Renașterea franceză

Renasterii franceze este o mișcare artistică și culturală situată în Franța , de la mijlocul XV - lea  secol și începutul XVII - lea  secol . O etapă a timpurilor moderne , Renașterea apare în Franța după începutul mișcării în Italia și răspândirea sa în alte țări europene.

Ca și în Italia , caracteristicile sale caracteristice sunt setea de viață, încrederea în om , apetitul pentru cunoaștere , spiritul de examinare liber . Această mișcare contestă mentalitățile din Evul Mediu și caută noi forme de viață și de civilizație . Într-adevăr, posibilitățile de diseminare a informațiilor de către tipografie și descoperirea unei noi lumi dincolo de Atlantic, modifică profund viziunea despre lumea oamenilor din acest timp.

Renașterea franceză este pictorii de timp, sculptori angajați de regi a căror cel mai emblematic al perioadei sunt François I st și Henry al II - lea . Este momentul de Leonardo da Vinci , care a încheiat viața lui de la Clos Lucé , dar , de asemenea , crearea Școlii de la Fontainebleau și sosirea Medicis din Paris al XVI - lea  lea.

Renașterea din Franța poate fi împărțită în patru părți. Primul act este stilul Ludovic al XII-lea (în jurul anilor 1495-1530) formând tranziția între stilul gotic și Renaștere . Cu toate acestea, acest prim stil a slăbit din 1515, în special în Valea Loarei , unde acceptarea deplină a Renașterii italiene s-a simțit mai repede. La fel ca în Italia , trei faze apoi sta până la începutul XVII - lea  secol , un prim și un al doilea renascentist francez se termină cu manierismul .

Data Renașterii franceze

Sfârșitul războiului de 100 de ani marchează instalarea puterii regale în Valea Loarei și începutul construcției primelor castele rezidențiale. Carol al VII-lea și Ludovic al XI-lea au ordonat sau au favorizat instalarea primelor castele din Loara , astfel din 1453 clădirea principală a castelului Montsoreau a fost construită de Jean II de Chambes . Influența italiană a existat mult timp în Franța , cu Plutarh în literatura de specialitate , Jean Fouquet în vopsea sau Laurana la Marsilia în arhitectură , dar este în principal războaiele italiene de Charles VIII și Louis XII , care a pus Franța în legătură cu revigorarea artelor atunci luați loc în Italia . Dacă arta gotică nu a murit imediat, odată cu sosirea primilor artiști italieni la Amboise în 1495 , ea a dat totuși semne de decadență. În ciuda unor succese în 1 st jumătate a XVI - lea  secol, procesul de tranziție stil Louis XII impune treptat forme ale Renașterii timpurii . Începând cu anii 1515 , formele gotice au fost diluate treptat în decorul italian.

În ciuda acestor supraviețuiri, li se va da lovitura fatală în 1526 odată cu crearea de către François I er , a Școlii din Fontainebleau  : acest nou val de artiști italieni, mai mult decât înainte, va avea o mare influență asupra artei franceze, creând o adevărată pauză prin inovațiile acestor artiști atât în ​​decorarea interioară, cât și în aplicarea mai învățată a ordinelor antice în arhitectură. Cei Arhitectii care , la momentul stilului Ludovic al XII -lea și al Prima Renașterii , erau tradiționaliste meșterilor zidari și plin de vervă, sunt din anul 1530 oamenii de știință și oamenii de știință.

Anul 1530 corespunde astfel unui adevărat punct de cotitură stilistic, considerat în general ca sfârșitul stilului Ludovic al XII-lea , care reînnoise structura medievală din 1495 datorită contribuțiilor italiene și ca o acceptare definitivă a Renașterii în Franța , care a apărut treptat în jurul anului 1515 ..

Dacă începutul acestei mișcări este bine marcat, sfârșitul perioadei este, pe de altă parte, un subiect de discordie: Edictul de la Nantes din 1598 , care marchează sfârșitul războaielor de religie , este adesea considerat ca sfârșitul Renașterea, dar anumiți istorici opresc perioada de la începutul primului război religios , cu masacrul de la Wassy în 1562  ; alții încheie perioada cu asasinarea lui Henri IV în 1610 .

În general, Europa s-a pacificat considerabil după bătălia de la Nancy din 1477, care a eradicat posibilitatea apariției unui stat puternic între regatul Franței și Sfântul Imperiu Roman . Această perioadă de pace este favorabilă creației artistice, tocmai în acest moment apare o primă Lorena renascentistă ( Palatul Ducal din Nancy ) a cărei epocă de aur va fi domnia Ducelui Carol al III-lea de Lorena odată cu crearea Universității din Pont-à -Mousson, precum și construcția noului oraș Nancy , o lucrare de planificare urbană originală, deoarece a înființat un nou oraș chiar lângă orașul medieval. Renașterea din Ducatul Lorenei se va încheia odată cu războiul de treizeci de ani (1618).

Întărirea monarhiei: suveranitate

În Franța, Renașterea a fost specifică prin faptul că, după domnia centralizatoare a lui Ludovic al XI-lea , puterea regelui a fost accentuată asupra vasalilor săi. Trecem treptat de la un regim de suzeranitate la un regim de suveranitate .

De fapt, evoluția tehnicilor de război are o influență indirectă asupra acestei schimbări. Apărarea castelelor fortificate devine progresiv ineficientă datorită inventării de noi arme de război cu o rază mai mare de acțiune ( bombarde ), astfel încât noi sisteme defensive trebuie imaginate.

Ineficiența armatei franceze în timpul anumitor episoade ale Războiului de 100 de ani ( Bătălia de la Agincourt , 1415 , în special) este un indiciu al acestei schimbări.

Cei feudali Lorzii ale căror „privilegii“ în medievale societate sunt compensate de lor de responsabilitate pentru populația din jur , în caz de agresiune de către comunitatea locală, nu mai au același rol. Aceștia și-au asumat responsabilități militare la nivel „național” și nu mai local (în limbaj modern), păstrându-și totuși privilegiile .

Ierarhia suzeranității este supărată. Prin urmare, este necesar să se redefinească responsabilitățile reciproce ale monarhului, care a devenit garantul securității țării unificate. Principalul teoretic al definiției principiului suveranității este Jean Bodin .

François I st este , astfel , unul dintre primii monarhi francezi, în adevăratul sens al termenului (în sistemul feudal , regi sunt lorzi ai vasalilor lor, care la împrumutat de jurământ de credință). Vedem apariția absolutismului , strict vorbind, numai cu Henri IV , ale cărui responsabilități au fost sporite în urma Edictului de la Nantes ( 1598 ), și mai ales cu Ludovic al XIII-lea (sub influența foarte puternică a lui Richelieu. ), Și cu Ludovic al XIV-lea , susținut în acest punct de Bossuet .

Cele patru faze ale Renașterii franceze (1495- începutul XVII - lea  secol)

Renașterea din Franța poate fi împărțită în patru părți. Primul act este stilul Ludovic al XII-lea (în jurul anilor 1495-1530) care formează tranziția între stilurile gotice și renascentiste . Cu toate acestea, acest prim stil a slăbit din 1515, în special în Valea Loarei , unde acceptarea deplină a Renașterii italiene s-a simțit mai repede. La fel ca în Italia , trei faze apoi sta până la începutul XVII - lea  secol, un prim și un al doilea renascentist francez se termină cu manierismul .

În fiecare etapă a dezvoltării sale, arta Renașterii franceze a rămas o artă originală, născută dintr-o întâlnire între modele italiene, artiști flamande și particularități franceze. Cu toate acestea, modelele s-au schimbat mult între 1495 și 1610, deoarece francezii au admirat succesiv arta sfârșitului Quattrocento , cea a Înaltei Renașteri, apoi a manierismului . Din aceste întâlniri succesive a apărut o producție artistică abundentă, dezordonată, uneori dificil de înțeles. Atunci când , de fapt , bilanț, două fapte de bază apar: arta franceză modernă a luat forma prin marile lucrări de la mijlocul XVI - lea  secol în timp ce în jurul Castelului Royal Fontainebleau , „adevărată nouă Rome,“ sa născut sub voința regelui François I Este un centru artistic important, care a fost singurul din Europa care a putut concura cu marile centre italiene și pe care îl vom numi Școala din Fontainebleau .

Noile controale situație viitor: Se anunță afirmarea unui stil „național“ în mijlocul XVII - lea  secol și rolul viitor al Versailles .

Stilul Ludovic al XII-lea: tranziție între arta gotică și prima Renaștere (1495 - 1525/1530)

Stilul Ludovic al XII-lea (1495 - 1525/1530) este un stil de tranziție, un pasaj foarte scurt între două epoci orbitoare, perioada gotică și Renașterea . El descrie un moment în care arta decorativă, pornind de la ogivă și gotic naturalismul, se va deplasa spre arcul semicircular și formele flexibile și rotunjite amestecate cu motive antice stilizate tipice Prima Renașterii  : există încă o mulțime de . Gotic , la castelul Blois , nu mai există la mormântul lui Ludovic al XII-lea din Saint-Denis .

Din 1495, o colonie de artiști italieni a fost instalată în Amboise și a lucrat în colaborare cu maeștrii francmasoni. Această dată este în general considerată a fi punctul de plecare al acestei noi mișcări artistice. În general, structura rămâne franceză, doar decorul se schimbă și devine italian. Ar fi regretabil totuși să se determine acest nou stil cu singura contribuție italiană: există relații între producția arhitecturală franceză și cea a platerescului spaniol și influența nordului, în special a Anversului, este notabilă atât în artele decorative, cât și în arta picturii și vitraliilor .

Limitele stilului Ludovic al XII-lea sunt destul de variabile, mai ales când vine vorba de provincie în afara Văii Loarei . În plus față de cei șaptesprezece ani ai domniei lui Ludovic al XII-lea (1498-1515), această perioadă include domnia lui Carol al VIII-lea și începutul celei a lui François  I er , făcând mișcarea artistică începută în 1495 pentru a-l face complet spre 1525 / 1530: anul 1530 corespunde unei adevărate schimbări stilistice, care în urma creării de către François I er , a Școlii din Fontainebleau , este considerată în general acceptarea deplină a stilului renascentist. În lucrările decorative de la sfârșitul perioadei lui Carol al VIII-lea , există o tendință marcată de a se separa de arcul ascuțit pentru a se apropia de arcul de semicerc . Influența realizărilor lui Bramante la Milano pentru Ludovic Sforza este perceptibilă în partea inferioară a aripii Carol al VIII-lea la castelul Amboise  : dacă partea superioară a clădirii este gotică , fațada promenadei gardianului pare a fi o logie , o serie de semicirculare arcade care marchează întinderi punctate de pilaștri netezi. În general, formele ornamentale nu mai au grația deosebită a perioadei ogivale , ritmul fațadelor este organizat într-un mod mai regulat cu suprapunerea deschiderilor în întinderi și a cochiliei, un element important al decorului renascentist. aspect.

Această dezvoltare este deosebit de vizibilă la castelul Meillant, unde lucrările de înfrumusețare dorite de Carol al II-lea d'Amboise au început în 1481: dacă structura a rămas complet medievală , suprapunerea ferestrelor de golf legate între ele printr-un șnur cu pinacole, anunță grila de fațadele de sub Prima Renaștere . În mod similar, remarcăm entablamentul la ovale clasice acoperite cu o balustradă gotică și tratamentul Tempietto al vârfului scării în spirală cu seria sa de arcade în cochilii montate semicirculare .

