960, serile trupei asociate cu Fluxus au luat adesea forma unor concerte susținute în mansarda lui Maciunas din Soho din New York City (acum Galeria Emily Harvey). Majoritatea muzicii conceptuale este interpretată din compoziții textuale sau grafice fără a recurge la notația muzicală tradițională.
Muzică live-electronicăO altă abordare, mai axată pe utilizarea instrumentelor muzicale electronice special concepute pentru proiecte specifice, reunește compozitori, dintre care mulți sunt asociați cu compania de dans a lui Merce Cunningham, al cărei director muzical este John Cage . Compozitorii David Tudor , Gordon Mumma , Alvin Lucier , David Behrman , Robert Ashley , Pauline Oliveros interpretează compoziții live-electronice ca parte a spectacolelor coregrafice sau interdisciplinare. Muzica produsă de compozitorii acestei mișcări a avut o influență accentuată asupra diferitelor curente ale muzicii psihedelice din anii 1960, asupra curenților mai alternativi de muzică industrială și de zgomot care au apărut în Europa, America de Nord și Oceania spre mijloc. de lista Nurse with Wound ) și mișcările electronice live de muzică experimentală din anii 1990.
Muzică minimalistăÎn anii 1960 , compozitorii americani La Monte Young și Terry Riley , inspirați inițial de abordarea experimentală a lui John Cage , de muzica extra-occidentală , precum și de jazz , s-au îndepărtat de ultra-complexitatea serialismului . Ei inventează așa-numita muzică minimalistă , alcătuită din note lungi și parsimoniose, tăceri lungi, cu absență de ritm și melodie. Aceste câteva sunete care evoluează încet, dând o impresie de stază.
Terry Riley, apoi Steve Reich și Philip Glass construiesc apoi muzică bazată pe repetarea unor tipare muzicale scurte, pulsații regulate și o revendicare pretinsă la muzica tonală . În C ( 1964 ) de Terry Riley este opera fundamentală a acestei mișcări, care se numește și muzică minimalistă și care își va vedea apogeul între 1964 și 1976 cu lucrările Reichului, cum ar fi Piano Phase (1969), Drumming (1971) și în special Music for 18 Musicians (1976) și Glass precum Music in Twelve Parts (1974) sau opera Einstein on the Beach (1976).
Electronica și muzica pe bandă vor juca un rol notabil în dezvoltarea muzicii minimaliste . La Monte Young , Terry Riley și Steve Reich o folosesc în special în muzica live , folosind facilitățile San Francisco Tape Music Center . Muzica minimalistă s-a dezvoltat inițial departe de circuitele tradiționale, cu concerte care au loc în galerii de artă sau în case private, de exemplu în mansarda lui Yoko Ono . Primele concerte în sălile de muzică clasică au stârnit scandaluri în anii 1970, înainte de a câștiga popularitate reală.
Evoluția muzicii minimaliste fuzionează apoi cu muzica post-modernă . Unul dintre cei mai dotați reprezentanți, John Adams preia unele dintre caracteristicile minimalismului, dar revine la formele clasice și la orchestrație, adesea cu umor și ironie.
Muzica colonială, sau „timpurie American Music“ a apărut în coloniile din America de Nord de la XVII - lea secol pana la independenta. Muzica este religioasă și laică, iar stilul este similar cu muzica care se cânta în Europa în același timp.
Dansurile care apar la începutul XVIII E secolul lua din nou stilul în vogă în Europa clasică și sunt de limba engleză și origine franceză ca menuete , a gavottes , țara dansuri ACESTEA , germanilor și țara engleză dansează ca cotillon derivate . al dansului francez de țară.
În secolul al XVIII- lea clasicismul nu este impus în Statele Unite, niciun compozitor nativ nu a scris o mare lucrare comparabilă cu cea a lui Mozart sau Haydn. Compozitorul englez Alexander Reinagle poate fi considerat principalul reprezentant al acestui curent cu muzică influențată de Carl Philipp Emmanuel Bach și Haydn. Cea mai originală contribuție la muzica clasică din Statele Unite a fost un instrument muzical ciudat, armonica de sticlă , inventată de Benjamin Franklin . Va cunoaște o mare modă în Europa, iar mai mulți compozitori precum Gluck, Mozart sau Hasse, fascinați de sunetul său, scriu piese pentru instrument.
Neoclasicismul nu apare ca urmare a clasicismului, ci mai mult de un secol mai târziu sub influența învățăturii lui Nadia Boulanger . Acest curent caracteristic al muzicii simfonice americane este considerat academic sau chiar bombastic, întrucât una dintre lucrările reprezentative a fost numită, de exemplu, a treia simfonie a lui Aaron Copland și celebra sa Fanfare for the Common Man . Pe lângă Copland, Virgil Thomson și Walter Piston sunt ceilalți reprezentanți. Și alți compozitori cu un stil mai eclectic și-au încercat mâna în acest fel, precum Leonard Bernstein cu opera sa Candide .
Dintre toate muzicale curenții romantismului și continuările, post-romantismului și neo-romantismului , va prevala de aproape un secol în Statele Unite, care să ateste o supremație a esteticii germanice pe parcursul al 19 - lea secol. Lea lea , datorită , în parte la sosirea în țara muzicienilor germani și austrieci și faptul că mai mulți compozitori americani au studiat în Germania .