Dacă la sfârșitul domniei lui Carol al VIII-lea , contribuția ornamentelor italiene a îmbogățit repertoriul extraordinar, a existat de acum înainte sub Ludovic al XII-lea o întreagă școală franceză care s-a deschis Italiei cu noi propuneri, stabilind astfel principiile unui stil de tranziție.

În sculptură, contribuția sistematică a elementelor italiene sau chiar reinterpretarea   „ gotică ” a operelor renascentiste italiene este evidentă la Sfântul Mormânt din Solesmes unde structura gotică ia forma unui arc de triumf roman flancat de pilaștri cu candelabre lombarde. Frunzișul gotic, acum mai zimțat și mai languid ca la Hôtel de Cluny din Paris , se amestecă cu tondi cu portrete ale împăraților romani la Château de Gaillon .

În arhitectură, utilizarea „cărămizii și pietrei”, prezentă încă pe clădirile din secolul  al XIV- lea, tinde să se răspândească ( castelul Ainay-le-Vieil , aripa Ludovic al XII - lea Castelul din Blois , hotelul Alluye de Blois ). Acoperișurile înalte franceze cu turele de colț și fațadele cu scări elicoidale continuă tradiția, dar suprapunerea sistematică a golfurilor, adâncitura ferestrelor de lucarna și apariția logiilor influențate de vila Poggio Reale și Castelul Nuovo din Napoli sunt manifestul a unei noi arte decorative în care structura rămâne totuși profund gotică . Prin urmare, propagarea vocabularului ornamental din Pavia și Milano joacă un rol major în timp ce este resimțită ca sosirea unei anumite modernități.

În această artă care se schimbă rapid, grădinile devin mai importante decât arhitectura  : sosirea în Amboise a artiștilor italieni, inclusiv Pacello da Mercogliano, a fost la originea lui Carol al VIII-lea al creării primelor grădini ale Renașterii franceze datorită noilor creații de amenajare a teritoriului , instalarea unei lucrări de menajerie și de aclimatizare agronomică efectuată din 1496 în „Jardins du Roy” situate apoi în domeniul regal al Château-Gaillard . În 1499, Ludovic al XII-lea a încredințat realizarea grădinilor castelului Blois aceleiași echipe care a fost ulterior angajată de Georges d'Amboise pentru a crea paturi de flori la diferite niveluri sub castelul său de Gaillon .

În concluzie, stilul Ludovic al XII-lea arată că acum vrem să uimim francezii la fel de mult ca italienii: este din fantezia cu care noutățile italiene sunt încorporate în structurile franceze încă foarte medievale care se vor naște în jurul anilor 1515/1520 Prima Renaștere .

Prima Renaștere (1515-1530/1540)

La fel ca perioada anterioară, cea mai evidentă manifestare a primei Renașteri în Franța se exprimă prin construirea de castele rezidențiale nu numai în Valea Loarei și Île-de-France, ci și în anumite provincii situate la sud. Precum Berry , Quercy și Périgord ( castele din Assier și Montal ) care, după ce s-au recuperat după războiul de sute de ani , și-au văzut familiile numeroase îndatorându-se de-a lungul mai multor generații pentru a moderniza structurile medievale preexistente.

Cu toate acestea, în Touraine vor fi construite cele mai mari castele din prima Renaștere franceză.

Dacă la sfârșitul XV - lea  secol, procesul de tranziție stil Ludovic al XII -lea , impunând treptat forme ale Renașterii timpurii , din anii anul 1515 / anul 1520 , sosirea unui nou val de artiști italieni, mai numeroase decât înainte, va avea un mare influență asupra artei franceze, creând o adevărată pauză: formele gotice ajung să se dilueze treptat în decorul italian. Această dezvoltare este deosebit de remarcabilă la portalul Bisericii Saint-Maurille de Vouziers , unde o ornamentație clasicizantă maschează structura încă gotică .

Spre deosebire de perioada anterioară, principalul protagonist nu mai este anturajul regelui, dar François I er , el însuși, comportându-se în monarhul umanist , a devenit unul dintre actorii importanți ai acestei evoluții stilistice. Impunându-se în arte, el vrea apoi să fie patron și ghid al poporului său și al creștinătății, fără a renunța la rolul său militar.

Așa face apel la artiști italieni pentru construirea castelelor sale. Acești meșteri alfabetizați vor avea atunci o mare aură asupra maeștrilor masoni francezi : presupusul arhitect din Chambord , Domenico Bernabei da Cortona ar fi fost poreclit „  Boccador  ”, gură de aur în italiană, luată aici în sensul „cuvintelor de aur” ".

Cu toate acestea, pe parcursul primei Renașteri franceze, planul clădirilor va rămâne tradițional, iar elementele arhitecturale vor rămâne în mod liber inspirate de art nouveau provin din Lombardia . Niciodată, poate, arhitectura franceză nu va fi arătat atât de multă eleganță, ușurință și fantezie decât în ​​această perioadă artistică. O aromă foarte specială emană din clădirile din Valea Loarei, unde maeștrii masoni tradiționali francezi și plini de vervă, acceptă doar cu regret noua arhitectură, potrivind întotdeauna structura cu forma și combinând siluetele îndrăznețe și decorul medieval pitoresc al italianului. Renașterea .

Astfel, în conformitate cu stilul Ludovic al XII-lea , tradițiile naționale precum acoperișurile înalte sunt păstrate pe tot parcursul perioadei  : castelul Saint-Germain-en-Laye fiind singurul care este acoperit cu terase . Dacă progresul artileriei ar fi făcut inutil orice aparat defensiv, cum ar fi turnurile , machicolările , crenelațiile sau zidurile cortinei castelelor, cineva le păstrează încă prin tradiție. Cu toate acestea, toate aceste elemente de apărare sunt golite de substanța lor pentru a fi transformate în atâtea elemente decorative. Astfel , în multe clădiri, cum ar fi Château de Chenonceau , La Rochefoucauld , de Villandry sau cum a fost cazul în Azay-le-Rideau (remodelată în XIX - lea  lea), permanența temnita nu justifică prin simbolul seniorial care reprezinta; funcția sa militară fiind acum înlocuită de cea de prestigiu și spectacol.

În această mișcare, turnurile de veghe ale castelelor din Evul Mediu devin în Azay-le-Rideau , grațioase turnulețe de colț corelate, în timp ce crenelele mersului de la metereze se dezvoltă în ferestre mici, transformând acest spațiu într-o galerie plăcută de circulație. Caracteristice care au apărut odată cu stilul Louis XII , ferestrele fațadelor au jambierele lor care se leagă de la etaj la etaj, formând un fel de golf care se termină într-un luminator ornamentat. Această grilă, pe care o găsim la Blois sau Chambord , dă o senzație de regularitate, adesea „fictivă”, la înălțimi, subliniind în același timp orizontale și verticale, în timp ce înmulțirea coșurilor și a pinacurilor care par să formeze o coroană a clădirii este o ultima reflexie a magiei medievale.

Dacă acum arhitectura se deschide larg spre exterior, bogăția decorativă rămâne rezervată curții, în special motivului central al scării. Obsession , în general , străine la Renașterii italiene , scara este apoi considerată ca fiind franceză elementul care se învârt în jurul castelului tot: poligonal turn aperitiv, conservate în aripa François I st Castelul Blois , este înlocuită treptat cu o rampă de scară, mult mai mult decât inovația italiană pare să aparțină repertoriului occidental al Franței din secolul  al XV- lea .

Dacă fațada cutiilor castelului Blois aduce o anumită modernitate, prin deschiderile sale la rând în exterior, inspirate de curtea Belvederului Vaticanului , utilizarea modelului roman de Bramante este văzută modificată și supusă la structura medievală preexistentă. Nefinisat, această fațadă ar putea primi un decor Italianate comparabil cu aripa François I st curte. Este totuși reprezentativ pentru diversele cercetări efectuate în timpul primei Renașteri: Prin înlocuirea profilelor solide și curate cu marginile ascuțite ale mulajelor gotice , marchează un pas înainte în imitarea modelelor antice .

Această interpretare a realizărilor lui Bramante , chiar dacă nu respectă în niciun caz ordinele antice , se regăsește în suprapunerea arcadelor încadrate de pilaștri care împodobesc curțile interioare ale castelului La Rochefoucauld, apoi de Chambord .

Prima creație ex nihilo , Château de Chambord este un loc de întâlnire pentru vânătoare de curte și petreceri, conceput ca un loc teatral slab populat. Prezența lui Leonardo da Vinci și a lui Boccador , aduce o reflecție asupra castelului francez în contact cu Renașterea italiană . În timp ce turnurile din Evul Mediu nu au avut alte zile în afară de crăpăturile arcașilor , o suprapunere de ferestre cu pilaștri vine aici în mare măsură pentru a lumina clădirea, în timp ce coroana crenelată dispare pentru prima dată. Decorul exuberant se atașează apoi mai presus de toate de acoperișurile pline de cioturi de coșuri de fum, lucernă sau turnulețe , toate decorate cu diamante sau discuri de ardezie , tabernacole și cul-de-lămpi tratate după gustul Italiei. Nord, evocând marmura neagră. incrustări ale Certosa di Pavia , unde François I st a fost prizonier. În cazul în care dezvoltarea de apartamente simetrice în scopuri rezidențiale este o noutate, organizarea planului rămâne tradițional, astfel amintește de Château de Vincennes , cu o centrală keep înconjurată de o incintă în care curte și sunt situate clădirile anexe . Cu toate acestea, proiectul inițial din 1519 a fost modificat în 1526, pentru a transfera apartamentul regelui pe o aripă laterală: păstrarea centrată fiind făcută incompatibilă cu noul ritual de curte care necesită un apartament regal la rând. La fel ca în Vila Medici din Poggio a Caiano , fiecare nivel are acum apartamentele sale distribuite în jurul unei axe centrale întruchipate de scara cu dublă revoluție (imagine) proiectată în colaborare cu Leonardo da Vinci . Munca este totuși lentă: după înfrângerea Paviei , François I er este nevoit să se întoarcă la Paris .

La întoarcerea sa din captivitate, în 1527 , dacă patronajul anturajului regal rămâne important, regele rămâne totuși principalul protagonist al evoluțiilor stilistice ale țării sale, prin modificările pe care le aduce într-o serie întreagă de castele din jurul capitalei ( Villers-Cotterêt , La Muette ). În timp ce în Île-de-France apar noi inovații, Valea Loarei devine conservatorul primei Renașteri.

Castelul Madrid acum distrus, reflectă această schimbare: Palacio de los Vargas de la Casa del Campo , casa unui mare financiar spaniol , în fața a ceea ce a fost închisoarea François I st în Madrid , realizarea inspirată a acestui palat-șanț cu apă mai puțin a cărui compact planul este opus tradiției franceze. Creat ca o nouă reședință de petrecere, apartamentele simetrice au fost organizate în jurul unei săli de bal centrale, în timp ce două etaje de logii care înconjurau clădirea, au prezentat o decorație originală din teracotă emailată creată de Della Robbia . Înălțimea castelului a fost marcată de pavilioanele hors d'oeuvres, înlocuind aici turnurile încă medievale din Chambord , al căror nou ritm a fost obținut prin separarea mansardei. Utilizarea planului geometric și prezența loggiilor, care anunță Vila Farnese , sunt o reflecție îndepărtată a Poggio Reale din Napoli și Vila Mediceană din Poggio a Caiano

Atunci a avut loc un eveniment de importanță capitală la Château de Fontainebleau , care între 1530 și 1540 a devenit principala reședință a suveranului. Deși există un mare contrast între calitatea medie a arhitecturii și splendoarea decorului interior, realizările regizate de Gilles le Breton marchează o evoluție profundă care marchează sfârșitul perioadei. In timp ce temnita al XII - lea  secol este păstrată, instanța ovală corespunzătoare vechiului castel medieval este văzut decorat de Rosso și Serlio un pridvor de deschidere pe o scara dubla-zbor. De aur poarta pavilion , construit pentru ocazie, încorporează aranjamentele observate în 1509 la Château de Gaillon . Dar, spre deosebire de ceea ce am observat în Valea Loarei , acum preferăm arhitectura austeră bazată pe moloz și pietre acoperite. În cazul în care suprapunerea pilaștri a fațadelor, în nici un fel să respecte ordinele vechi , punerea în scenă a logiile , The scandare a nivelurilor de către triunghiulare frontoane și tăierea acoperișurilor în pavilioane dreptunghiulare cauza un efect clasicizantă mare, transformând această arhitectură într-o intrare triumfală, precum Castelul Nuovo din Napoli .

Dar chiar înainte de finalizarea noilor clădiri castel, François I a adus mai întâi în Italia un grup important de artiști pentru a înfrumuseța palatul. A creat astfel cu dorințele sale, un fel de „nouă Roma  ”, pe care am numi-o Școala din Fontainebleau , cu un cerc intelectual și artistic influent. Până la moartea sa în 1540 , Rosso joacă rolul principal care îi succede Primaticcio  : Decorul galeriei François I er , complex extins dedicat glorificării monarhiei franceze este cea mai frumoasă expresie. În anii care au urmat, cumpărarea mănăstirii trinitare din apropiere a făcut posibilă evadarea din inima medievală a castelului și crearea unei lucrări moderne ex nihilo în jurul unei curți impunătoare . Inspirată de Vila Mediceană din Poggio a Caiano , legătura cu vechiul castel se realizează printr-o nouă aripă către porticele , permițând realizarea Galeriei François I er , suprapusă pe baie de apartamente de lux. În ceea ce privește corpul central cu pavilioane pătrate ale noii aripi a palatului, acesta este inspirat de castelul Bury , marcând în același timp, prin planul său rectiliniu și lucernele sale cu rafinate frontoane triunghiulare, evoluția clasicizantă care va marca a doua Renaștere.

Noul stil al primei Renașteri s-a răspândit în curând în toată Franța . Orașe precum Lyon , Dijon , Besançon , Toulouse sau Nancy, precum și Bar-le-Duc sunt deosebit de bogate în case și conace private din prima Renaștere: printre cele mai renumite reședințe putem menționa Hôtel Chabouillé numit François I mai întâi la Moret- sur-Loing, casa Pincé (1525-1535) din Angers , hotelul Bullioud (1536) și hotelul Gadagne (încă stil Louis XII ) din Lyon , casa Heads (1527) din Metz, Hôtel d'Haussonville (1527-1543) în Nancy , Hôtel de ville de Beaugency sau Hôtel de Bernuy (1530-1536) din Toulouse , a cărui curte a fost parțial reprodusă în Orașul arhitecturii și patrimoniului pentru a ilustra stilul primei Renașteri din Franța .

Ultimul dintre marile castele care au fost construite pe Loira în secolul  al XVI- lea , Château de Villandry , aduce o notă finală primelor căutări renascentiste în timp ce anunță realizările Ancy-le-Franc și Écouen . La sosirea sa în 1532 , Jean le Breton , ministrul finanțelor François I er , operează Villandry experiența sa arhitecturală excepțională dobândită în numeroase proiecte, inclusiv cea a castelului Chambord, care a monitorizat și administrat de ani buni în numele coroanei . În timp ce distrugem vechea cetate feudală , păstrăm donjonul , martor simbolic al tratatului din 4 iulie 1189 , numit „Paix de Colombiers”, numit după Villandry în Evul Mediu , timp în care a venit înainte regele Angliei Henri II Plantagenêt . regele Franței Philippe Auguste , să recunoască înfrângerea. Finalizată în jurul anului 1536 , această nouă clădire prezintă un aspect modern prin regularitatea planului său pătrangular și curtea sa interioară care se deschide spre perspectivele văii prin care curg râurile Cher și Loire . Cu toate acestea , foarte aproape și aproape contemporane Azay-le-Rideau , The italienizata „fantezii“ și medievale amintiri , cum ar fi turnulete , clopotnite sau alte decorative machicolations , dispar aici în întregime în favoarea unui, stil pur francez simplu. A cărui clacissism și forma a acoperișurilor prefigurează realizările Ancy-le-Franc și ale castelului Écouen . Dacă originalitatea Villandry constă într-un design arhitectural avangardist care anunță a doua Renaștere, utilizarea site-ului pentru a construi acolo în deplină armonie cu natura și piatra, grădini de o frumusețe remarcabilă, îl face una dintre cele mai reușite expresii ale Prima Renaștere franceză.

A doua Renaștere: Clasicism (1540 - 1559/1564)

A doua Renaștere, cunoscută anterior ca „stilul Henri II”, marchează din 1540 maturizarea stilului apărut la începutul secolului, precum și naturalizarea acestuia, în timp ce Valea Loarei se află retrogradată într-un conservator al formelor de prima Renaștere. Această nouă perioadă s-a dezvoltat apoi în principal în timpul domniei lui Henri al II-lea , François al II-lea și apoi al lui Carol al IX-lea , pentru a nu se încheia până în jurul anilor 1559-1564, chiar în momentul în care au început războaiele de religie , care ar fi marcate de masacrul Sfântului - Barthélemy și contrareforma catolică .

În timp ce Prima Renaștere este acceptată treptat în provincii, o serie întreagă de inovații se resimt în Île-de-France .

Din 1540 , Clasicismul progresat, după sosirea în Franța de Serlio (1475-1555): Cu toate că activitatea sa arhitecturală a rămas limitată, influența lui a fost considerabilă prin publicarea său tratat de arhitectură (1537-1551)).. Datorită lucrărilor sale gravate, el este unul dintre primii care a introdus alți artiști în frumusețea monumentelor antice , ajutând astfel la dezvoltarea de planuri și decorațiuni către mai multă sobrietate și regularitate. Cu toate acestea, arhitectura franceză continuă să-și păstreze propriile caracteristici care îl seduc pe Serlio  : ferestrele de lucernă „sunt ornamente excelente pentru clădiri precum o coroană”, iar mansarda mare acoperită cu ardezie albăstruie sunt „lucruri foarte plăcute și nobile”.

Cei Arhitectii care , la momentul stilului Ludovic al XII -lea și al Prima Renașterii , au fost tradiționalistă și plin de vervă meșterilor zidari , prin urmare , a devenit oameni de știință și cercetători, dintre care unii făcut călătoria lor de studiu în Italia .

Marcând un adevărat punct de cotitură stilistic, această nouă generație de artiști operează o sinteză originală între lecțiile antichității, cea a Renașterii italiene și tradițiile naționale. Printre cele mai renumite, Philibert Delorme este autorul hotelului Bullioud din Lyon , castelele Saint-Maur-des-Fossés și Anet, precum și capela Villers-Cotterêts  ; Pierre Lescot a construit aripa renascentistă a Palatului Luvru și a Hotelului Jacques de Ligneris ( muzeul Carnavalet ); Jean Bullant a construit castelele Écouen și Fère-en-Tardenois, precum și Petit Château de Chantilly .

Acești arhitecți colaborează acum strâns cu sculptorii și definesc o arhitectură și o decorație științifică, preferând frumusețea liniilor decât bogăția ornamentației: Cellini sculptează pentru Ușa de Aur , relieful de bronz al Nimfei din Fontainebleau  ; opera sa tipic „  manieristă  ” a făcut o mare impresie în Franța și probabil că l-a influențat pe Jean Goujon , directorul Fântânei Inocenților și decorarea fațadei Luvrului  ; Influența manieristă pătrunde și în opera lui Pierre Bontemps , responsabil cu mormântul lui Francois I er din Saint-Denis și monumentul din inima lui François I er .

În Burgundia , Château d'Ancy-le-Franc (1538-1546) este una dintre primele clădiri care răspund acestui nou ideal. Lucrare a arhitectului Serlio , acest castel construit pentru Antoine al III-lea de Clermont , între 1538 și 1546, marchează o evoluție spre clasicism în Franța . Cu această clădire începe apoi pe solul francez ceea ce se numește: „arhitectură modulară”. Doar aici frontoanele ușoare și înfășurate ale ferestrelor de la primul etaj amintesc de prima Renaștere. În rest, nimic nu distrage atenția de la dispunerea uniformă a arcurilor sau ferestrelor, separate printr-un golf de pilaștri gemeni, înconjurând o nișă și montat pe un stilobat înalt . Această alternanță a unui golf principal și a unui golf secundar (aici prefăcut de atunci reprezentat de o nișă) încadrat de pilaștri reprezintă unul dintre primele exemple din Franța de „golful ritmic” tratat cu atâta sinceritate și o asemenea rigoare. Acest nou stil îl va inspira ulterior pe arhitectul Château de Bournazel în timpul construcției porticului estic.

Această cerere de claritate a continuat la Château d'Écouen (1532-1567), în Île-de-France . Este suficient să comparați această clădire cu un castel din prima Renaștere, cum ar fi Azay-le-Rideau, pentru a vedea diferențele profunde dintre arhitecturile celor două ere. Toate aparatele de apărare machicolate sau pasarela Azay-le -Rideau dispar pur și simplu la castelul Écouen. Turnurile de colț din Chambord devin, la fel ca în Ancy-le-Franc și Villandry , pavilioane simple pătrate. Același lucru este valabil și pentru ornamentare . Este suficient să comparăm luminatoarele din Écouen , cu cele din Valea Loarei , pentru a realiza cât de departe am ajuns. Nivelarea pinacolelor , a nișelor de scoici și a micilor contraforturi zburătoare din prima Renaștere este urmată de o compoziție de linii curate decorate foarte sobru, unde flauturile antice înlocuiesc în pilaștri, frunziș și arabesc din timpul lui François I st  : Un stil sever apoi a reușit la prima Renaștere ușoare haruri. Luând un aranjament deja observat în Villandry, castelul prezintă un aranjament modern prin regularitatea planului său pătrangular, unde pavilioanele sunt articulate armonios. Pentru a ventila spațiul interior, o aripă joasă închide curtea. Intrarea este apoi realizată de un corp frontal, înconjurat de o logie în care statuia ecvestră a Annei de Montmorency , preia compozițiile observate la castelele Gaillon și Anet . Întreaga clădire este izolată datorită unui șanț bastionat care amintește de sarcina militară a proprietarului. Partea din spate a curții nu mai este formată dintr-o clădire principală, ci dintr-o simplă galerie ceremonială care leagă două aripi de apartamente, dintre care cele ale regelui și reginei au vedere la câmpia Franței . La nivelul inferior, băile colective se dezvoltă ca la Fontainebleau , conectate la zonele de agrement (grădină, teren de tenis ). Fațada aripii nordice, preluată de Jean Bullant , prezintă o nouă suprapunere a ordinelor regulate, surmontată de o cornișă clasică inspirată din antichitate . Cu toate acestea, cercetările efectuate pe fațada sudică a se potrivi proporțiile statuile sclavilor lui Michael Angelo , oferit de Henry al II - lea , îi dă posibilitatea de a utiliza pentru prima dată în Franța , ordinea colosală  : pe coloanele care ocupă acum cele două niveluri până la baza acoperișului, sunt inspirate de Panteonul din Roma și sunt învingute de un entablament clasic, creând iluzia unui monument antic. Chiar dacă influența realizărilor lui Michelangelo asupra Capitolului și a Sfântului Petru din Roma sunt evidente, referințele la Renașterea italiană se estompează treptat în fața exemplelor din lumea romană .