Unul dintre principalii reprezentanți ai Romantismului a fost compozitorul simfoniilor John Knowles Paine , a cărui influență asupra școlii din Boston a fost la baza școlii romantice americane , care a predominat în New England , la sfârșitul secolului al 19 - lea. Lea lea. Muzica romantică americană își datorează influența estetică în principal muzicii lui Brahms , Daniel Gregory Mason scria în 1895 „Slavă Domnului că Wagner este mort și Brahms este viu. ". La începutul secolului XX E chiar și compozitorii care vor evolua mai târziu într-un mod modern și-au început pregătirea muzicală sub egida stilului romantic. Acesta a fost cazul lui Charles Ives ale cărui producții timpurii denotă o influență romantică ca în prima sa simfonie sau cântecele sale despre poezii germane, după ce a studiat la Yale cu Horatio Parker unul dintre liderii școlii din Boston.
Mesaj Romantismul de Howard Hanson și neo-romantismului a lui Samuel Barber , sunt reacțiile împotriva modernismului al XX - lea secol și să continue tradiția germanic, introducând și alte influențe , cum ar fi cele ale lui Jean Sibelius și Serghei Rahmaninov compozitori descoperit recent în Statele Unite în la începutul XX - lea secol.
Există mai multe școli și abordări ale muzicii microtonale în Statele Unite, derivate din influența muzicii tradiționale americane, a muzicii europene sau orientale și orientale îndepărtate. Diferitele muzica microtonal pot fi clasificate în muzică sfert de ton , la scară naturală sau temperament egal. Folosind instrumente muzicale clasice, muzică tradițională, instrumente realizate special pentru această muzică sau instrumente electronice.
Muzica microtonală apare cu Charles Ives , primul compozitor care a folosit un sistem de scriere în sferturi în unele dintre lucrările sale. De exemplu, piesele sale de pian cu trei sferturi sunt scrise pentru două piane, dintre care una trebuie să fie acordată cu un sfert de ton mai mare decât a doua, sau melodia lui Like a Sick Eagle în care cântăreața trebuie să interpreteze o melodie de sfert . ta.
Primul compozitor care a folosit în mod exclusiv scrierea microtonală în muzica sa a fost Harry Partch, care a realizat instrumente special concepute în acest scop.
Festivalul American de Muzică Microtonală (AFFM), înființat în 1981 de compozitorul Johnny Reinhard , prezintă și promovează diferite abordări ale muzicii microtonale contemporane.
Ingredientele obișnuite ale muzicii minimaliste sunt trei:
Cu toate acestea, termenul minimalist reunește muzică și tehnici foarte diferite. Încă inspirată de serialism , piesa La Monte Young , Trio for Strings ( 1958 ), compusă exclusiv din sunete deținute timp de câteva minute, deschide calea curentului dronei și a muzicii favorizând meditația. Foarte influențați de jazz, Young și Terry Riley folosesc improvizația pe larg în piesele lor și chiar standardele de jazz .
Steve Reich și Philip Glass își simplifică metodele de compoziție generându-și muzica dintr-un proces, care este în sine suficient de simplu pentru a fi audibil ascultătorului. Reich propune ceea ce el numește „ fazare ”, în timp ce Glass inventează o metodă de extindere și contractare a motivelor muzicale elementare. Aceste procese de două generații implică modele muzicale scurte (ritmice și / sau armonice) repetate de mai multe ori și combinate în diferite moduri, urmând un ritm regulat.
Viața muzicală din Statele Unite s-a dezvoltat odată cu înființarea mai multor orchestre care au făcut posibilă promovarea mai întâi a muzicii clasice europene și apoi a celei americane. Prima orchestră fondată în Statele Unite a fost, în 1842, Filarmonica din New York, înființată de Ureli Corelli Hill , în același an cu Filarmonica din Viena.
În New York s-au dezvoltat, de asemenea, orchestre non-permanente, precum Societatea Simfonică a lui Leopold Damrosch, fost director al filarmonicii sau orchestra lui Theodore Thomas care a făcut turul teritoriului național înainte de a înființa și a dirijat în 1891 l ' Chicago Symphony Orchestra .
Spre deosebire de Europa ale cărei orchestre depindeau de opere finanțate de guvern, marile orchestre americane își datorează dezvoltarea finanțării private a patronilor și industriașilor americani. Patronul Henry Lee Higginson a fondat Orchestra Simfonică din Boston în 1883 ; în 1891 omul de afaceri Charles Norman Fay a finanțat Chicago Symphony Orchestra.
Rolul muzicienilor europeni a fost, până în primul război mondial, un factor determinant în dezvoltarea artistică a acestor orchestre, datorită în special contribuției importante a imigranților germani. Muzicienii berlinezi au fondat societatea Germania, care din 1848 până în 1854 a promovat muzica germanică în Statele Unite. Georges Liebert indică faptul că influența germanică a fost de așa natură încât limba de repetiție a aproape tuturor orchestrelor americane a fost germana.