Aripa Lescot a Luvrului , întreprinsă din 1546, este capodopera celei de-a doua Renașteri. Această lucrare a lui Pierre Lescot , un arhitect antic, a fost decorată de Jean Goujon . Scara planificată inițial în centrul clădirii principale a fost mutată la cererea lui Henri al II-lea, cu scopul de a crea o cameră mare în care să fie plasate cariatide grecești, modelate la cererea lui Jean Goujon , pe Erechtheion din Acropola din Atena . În felul unui manifest al stilului francez, susținut de Lescot , fațada prezintă o suprapunere de noi ordine clasice , fără a atinge regularitatea italiană: pe măsură ce urcați, proporțiile devin mai fine și mai subțiri. Ideea de a încununa două ordonanțe suprapuse cu o bandă mare decorată au dus la aclimatizarea în Franța , podul mansardei atât de popular în Italia , în timp ce foloseau pentru prima dată mansarda spartă „à la française”, pentru a da iluzia unui acoperiș drept. În ciuda proiecției lor mici, secțiunile din față, ultima amintire a turnurilor medievale , sunt suficiente pentru a „însufleți” fațada. Admirabilele sculpturi ale lui Jean Goujon ajută la transformarea acestei clădiri într-o operă unică. La parter, arcurile semicirculare încadrate de pilaștri accentuează verticalele și orizontale, în timp ce setul de suporturi duble care încadrează o nișă decorată cu o medalie, reprezintă un aranjament care va deveni tipic în arhitectură.

O altă realizare majoră a acestei perioade, castelul Anet , a fost creat de Philibert Delorme , pe cheltuiala regelui , pentru Diane de Poitiers , amanta lui Henri II . Distruși în timpul Revoluției , doar capela și cele trei ordine suprapuse păstrate la École des Beaux-Arts din Paris rămân astăzi fără alternanțe . Tipic acum pentru a doua Renaștere, planul patrulater prezintă o locuință situată vizavi de intrare. Șanțurile înzestrate, ca și în Écouen, au tunuri pentru sărbători și spectacole. Intrarea în formă de piramidă este o reminiscență italiană a unui arc de triumf reinterpretat de Delorme. Patru coloane ionice susțin o arcadă care cade pe o arhitectură, în timp ce coloanele pasajelor laterale sunt inspirate de Palazzo Farnese de Sangallo cel Tânăr . Sub decuparea balustradelor , un joc de policromie a materialelor, încadrează nimfa produsă de Cellini pentru Porte Dorée din Fontainebleau . În partea de sus, un grup de automate, dispărute, marcau orele. Peste tot Philibert Delorme își exprimă gustul pentru invențiile bizare inspirate de capriccio-ul lui Michelangelo  : Sub această influență, apare o utilizare fără precedent a volumelor rotunjite, în timp ce multe detalii, cum ar fi frontoanele înfășurate sau pilaștrii înveliți , dezvăluie o cunoaștere aprofundată a lucrărilor lui Michel-Angelesques . Acesta este modul în care așa-numitele coșuri de fum „sarcofag”, crescând de ambele părți ale clădirii, par o amintire îndepărtată a mormintelor Medici din Florența . Situată la capătul curții, clădirea principală, prin suprapunerea sa de ordine, oferă un aspect ascendent, preluând în același timp aceeași suprapunere de ordine canonice , observată pe aripa de nord a Écouen  : găsim acolo și același tip de statui antice. așezate în nișe încadrate de un suport dublu. La ordinele clasice, Delorme preferă să creeze o ordine neobișnuită: coloana inelată prezentată de arhitect ca soluția unei probleme tehnice care face posibilă ascunderea îmbinărilor coloanelor împerecheate. Această invenție exprimă, de asemenea, noua maturitate a arhitecturii franceze cu reflecția asupra creării unui „ordin francez”, o idee abandonată la moartea lui Henri II , dar preluată de Jules Hardouin-Mansart în timpul construcției galeriei. Oglinzi ale Palatului Versailles .

Capela din Anet castelului rămâne cea mai inovatoare realizare. Este pentru prima dată în Franța când se folosește planul centrat. Dacă sculptura nișelor înconjurate de pilaștri este influențată de lucrările contemporane ale lui Bramante și Michelangelo , friza care o depășește este inspirată de Sangallo . Sculpturile pot fi de Jean Goujon . Clădirea este setarea pentru emailuri François I st și apostoli ai Scibec Carpi . Bolta cupolei dezvoltă un decor care cuprinde o împletire de cercuri care se reflectă, într-un mod octogonal, pe pavajul solului. Acest motiv, inspirat de elementele întâlnite frecvent în mozaicurile romane, arată dorința de a depăși modelul italian referindu-se direct la realizările antice, pentru a crea o arhitectură franceză originală.

Alături de aceste mari proiecte regale, marile reședințe ale orașului au participat la naturalizarea acestui nou stil: sub impulsul celei de-a doua Renașteri, tot decorul somptuos de frunziș și medalioane supradimensionate și plin de vervă împodobind galeria hotelului Chabouillé de Moret-sur- Loing , dispare în fața sistemului de proporții modulare , aplicat strict la entablamentul „casei lui Jean d'Alibert” din Orléans , unde cartușele decupate inspirate de Școala din Fontainebleau depășesc ferestrele. Răspunzând la o cerință de claritate căutată în această perioadă, conacele s- au dezvoltat apoi între curte și grădină ca la Paris , în special la hotelul Jacques de Ligneris ( muzeul Carnavalet ).

Noul stil nu a întârziat să se răspândească în toată Franța  : în Valea Loarei , la Château de la Bastie d'Urfé (sau Bâtie d'Urfé ), în Burgundia , la cazinoul din Grand Jardin de Joinville (înainte de 1546) , în Aveyron , la Château de Bournazel ( 1545-1550 ) sau în Normandia la Hôtel d'Escoville din Caen (1537). La Mans și Rodez , influența vitruvianului , Guillaume Philandrier , este probabilă în timp ce la Toulouse , arhitectul Nicolas Bachelier se pune în slujba unui întreg mediu umanist  ; printre cele mai renumite reședințe: se poate cita castelul Saint-Jory (construit în 1545, astăzi distrus), precum și frumosul exemplu al celor trei ordine suprapuse ale hotelului Assézat (1555-1556). Unele clădiri publice precum Palatul Parlamentului Dauphiné (1539) din Dijon sau Palatul Granvelle și Primăria din Besançon au participat, de asemenea, la a doua Renaștere.

În timp ce arhitectura religioasă rămâne fidelă structurilor gotice și bolților ( catedrala Le Havre , Saint-Eustache de Paris ), multe biserici își modernizează fațadele principale sau laterale cu un frontispici „antic” ( Rodez , Gisors , Saint-Aignan de Chartres ) și tratați paravanul lor ca un arc de triumf ( Sainte-Chapelle de Paris , Saint-Pierre de Maillezais ).

Manierismul (1559/1564 la începutul XVII - lea  secol)

Formând un ecou suprem al Renașterii și umanismului în Franța , această ultimă fază s-a îndepărtat de anii 1559/1564, de clasicismul ambiental prin fantezia sa creatoare, care poate justifica pentru acest stil numele de „manierist”. În chiar momentul în care au început Războaiele de Religie , marcate de masacrul Saint-Barthélemy , pesimismul și scepticismul au invadat bărbați și artiști de pregătire umanistă pură . Vechii gânditori de referință devin stoici în preferință față de Platon . Dacă umanismul supraviețuiește, filosofia sa profundă evoluează, fiind preluată și regândită de contrareforma catolică .

Din claritatea formelor și clasicismul celei de-a doua Renașteri, arhitectura manieristă reușește . Ieșind din nou cu o forță reînnoită, jocul de volume și cercetări despre umbră și lumină, deja destul de baroc , se amestecă cu frontoane fragmentate, pilaștri, grotescuri, volute sau alte măști, provenind din cultura Renașterii . Ferestrele și luminatoarele intră deseori în entablament  : Vorbim apoi de „luminatoare trecătoare”. Astfel, la hotelul Lamoignon din Paris (aproximativ 1584), a marcat o mare ordine colosală ca palatul Valmarana din Palladio , entablamentul este spart de ferestre de lucernă care coboară spre arhitravă . De arhitecții au o predilecție marcat pentru coloanele alăturat, cutat , decorate, dintre care cele mai spectaculoase sunt coloane numite „franceză“ a fost încercuite inventat de Philibert Delorme și a apărut în timpul perioadei precedente. Această invenție face parte dintr-un gust general pentru ornament, manifestat și la nivel sartorial în bijuterii și dantele. Prin urmare, este o expresie a noii maturități în arhitectura franceză. Delorme este justificat: „Dacă ar fi fost permis vechilor arhitecți din diferite națiuni și țări să inventeze noi coloane (...) care să ne împiedice pe noi francezii, nu inventăm unele și le numim francezi. "

În ciuda unui declin semnificativ al patronajului regal, legat de situația politică a țării, Catherine de Médicis și elitele sociale continuă să facă artiștii să lucreze: Philibert Delorme este responsabil din 1564 să finalizeze castelul Saint-Maur și să construiască Palatul Tuileries. , construcții care vor fi continuate mai târziu de Jean Bullant , arhitect care va încununa, de asemenea, cu o galerie podul Château de Chenonceau ( 1576 - 1577 ). Pentru a lega noul Palat Tuileries de vechiul Luvru , Jacques II Androuet du Cerceau a început, în jurul anului 1594, construcția galeriei de pe malul apei , finalizată ulterior de Louis Métezeau în timp ce se desfășura simultan pentru Diane de France , hotelul Lamoignon .

Printre realizările majore din această perioadă, Palatul Tuileries, început de Philibert Delorme , urma să se dezvolte pe trei cursuri cu pavilioane sub cupole și crearea grădinilor. Pe partea cu vedere la parc, pavilionul central încadrat de două aripi longitudinale uniforme are o înălțime cuprinzând doar un parter înconjurat de un etaj mansardat . Cele mai centrale pavilion oferă un golf ritmic cantonate de foarte decorate coloane , locuințe o spirală în spirală scara în jurul valorii de un gol mare , înconjurată de coloane (finalizat numai sub Henry IV ). Este cea mai manieristă lucrare a lui Delorme în legătură cu ultimele producții ale cercurilor florentine și ale lui Michelangelo . Dar Delorme a murit în 1570. Bullant, care l-a succedat, a reușit doar să finalizeze o parte din el. Această lucrare mărturisește o reflecție asupra arhitecturii franceze.

Aripa cunoscut sub numele de Belle cheminée (1565-1570) care a fost construit sub comanda lui Caterina de Medici la Château de Fontainebleau este reprezentativ pentru punctul culminant al Renașterii franceze, în timp ce fiind deja colorat cu manierismul italian. . Proiectat într-un mod grandios de Primatice , în jurul anilor 1565-1570, are particularitatea de a avea două scări cu rampe divergente care au mărit intrarea în apartamentul lui Carol al IX-lea . Este posibil ca Primatice să fi găsit ideea celor două scări cu rampă dreaptă în marile realizări ale lui Bramante la Vatican sau ale lui Michelangelo la Capitol prin inversarea direcției rampelor. Fațada este decorată cu mari bronzuri despre mitologie , executate între 1541 și 1543 de Primaticcio , trimise la Roma la cererea lui François I er , pentru a face copii de ipsos obținute pe sculpturile de marmură care s-au păstrat acolo. Această fațadă este tratată în întregime în piatră liberă din Saint-Leu, ceea ce îi conferă un aspect mai omogen. Un atelier de turnătorie instalat la Château de Fontainebleau, Cour du Cheval Blanc, a permis efectuarea turnării, sub îndrumarea arhitectului italian Vignole .

În același timp, în urma unui „schimb” cu Diane de Poitiers , Catherine de Médicis , noua amantă a Castelului de Chenonceau , a construit  două galerii suprapuse pe „  Pont de Diane ”, formând o zonă de recepție unică în lume și dând astfel aspectul său actual castelului. Lucrările au început în 1576 și s-au încheiat în 1581. Galeria este probabil opera lui Jean Bullant care l-a înlocuit pe Philibert Delorme în favoarea regală. Această nouă construcție formează două spații suprapuse 60  m lungime și 5,85  m lățime, iluminate de 18 ferestre. Parterul este compus dintr - o succesiune de turnulete semilună, inspirate din Exedra de băile termale din antichitate , zdrobirea vârful platformei labele . Aceste turele se termină într-un balcon de la etajul nobil al primului, ai cărui pereți sunt mai împodobiți decât la parter. Tipice acestei arhitecturi manieriste , fațadele au ferestre înalte acoperite cu frontoane mari curbate, unite de mese orizontale cu rame turnate. Catherine a dorit și ea să îmbrace acest castel, care era încă mult prea gotic pentru gustul ei, într-o rochie mai clasică . În acest scop, golful central, la intrarea în castel, a fost decorat cu două busturi și au fost găurite patru ferestre noi pe golfurile laterale; pentru a găzdui cele patru cariatide sculptate inspirate din operele lui Jules Romain (păstrate acum în grădină).

Inițiat în jurul anului 1570 de regele Carol al IX-lea (1560-1574), Château de Charleval este unul dintre cele mai ambițioase proiecte ale întregii Renașteri . De patru ori mai mare decât Chambord , stilul său manierist era să se apropie de baroc , apoi în gestație în Italia . Moartea regelui în 1574 a pus capăt șantierului, ale cărui fundații abia ieșeau din pământ. Rămășițele au dispărut repede.

Urmând exemplul marilor proiecte regale, manierismul nu a întârziat să fie preluat în conace din toată Franța  : putem cita hotelul de Clary din Toulouse (1610), hotelul de Lillebonne (1580) din Nancy, precum și hotelul de Vogüé (1614) și Maison Maillard (1561) din Dijon .

Alături de aceste realizări, un stil pitoresc și rustic, inspirat de palatul Te ​​al lui Jules Romain , este însoțit în Franța de o utilizare deliberat aritmică a detaliilor clasice, unde ornamentele variate rămân în spirit pur decorativ. Printre cele mai reprezentative exemple ale acestei tendințe, gardurile vânătoare de la Château de Raray se dezvoltă într-o serie de două arcade , exprimând gustul Domnului Lancy pentru vânătoare, antichitate și Italia. La momentul construirii lor, aceste două balustrade monumentale lungi erau aranjate în diagonală, de ambele părți ale curții principale , pentru a crea un adevărat „abis” al clădirii principale centrale, anunțând deja aranjamentele arhitecturale pe care Lemercier și Le Vau le-ar face relua în secolul următor. În timp ce creează o deschidere spre grădini, această organizare regulată a volumelor și arcadelor permite simplitatea decorațiunilor lor pentru a evidenția scenele vânătorilor de cerbi și mistreți care le depășesc. Pentru a crea o serie întreagă de întinderi ritmice fără pilaștri , fiecare dintre cele nouăsprezece deschideri este apoi încadrată de nișe, într-un stil rafinat, adăpostind busturile personajelor antice . Acest aranjament original alternând astfel golfurile deschise și golfurile oarbe permite, prin urmare , un joc real de solide și goluri completat de instabilitatea cheii cheii arcurilor, care pare să alunece în jos, ca și cum ar fi pe cale să cadă. Toate aceste detalii dau apoi impresia unui teatru care se deschide spre grădini, a cărui arhitectură mișcătoare și rafinată este contrastată de frenezia scenei care îl depășește.

Marcând o ultimă dezvoltare artistică în această renaștere târzie, Pierre Lescot , dezvoltat la Château de Vallery (1562), ceea ce putem numi „stilul rustic francez”: construit din 1548 pentru mareșalul Saint-André , clădirea se distinge prin un sistem de chei de cărămidă și lanțuri de pietre harpate , care marchează unghiurile clădirilor și încadrează golurile ferestrelor, intersectate de una sau două benzi de piatră. Acest sistem se bazează pe un mod tradițional de construire frecvent în timpul stilului Ludovic al XII-lea ca în castelul din Blois , dar este regularizat și înnobilat prin adoptarea „  șefului roman  ” așa cum se poate vedea la colțurile palatului Farnese. . Costul scăzut , dar , de asemenea , farmecul policromă al acestei „arhitectură în trei culori“ ( André Chastel ) explică , probabil , succesul său în timpul domniei lui Henric al III - și dezvolta pe deplin la începutul XVII - lea  secol , în ceea ce se numește Ludovic al XIII - lea stil  ; din această nouă expresie arhitecturală, se poate cita castelul Wideville (1580-1584) din Yvelines , palatul mănăstirii Saint-Germain-des-Prés sau castelul Rosny sur Seine (1595-1606).

Școala Fontainebleau

Școala de la Fontainebleau este numele dat două perioade ale istoriei artei franceze , care a dominat creația artistică din franceză în al XVI - lea și al XVII - lea  secole si sunt printre cele mai de succes exemple de arta renascentista din Franța . Această mișcare artistică s-a născut sub impulsul artiștilor italieni convocați de François Ier pentru a-și decora din 1530 reședința din Fontainebleau. Școală a cărei dezvoltare va continua până la domnia lui Henri IV.

Centrată în jurul pictorilor care lucrează în principal la decorarea castelului de Fontainebleau , această școală se caracterizează printr-o interpretare franceză măsurată a manierismului .

Numele dat acestei mișcări artistice încă datează din XIX - lea  lea, folosit pentru prima dată în 1818 de către istoricul Adam Bartsch (1757-1821), în lucrarea sa pe gravura (1803-1821) pentru a desemna amprentele făcute de un grup de artiști în anii 1540 , sub influența a doi maeștri italieni care lucrau la Château de Fontainebleau  : le Rosso și Primatice .

Prin extensie, acest termen a fost aplicat tuturor formelor de artă care au înflorit în Fontainebleau și puțin mai târziu, în același spirit, la Paris .

Prima școală din Fontainebleau (în jurul anilor 1526-1570)

În 1526, când tocmai s-a întors din captivitate, François I a adus pentru prima dată în Italia un grup mare de artiști italieni pentru a înfrumuseța Palatul Fontainebleau . El a creat astfel cu dorințele sale, un fel de „nouă Roma  ”, pe care am numi-o Școala din Fontainebleau, cu un cerc intelectual și artistic influent.

Din 1530 , sub influența italienilor Rosso și Primatice , au fost lansate marile formule ale unui stil decorativ care urmau să prevaleze în toată Europa . Marea lor inovație în decorarea interioară este alianța, pentru prima dată în Franța , a ornamentelor sau figurilor din stuc cu fresce și lambriuri din lemn .

Printre subiectele predilecției, găsim picturi mitologice sau alegorice , inspirate din Antichitate , unde nudurile sunt tratate cu eleganță. Datorită lui Rosso , Prima Școală din Fontainebleau a dezvoltat capacitățile decorative ale cartușului prin asocierea acestuia cu înfășurările și decupajele suple ale pielii . Această formulă unică va întâlni succesul universal.

În Galeria François I er , această nouă introducere a stucului îmbogățește frescele sau medalioanele bordurilor în relief . Acest sistem de încadrare, creat la instigarea lui Rosso , este adus la viață aici cu figuri, putti , ghirlande de fructe, bucrane , satiri sau mascaroni , în mijlocul ondulației de piele și găuri în nișe . Aceste stucuri, uneori albe, alteori pictate și aurite, încadrează figuri alegorice , în timp ce creează jocuri de lumină și umbră.

Munca unui italian din afara, dar de neconceput contextul Franceză, Galerie François I st a fost apoi dezvăluit ca un vast ansamblu pentru glorificarea monarhiei franceze . Admirat imediat de străini și în primul rând de italieni, a făcut dintr-o dată Fontainebleau un important centru artistic, ca o „  nouă Roma  ”, realizând astfel marea ambiție a regelui care era reprezentat acolo ca „  câștigătorul Ignoranței  ”.

Acest nou tip de galerie impune Franța o nouă lume imaginară: instanța, obișnuiți până în prezent la decoratiunile tapiserii cu subiecte religioase sau eroice, descoperă universul Fabula și sale provocatoare nudities . O astfel de lucrare trebuie să fi provocat senzație și să fi precipitat evoluția minților.

În timp ce moartea are loc, de la Rosso în 1540 , Primatice , preia direcția lucrărilor lui Fontainebleau , asistată de Nicolò dell'Abbate .

Finalizarea decorării dormitorului Ducesei de Etampes i-a dat posibilitatea să creeze un vast ansamblu decorativ, ale cărui cicluri alegorice pun figura umană în prim plan. Cu toate acestea, acesta se vede tratat ca un singur element decorativ printre mulți alții, trebuind să respecte, ca ghirlande sau cartușe, formularea generală și cerințele compoziției. Scara și pistolul său respectă astfel cerințele efectului general. În general, manierismul italian , introdus și reînnoit de Rosso și Primatice, este cel care controlează aspectul fluid și alungit al figurilor, în special când vine vorba de nudul feminin care este apoi animat de „linia Serpentine”.

Deasupra panourilor acestui dormitor, se desfășoară scene erotice inspirate din viața lui Alexandru cel Mare . Această serie de picturi, realizate între 1541 și 1544 , inspiră atât realizările lui Rafael, cât pofta lui François I er  : Regele libertin pentru multe amante (el ar fi avut atunci 27 de ani), i-a spus lui Brantome  : „O curte fără doamne este ca o grădină fără flori ”. Lăsate neterminate pentru o vreme, aceste decorațiuni au fost finalizate din 1570 de către Nicolò dell'Abbate , pentru a finaliza lucrările de pe aripa Belle-Cheminée . Printre aceste lucrări, ne-au venit până la noi din Primatice  : Alexandru îmblânzind Bucefal , Căsătoria lui Alexandru și Roxane și Alexandru cruțându-l pe Timoclée , completate de cele ale lui Niccolo dell'Abate, inclusiv: Alexandru are lucrările lui Homer și Thalestris montate într-o cutie . în patul lui Alexandru .

Puțin mai târziu, Ballroom , ia o altă latură, Primatice fiind apoi înlocuit de Philibert Delorme . Ferestrele de sticlă de aici permit dezvoltarea frescelor deasupra unui panou înalt de tâmplărie . Un tavan cu casetă proiectat de Scibec de Carpi completează setul. În fundal se evidențiază un șemineu gigantic încadrat de doi satiri de bronz, al căror eclecticism care se joacă cu forme, lumină și materiale, denotă un stil manierist italian . În ambrazajele ferestrelor, apar decorațiuni pictate cu scene mitologice inspirate din Istoria războiului troian și realizate de Nicolò dell'Abbate , care lucrează în paralel pentru Anne de Montmorency (Răpirea Proserpinei sau Istoria Euridyce).

Aceste realizări ale Bellifontaines au influențat foarte mult artiștii francezi, precum Jean Goujon , Antoine Caron sau chiar Noël Jallier . Uneori, în plus, este asociat cu Școala din Fontainebleau , alți artiști invitați de François I er , precum Benvenuto Cellini și Girolamo della Robbia . Un anumit număr dintre aceste personalități, influențate de arta italiană, au început apoi să participe la decorarea interioară a castelului Écouen aflat în construcție. În general, dacă spiritul elementelor decorative rămâne fidel realizărilor lui Fontainebleau , compozițiile acestui nou site văd o evoluție în tratamentul stucului, înlocuit treptat cu trompe-l'oeil .

Luând piesele luate din sala de bal din Fontainebleau , camerele castelului Ancy-le-Franc sunt împodobite cu lambriuri înalte, înconjurate de fresce atribuite în mare parte Primatice sau altor pictori din Fontainebleau . Stilul lor particular mărturisește aici din nou asupra influenței exercitate de reședințele regale asupra tuturor producțiilor artistice ale momentului.

La mijlocul XVI - lea  secol , în timp ce piața de imprimare este explodează, picturile acestui școală sunt copiate în gravurile , se pare că , în legătură cu un program organizat , inclusiv pictori le informa pe ei înșiși. Arta vitraliilor este afectată, piesa de mobilier copiază cele mai cunoscute modele. Sculptorii, chiar și cei mai mari, nu sunt insensibili la aceasta. Astfel, modelele executate de artiștii Fontainebleau pentru tapițeri, aurari și emailatori au contribuit în mod natural la strânsa interdependență a artelor în acest moment.

Departe de a dispărea odată cu moartea ultimilor doi creatori, Școala Fontainebleau supraviețuiește, uneori într-un mod foarte arhaic până la sfârșitul secolului. Poziția sa asupra artei franceze este uimitoare: poate fi văzută până la provincii în frescele castelului Oiron și apoi ale lui Tanlay . Astfel, prin amestecarea influențelor Bellifontaines și romane , galeria castelului Oiron (1547-1549) realizată de Noël Jallier pe tema Eneidei și Iliadei , face sinteza între Franța și Italia . De asemenea, găsim călăreții italieni, precum și o mare ardoare în acțiunea personajelor, inspirate de Rosso , în timp ce un sfumato poetic invadează peisajele romane.

În cele din urmă, castelul Tanlay , frescele bolții din ultimul etaj cupolat al Ligii Turului , reprezintă aceeași linie serpentină, personaje de la curtea Franței , deghizate sub trăsăturile zeilor Olimpului .

În ciuda diversității petrecerilor decorative, a numărului mare de tehnici utilizate și a caracterului cosmopolit al unui mediu care reunește artiști italieni, francezi și flamani, producțiile Școlii Fontainebleau prezintă o mare unitate de stil, marcată de o concepție comună a figura și podoaba . Lumea care se naște din acest acord neavând echivalent în Italia , trebuie admis că un climat specific curții din Franța , somptuos, senzual, elegant, a condus într-o nouă direcție geniul lui Rosso și Primatice .

A doua școală din Fontainebleau (1594-1617)

De la domnia lui Henri al IV-lea, s- a dezvoltat un stil manierist târziu, denumit uneori „a doua școală din Fontainebleau”. Făcând ecou primului, desemnează în principal pictorii care erau activi pe locurile regale precum Toussaint Dubreuil (instruit în Fontainebleau), Martin Fréminet și Ambroise Dubois dit Bosschaert (1567-1619) pictor francez din Anvers. De Henri IV ( 1594 - 1610 ) și a regenței lui Marie de Médicis ( 1610 - 1617 ), domeniul de activitate al acestei a doua școli a depășit în mare măsură cadrul singurului castel din Fontainebleau  ; a jucat un rol important în decorarea Luvrului și a Saint-Germain-en-Laye , fără a mai menționa munca desfășurată pentru fabrica regală de tapiserii. Această nouă echipă diferă de precedenta, totuși, prin numărul mare de artiști de origine flamandă și mai general printr-o influență nordică mai pronunțată, care poate fi explicată prin circumstanțele politice ale vremii.

După o lungă perioadă de neliniște legată de războaiele de religie , renașterea artelor s-a manifestat într-un mod deosebit de izbitor de la domnia lui Henric al IV-lea , afectând toate domeniile: pictură, sculptură, arhitectură, artă de carte, dar și grădini de artă și curte arte, inclusiv balete și intrări triumfale.

Revenind la zilele lui François I er , King lucrează pentru a străluci din nou artele franceze sponsorizând importante. Pentru a atrage din nou artiști care fugiseră din Paris , a început să lucreze în anii 1590 pentru a-i face să contribuie la faima regatului prin implicarea lor în programe ambițioase (Galerie de Diane, Galerie des Cerfs, Pavillon des Poëles, Château Neuf de Saint-Germain-en-Laye ...). Henri al IV-lea , primul rege al dinastiei borbonei , dar și moștenitorul tronului Valois , nu încetează să reamintească oamenilor legitimitatea acestei puteri câștigate cu greu. Fontainebleau este, așadar, unul dintre acele proiecte neterminate sub Valois pe care regele dorește să le finalizeze, ajutând în același timp capitala să-și recapete supremația în domeniul artistic.

În acest context de prosperitate reînnoită s -a dezvoltat a doua Școală din Fontainebleau . Continuitatea cu prima echipă este cu atât mai sensibilă cu cât a doua face parte și din tendința internațională a manierismului , de unde și denumirea comună. Dar inspirația parmezană care a dominat odată cu primatul a dat loc unor influențe mai amestecate. Italienii nu mai joacă rolul principal acolo, deoarece într-adevăr francezii ocupă acum funcțiile de conducere. Dacă tot ne întoarcem de bunăvoie la Primatice , Rosso sau Nicolò dell'Abbate , ale căror culori și tendințe „moderne” le apreciem în peisajele și scenele lor de gen, inspirația generală s-a schimbat: contribuția flamandă, devenită esențială, aduce un plus interpretarea personală a picturii, care combină formulele manieriste cu elemente ale unui realism adesea apropiat de caricatură: Toussaint Dubreuil , Ambroise Dubois sau Martin Fréminet sunt considerate astăzi principalii maeștri ai acestei mișcări.

De-a lungul domniei lui Henri IV , acești artiști nu au încetat niciodată să-și dorească să reînnoiască stilul decorativ francez, profitând de oportunitățile oferite de reluarea șantierelor regale. Pentru a-și desfășura cercetările, noua echipă nu ezită să tragă nu numai din sursele artei lui Fontainebleau , ci și din flamandii italieni contemporani, aducând astfel mai multe distorsiuni în împrumuturile lor. Acesta este modul în care flamandul Ambroise Dubois și francezul Toussaint Dubreuil (care a murit prematur în 1602) își sintetizează contribuțiile prin compoziții cu distorsiuni fanteziste și nuduri erotice, printr-un stil strălucitor și eclectic. Cu toate acestea, flacăra pare bine stinsă și confuzia dintre spațiu și scară în majoritatea compozițiilor maschează sărăcia imaginației și stilului.

Spre deosebire de Prima Școală din Fontainebleau , niciun artist francez din a doua generație nu atinge valoarea și carisma lui Rosso sau Primacy . În ciuda dorinței sale de independență și reînnoire, această școală este atrasă prea des de elementele spectaculoase și fantastice ale modelelor italiene, caracterizate de perspective extreme și de o paletă revoltătoare și înțepătoare; prea multe opere se scufundă apoi într-o formulă confuză și un erotism evident, semne ale unei înțelegeri superficiale a artei Renașterii târzii .

Dacă Școala a II-a din Fontainebleau reunește artiști francezi precum Jacob Bunel , Guillaume Dumée , Gabriel Honnet sau deja barocul Martin Fréminet , pentru a crea decorațiunile reședințelor regale, doar Antoine Caron impresionează prin arta sa de curte extrem de sofisticată. Picturile sale seamănă în mod ciudat cu baletele gigantice, inspirate fără îndoială de distracțiile preferate ale curții Catherine de Medici , patronul său principal.

Acum mai puțin concentrată pe subiecte mitologice sau alegorice , inspirate din Antichitate , Școala a II-a din Fontainebleau se îndreaptă mai ușor către temele romantice și literare din cântecele lui Tasso și Ariosto  : Subiectele extrase din Ierusalimul livrat sau de la Franciade au avut un succes răsunător. Cu toate acestea, teme religioase sunt întotdeauna populare , deoarece de multe ori legate de comisioane de prestigiu, perfect ilustrat în deja decorat baroc din Capela Sfintei Treimi realizată de Fréminet ca un nou „francez Sixtina“ al XVII - lea  secol.

Prin somptuozitatea decorațiilor sale, castelul Fontainebleau , devine din nou un important centru artistic, adăugând influenței noii dinastii, schimburile dintre arta propriu- zis pariziană și arta Bellifontain parând apoi să se intensifice.

Cu toate acestea, legăturile care unesc Franța lui Henri IV și Marie de Médicis cu marile centre artistice europene, permit acestei noi echipe din Bellifontaine să se plaseze într-un cadru mai larg, în legătură cu Florența , Anvers sau chiar Nancy , dintre care strălucitul centrul artistic este dominat de Jacques Bellange (decedat în 1616), dar al cărui stil devine oțel inoxidabil sub influența lui Jean de Hoey și Jérôme Franck.

Dacă, din păcate, au dispărut multe lucrări ale artiștilor din Școala a II-a din Fontainebleau, conservarea la castelul Ancy-le-Franc , a unui set vast de decorațiuni, atașate atât primei, cât și celei de-a doua școli de Fontainebleau, de fapt astăzi una a marilor martori ai producției picturale franceze a Renașterii .

În concluzie, celebrul tablou reprezentând-o pe Gabrielle d'Estrées și pe una dintre surorile ei, rezumă perfect caracteristicile picturii franceze ale curții regale a vremii, amestecând senzualitatea, prospețimea culorilor și influența picturii renascentiste italiene. Datorită stăpânirii primei școli, printr-o culoare mai caldă și mai contrastată, arta acestor pictori încă frământată cu modelele primului manierism italian , a jucat un rol incontestabil de tranziție cu arta pariziană de la începutul secolului al XVII-lea. . e  secol, exprimând atât noile tendințe ale clasicismului și cele ale barocului .

Cu toate acestea, strălucirea lucrările primei școli este de așa natură încât profesori precum Primaticcio și Nicolò Dell'abate , continuă să exercite o influență decisivă pe toată perioada în care rămân , de asemenea , o referință majoră în XVII - lea  lea la clasici , cum ar fi Laurent de La Hyre , Jacques Blanchard , Lubin Baugin și chiar frații Le Nain .

Grădini renascentiste

Grădini franceze renascentiste sunt un stil de gradina inspirat inițial de grădini Renasterii italiene , care mai târziu a evoluat în Grander și stilul mai formal al grădinii franceze în timpul domniei lui Ludovic al XIV - lea , de la mijlocul XVII - lea  secol .

În 1495, regele Carol al VIII-lea și nobilii săi au readus stilul renascentist în Franța în urma campaniei lor de război din Italia . Grădinile Renașterii franceze au atins apogeul în grădinile castelului regal Fontainebleau și castelele Blois și Chenonceau .

Estetic

Renaissance grădini franceze sunt caracterizate prin straturi de flori sau paturi simetrice și geometrice, ghivece cu plante, alei de nisip și pietriș, terase, scări și rampe, apă curentă sub formă de canale , de cascade și monumentale fântâni , și prin utilizarea pe scară largă a artificiale peșteri , labirintele și statuile figurilor mitologice . Au devenit o extensie a castelelor pe care le înconjurau și au fost concepute pentru a exemplifica idealurile renascentiste de măsură și proporție și pentru a aminti virtuțile Romei antice .

În grădini renascentiste treci stilou instrument, încărcat cu simbolismul creștin , cu perspective largi folosind vocabularul păgân și al cărui scop principal este singura bucurie, plăcere. Considerațiile estetice și personale devin apoi primordiale. Spațiul grădinii este din ce în ce mai puțin influențat de preceptele religioase (fără a aduce atingere viziunilor lui Erasmus și Palissy ). Referințele iconologice nu mai sunt doar exclusiv clasice: aparțin mitologiei prin folosirea simbolismului acesteia, teme ilustrate, statuare ... Grădinile au, de asemenea, o dimensiune politică (grădinile mari sunt proiectate pentru gloria locurilor principale), iar evoluția artei de a trăi face din ea un cadru pentru sărbători și banchete somptuoase. Istoria lor este, de asemenea, o reflectare a istoriei paralele a botanicii (introducerea de noi specii, abordare din ce în ce mai științifică) și a evoluției teoriilor și practicilor de cultivare.

Influența italiană

În secolul  al XIII- lea , arhitectul peisagist italian, Pietro de 'Crescenzi a publicat un tratat intitulat Opus Ruralium Commodium , care prezenta un plan formal pentru grădini, decorat cu sculpturi topiare , copaci și arbuști împodobiți în forme arhitecturale, conform unei tradiții începute de romanii. Regele Carol al V-lea al Franței a tradus-o în franceză în 1373, iar noul stil italian a început să apară în Franța.

Un alt scriitor de mare influență a fost Leon Battista Alberti (1404–1472), care în 1450 a scris un libret, De re aedificatoria , pentru Laurent de Medici . El a aplicat principiile geometrice ale lui Vitruvius pentru a proiecta fațadele clădirilor și grădinilor. El a sugerat că locuințele ar trebui să aibă o vedere a grădinilor și că grădinile ar trebui să aibă „porticuri pentru a oferi umbră, leagăne în care plantele cățărătoare ar crește pe coloane de marmură și ar trebui să existe vaze și chiar statui amuzante, atâta timp cât nu sunt obscene ”.

În proiectarea Grădinilor Belvedere din Roma, arhitectul Bramante (1444-1544) a introdus ideea perspectivei , folosind o axă longitudinală perpendiculară pe palat, de-a lungul căreia a amenajat paturi de flori și fântâni. Aceasta a devenit o caracteristică centrală a grădinilor renascentiste.

Un roman popular al călugărului Francesco Colonna , publicat la Veneția în 1499, intitulat Visul lui Polifil , călătoria alegorică a lui Polifil în ținuturile imaginare în căutarea iubirii sale, Polia, a avut o influență uriașă asupra grădinilor vremii. Idei, precum cea a unei „insule de grădină” într-un lac, precum cea a grădinii Boboli din Florența, a statuilor de uriași care se ridică de la sol în parcul vilei de la Pratolino și tema labirintului , toate au făcut repetări a călătoriilor imaginare ale lui Poliphile. Toate aceste elemente aveau să apară în grădinile Renașterii franceze.

Castelul Blois

În 1499, Ludovic al XII-lea a încredințat realizarea grădinilor castelului Blois aceleiași echipe care a fost ulterior angajată de Georges d'Amboise pentru a crea paturi de flori la diferite niveluri la castelul său din Gaillon  : grădina a fost plantată acolo cu paturi de flori și pomi fructiferi.

Când Ludovic al XII-lea a murit în 1515, François I er realizează grădini în stil nou pe trei terase la niveluri diferite, înconjurate de vechile ziduri ale castelului Blois .

După el, fiul său Henri al II-lea a lansat lucrări pentru înfrumusețarea grădinii. Garden regelui este împodobit cu pipă de verdeață care ecou cei în Grădina Reginei . În jurul anului 1554, există și culoare transversale cu patru dulapuri la intersecția celor patru culoare. Un iaz artificial a fost, de asemenea, construit în locul numit Les Bornaz în jurul anului 1556 .

În urma lui, Francisc al II - lea s-a angajat să faciliteze legătura dintre grădinile din Blois și pădurea din apropiere, a creat cărări, semnele unor mici pavilioane încadrate, le-a subliniat prin plantarea ulmilor și crearea șanțurilor .

Grădinile din Blois marchează un pas important în istoria grădinii franceze. De fapt, odată cu Blois, grădinile devin mai mari și apare o terasă înaltă în grădina franceză. Cu toate acestea, compoziția franceză rămâne foarte fragmentată, în comparație cu vărul său italian în care unitatea domnește deja. Cu toate acestea, efortul depus la Blois în introducerea elementelor decorative transalpine este clar vizibil, prin importul de paturi mari de flori , fântâni ornamentate și italianizate și mai ales prin încercarea de a crea un joc de apă care țâșnește în grădini.

Blois nu a marcat totuși un punct de cotitură în arta grădinilor primei Renașteri, constituie o piatră de hotar, un laborator de cercetare precum au existat multe altele în Valea Loarei , în Bury, Azay-le-Rideau sau Chenonceau .

Pe lângă paturile de flori, grădinile produceau o mare varietate de legume și fructe , inclusiv portocali și lămâi în căzi, care fuseseră aduse în timpul iernii. Clădirea care le-a adăpostit, care încă există, a fost prima portocaliu din Franța.

Grădinile de Château de Blois dispar treptat pe parcursul XVII - lea  secol , lipsa de întreținere și modul da la XIX - lea  lea la Avenue de Pier , astăzi Avenue medicul Jean Laigret pentru a facilita activitatea stației de cale ferată (1847). Ultimele vestigii ale grădinii au fost distruse în 1890 când a fost creată Place Victor-Hugo .

Castelul Chenonceau

Château de Chenonceau a avut două grădini separate, creat pentru prima dată în 1551 pentru Diane de Poitiers , favorita regelui Henric al II - lea, cu un parter mare și o fântână, iar al doilea, mai mic, creat pentru Caterina de Medici în 1560 , pe o terasă construită deasupra Cher, împărțit în compartimente, cu un lighean în centru.

Ca o introducere, o Mare alee de onoare duce la castel pentru aproape un kilometru. Pe fiecare parte a culoarului: ferma a XVI - lea  lea la dreapta, Labirint și cariatide din stânga.

Există două grădini principale: cea a lui Diane de Poitiers și cea a Catherinei de Médicis , situate de ambele părți ale Tour des Marques , un vestigiu al fortificațiilor care preced construcția castelului actual.

În 1565, grădinile de pe malul stâng al Cher au fost „recent construite”, așa cum descrie Sonia Lesot în cartea sa:

„Fântâna de stâncă Chenonceau construită de Bernard (Palissy) pentru Catherine (de Médicis); era deja existent pe vremea lui Diane de Poitiers și fusese folosit pentru aprovizionarea bazinelor parterului ei [...] (în) parcul Francueil, pe malul stâng al Cher [...] o grădină joasă de-a lungul râu, compus din două pătrate vaste separate de o alee desenată în extinderea galeriei, accentuând axa nord-sud deja atât de puternică. Dealul era străpuns de peșteri. "

Grădina Diane de Poitiers , a cărei intrare este controlată de casa managerului: Cancelaria, construită în secolul  al XVI- lea  ; la poalele căruia se află un debarcader, împodobit cu o vie, acces esențial la orice plimbare pe Cher .

În centrul său se află un jet de apă, descris de Jacques Androuet du Cerceau în cartea sa, Les plus excellents bastiments de France ( 1576 ). Proiectat în mod surprinzător pentru acea vreme, jetul de apă izvorăște dintr-o pietricică mare tăiată în consecință și cade „  într-un duș  ” către un recipient pentagonal din piatră albă. Această grădină este protejată de inundațiile Cher-ului de terase înălțate din care există vederi frumoase ale paturilor de flori și ale castelului.

Grădina Catherine de Medici este mai intimă, cu un bazin central și este orientată spre partea de vest a castelului.

Decorul floral al grădinilor, reînnoit în primăvara și vara, necesită înființarea a 130.000 de plante de flori cultivate pe moșie.

Castelul Fontainebleau

Grădinile Palatului Fontainebleau , situate într-o pădure care a fost rezervația de vânătoare a regilor Capetian , au fost create de François I er din 1528. Grădinile includ fântâni, peluze , o pădure de pini aduși din Provența și primul artificial peșteră din Franța în 1541 . Ecaterina de Medici a comandat copii de bronz ale statuilor care împodobeau Belvederul din Roma. O statuie a lui Hercule în repaus de Michelangelo împodobește grădina de lângă lac. În 1594 , Henri IV a adăugat o mică insulă în lac, legată de curtea fântânilor printr-un pod.

Parcul Fontainebleau se întinde pe 115  hectare. Unul care a stat sub François I st este cunoscut la noi prin desenele lui Jacques I Androuet Hoop și gravurile în cartea sa Cele mai bastiments excelente ale Franței .

Grădina Diana, la nord de castel, a fost construit de Caterina de Medici pe un spațiu deja construit de François I st și a fost în momentul în care numele Garden Reginei. Trase în flowerbeds regulate, grădina a fost reconstruită sub Henric IV și la nord partiționat de un Orangeria , dar este din nou restructurat sub Ludovic al XIV - lea înainte de a fi transformat in gradina englezeasca a XIX - lea  secol, sub Napoleon I st și Louis Philippe , unde Orangeria este distrusă. Această grădină își datorează numele Fântâna Dianei proiectată de Francini în 1603 și depășită de Diana cu doa făcută de bronzierul Barthélemy Prieur .

Peștera grădinii de pini de la parterul pavilionului sud-vestic Curtea Calului Alb și gust caracteristic pentru nimfee din secolul  al XVI- lea, are arcade la șefi rustice susținute de atlante este sub forma unor monstruoși satiri care se deschid spre o interior decorat cu fresce (animale în relief, pietricele, scoici etc.). Arhitectura sa, datorită lui Serlio sau lui Primatice (opiniile diferă) denotă o anumită influență a realizărilor contemporane ale lui Jules Romain , a fost foarte probabil realizată în 1545 , în timp ce decorarea interioară nu a fost finalizată decât sub Henric al II-lea. Mulțumită celor două desene pregătitoare păstrate în Luvru , știm că Primatice a fost proiectantul compartimentelor cu fresce . Grotte des Pins a fost subiectul restaurări majore, în 1984-1986 și apoi în 2007, care a făcut posibilă pentru a restabili compoziția inițială a decorarea bolții și pentru a înlocui sol la nivelul său vechi.

Situat în mijlocul grădinii, în scorbura unui crâng , The fantana Bliaud sau Blaut , numit Belle-Eau la XVI - lea  lea și care a dat numele său la castel, curge într - un mic iaz pătrat supraînălțată.

„  Parterreul  ” sau „Marea grădină” sau „Grădina regelui” a fost creat sub conducerea lui François I er , urmărit sub Henric al IV-lea și apoi reproiectat de André Le Nôtre . Bazinele de Tibru și Romulus trage numele lor dintr - un grup care sculptura decorat succesiunea la al XVI - lea  -  XVII - lea  secole. Topit în timpul Revoluției , Tiberul , turnat din nou după originalul păstrat în Luvru , și-a găsit acum locul. Bazinul central a fost decorat în 1817 cu un bazin reusind o fantana stâncă numită în formă de „oala de fierbere“ , care a existat în această locație în XVII - lea  secol. Închis de ziduri între 1528 și 1533 , Serlio își imaginase un pavilion de plăcere pentru această grădină. Amplasat între 1660 și 1664 , a inclus formarea unor frunzișuri ale regelui Ludovic al XIV-lea și ale reginei-mamă , Ana de Austria , dispărută în secolul  al XVIII- lea. La terasele au plantat teii sub Napoleon I st .

Bazinul cascadei a fost construit în 1661 - 1662 până la sfârșitul Parterrei , dar din secolul  al XVIII- lea nu mai prezintă un bazin decorat cu nișe de marmură. Bazinul a fost decorat în centrul său din 1866 cu un vultur care își apăra prada în bronz, de către Cain (turnat de Vittoz ).

Parcul de aproape 80 de  hectare a fost creat sub conducerea lui Henric al IV-lea , care a făcut săpatul acolo Grand Canal lung de 1,2  km între 1606 și 1609 și a plantat acolo mai multe specii de copaci, în special brazi , ulmi și pomi fructiferi . Anterior , François I st a fost 1530 a stabilit „vița regelui“ , de asemenea , lung de 1,2  de km , care a fost cultivat pe partea de sud a Zid Chasselas de aur Fontainebleau . Canal , aproape 60 de ani înainte de cea a grădinilor de la Versailles , a devenit rapid un loc de atracție. Ai putea merge la o plimbare cu barca, iar Ludovic al XIII-lea avea o navă de galeră acolo . Este alimentat de mai multe apeducte stabilite în secolul  al XVI- lea .

Castelul Saint-Germain-en-Laye

Grădinile de la Château de Saint-Germain-en-Laye marchează începutul tranziției către un stil nou, care mai târziu va fi numit „ grădina franceză   ”. Aceste grădini au fost amenajate în 1595 de grădinarul regal Claude Mollet , pentru regele Henri al IV-lea.

Desenele realizate de Alessandro Francini în 1614 arată că la această dată au fost realizate scările semicirculare care începeau de la prima terasă realizată în fața castelului în 1563 și înconjurau Fântâna lui Mercur , probabil din 1594 , precum și scările care duceau la a treia.terasa .

În 1599 , Henri al IV - lea a decis să schimbe planul grădinii și a decis să construiască pe a treia terasă o galerie dorică împotriva zidului de susținere care se deschidea spre grădină și care conțin peșteri dispuse sub a doua terasă. Thomas Platter indică în jurnalul său de călătorie că, în noiembrie 1599, Tommaso Francini finalizase Fântâna Dragonului , în centrul galeriei, iar Grota Neptunului sau Triumful Marin , sub rampa sudică, construia Grotte des Orgues (sau Demoiselle) sub rampa nordică. Peșterile sunt amenajate sub a treia terasă  : Grotte de Persée , Grotte d' Orphée și Grotte des Flambeaux . Istoria realizării acestei părți a grădinii este mai bine înțeleasă din arhivele găsite la Florența.

Lucrarea continuă cu dezvoltarea peșterilor cu automatele lor conduse de jeturi de apă, de către frații Thomas și Alexandre Francini . Cele paturi de flori din grădină în stil francez, care se extind la Sena peste cinci terase , au fost proiectate de peisagist Étienne Dupérac și grădinarul Claude Mollet . El a scris în cartea sa Théâtre des plans et jardinages care a primit ordinul regelui de a planta grădina noului castel în 1595 .

Charles Normand spune că a găsit în arhivele naționale , un acord de schimb cu stăpânul Bréhant din data de 1 st septembrie 1605 care permite regelui să achiziționeze terenurile și stăpân al Pec și Vézinay . Prin scrisorile de brevet din 17 februarie 1623, regele i-a acordat lui Tommaso Francini , Sieur des Grands-Maisons (municipiul Villepreux ), „  însărcinarea cu administratorul apelor și fântânilor caselor, castelelor și grădinilor din Paris , Saint-Germain- en -Laye , Fontainebleau și alții, în general, orice, pentru a se bucura de onorurile și puterile menționate acolo și de salariile de douăsprezece sute de lire sterline pe an, pentru a face acolo cu optsprezece sute de lire sterline pe care le-a plătit suma de trei mii de lire sterline  ". În 1625, Tommaso Francini a fost citat într-un act de inginer în artificii de apă primit „  pentru întreținerea peșterilor dud. chasteau de Sainct-Germain , suma de douăsprezece sute de lire sterline  ”. În 1636, a primit 900 de lire sterline pentru peșterile Château de Saint-Germain .

André Du Chesne descrie grădina cu peșterile sale în 1630 în Les Antiquitez și cercetează cele mai remarcabile orașe, castele și locuri din toată Franța .

Din 1649 , grădinile nu mai sunt întreținute din cauza războaielor din Fronda .

În jurul anului 1660 , terasa superioară s-a prăbușit, deteriorând scara semicirculară și peșterile galeriei dorice. O nouă scară cu rampe drepte a fost construită în 1662, iar peșterile au fost restaurate, dar nu mecanismele hidraulice.

Când sosește Revoluția , Château Neuf de Saint-Germain-en-Laye este confiscat ca proprietate națională . Acesta este apoi vândut fostului manager al Comtei de Artois care îl demolează pentru a subdiviza terenul și a vinde materialele. Astăzi rămân doar Pavillon Henri IV , Pavillon du Jardiner , o terasă și cele două rampe de la capătul străzii Thiers, cu vedere la Avenue du Maréchal de Lattre de Tassigny și câteva rămășițe în pivnițele districtului . (La 3 rue des Arcades, de exemplu).

Castelul Villandry

Grădinile de Château de Villandry , în departamentul Indre-et-Loire, reconstruiesc din textele antice ale Renasterii grădină tipic al XVI - lea  lea.

Aceste grădini sunt împărțite în patru terase  : o punte superioară cu grădina de soare (creată în 2008), una cu grădina de apă înconjurată de mănăstirea teilor, și o terasă primitoare, grădina ornamentală sau broderia de grădină din lemn de tuf tăiat și copaci de tisa în topiar și în final o terasă inferioară cu grădina decorativă de legume , formând totodată un design de broderie.

Grădina ornamentală situată deasupra grădinii de legume extinde saloanele castelului. Urcarea la belvedere oferă o vedere magnifică asupra întregului. Este alcătuit din grădini de dragoste împărțite în 4 seturi:

Grădina cu apă de la capătul sudic al complexului este creată în mod clasic în jurul unui iaz mare reprezentând o oglindă Louis XV și înconjurat de un mănăstire verde de tei.

Setul include și un labirint plantat cu arbori, al cărui scop este să se ridice spiritual la platforma centrală, o grădină cu plante, adică plante aromatice și medicinale, tradiționale în Evul Mediu, pădure cu terase înflorite în jurul unei sere un frumos pavilion din secolul  al XVIII- lea, pavilionul Auzirii , în cele din urmă grădina de soare , cea mai recentă, cu 3 zone verzi, nori de cameră în tonuri de albastru și alb, camera de soare dominată de galben-portocaliu și camera copiilor cu mării săi .

Fântâni și fierăstraiele în grădină au fost restaurate din 1994. Grădinile formează un set limitat la nord de ruta de Tours, la sud de calea rurală La Bergerie, la vest de perete gard de-a lungul labirint. Vegetal .

Au obținut eticheta Remarkable Garden

Cronologia grădinii Renașterii franceze

Pictura

Vezi: Pictorii francezi din secolul  al XVI- lea

Pictura franceză în Franța este mai mult decât în Italia , condus de mișcarea de castele lansate de prinții. Astfel, polițistul francez Anne de Montmorency , când și-a construit cea mai mare reședință, Château d'Écouen , a angajat un număr mare de artiști, celebri sau necunoscuți, pentru a crea decorațiuni interioare. „ Italia și au fost renumiți de creațiile lor Écouen . Astfel, toate hornurile castelului sunt pictate într-un stil foarte italian, pereții au frize mari, iar podelele sunt din faianță colorată.

Mulți pictori italieni și flamandi s-au angajat în curtea lui François I er și a succesorilor săi și participă la decorarea palatelor regale și a castelelor nobilimii. Acești artiști creează o școală de pictură inspirată de manierism temperat numită școala italiană de Fontainebleau , amintind rolul decisiv al acestui proiect regii François I er , Henry II și Henry IV în implementarea și diseminarea stilului Renașterii în Franța . Cei mai renumiți reprezentanți ai săi, Rosso Fiorentino , Primaticcio și Niccolò dell'Abbate sub François I er , apoi sub Henry IV , Ambroise Dubois și Toussaint Dubreuil .

În Franța , arta picturii portret era deja cunoscută și răspândită de la mijlocul XV - lea  secol, datorită Jean Fouquet și Jean Perréal , dar chiar crește în timpul Renașterii, în al XVI - lea  secol, datorită Pierre și Daniel Dumonstier . Portretiștii numiți ai regelui Jean Clouet și ai fiului său François , cu un stil de mare precizie și finețe (desene pregătitoare făcute înainte de executarea portretelor pictate), perpetuează stilul lui Rosso . Ei influențează mai târziu pictori de portrete precum Corneille de Lyon și François Quesnel în timp ce Antoine Caron , fost colaborator al Primatice , evocă atât festivalurile Curții de la Valois, cât violența așa-numitelor războaie civile „religioase” , marcate de Sfântul -Masacrul lui Barthélemy .

Italienii

Fiorentino Rosso (1494-1540)

Giovanni Battista di Iacopo (1495-1540) a fost poreclit Rosso Fiorentino , „roșcata florentină”, din cauza culorii părului și a orașului său natal. Instruit la Florența în atelierul lui Andrea del Sarto și foarte influențat de arta lui Michelangelo , a lucrat la Florența , apoi la Roma între 1524 și 1527, înainte de a se întoarce în Toscana . În 1530, în timp ce se află la Veneția , invitat de dramaturgul italian Pietro Aretino , are șansa să fie prezentat lui Francois I er care, fermecat, îl va numi în curând în Franța . Sosirea sa la Paris în octombrie 1530 a marcat un adevărat punct de cotitură în arta franceză, cu acceptarea deplină a Renașterii în toate domeniile artistice. El este alături de Primatice , creatorul școlii din Fontainebleau .

În mijlocul Renașterii franceze, regele Valois era un admirator al artei italiene. Franceză Instanța va da apoi mijloacele de a Rosso pentru a dezvolta într - adevăr toate talentele sale ca artist instanță: pictor, proiectant, proiectant de seturi fixe și efemere, și opere de artă ... Maiestatea Sa este cucerit de acest artist cultivata si muzician. Apoi l-a îmbrăcat cu generozitate și i-a încredințat decorul castelului de Fontainebleau . Acesta este modul în care Rosso reunește o echipă de artiști italieni pentru a-l ajuta să creeze decoruri.

Timp de aproape un deceniu, Le Rosso, în timp ce creează lucrări independente, conduce decorarea Fontainebleau . Mai multe dintre decorurile și lucrările pe care le-a proiectat au dispărut. Acestea includ pavilionul Pomona , pavilionul Poesles galeria de jos . Dar este în principal marea galerie François I er care leagă vechiul și noul Fontainebleau , realizat în principal între 1533 și 1537, care rămâne capodopera sa este o decorație împodobită cu picturi, frize, fresce și modele de piele decupată și stuc Un recurent motivul din galerie este emblema animalului regelui, salamandra . Le Rosso a fost răsplătit cu nominalizarea sa ca prim pictor și canon al regelui Sainte-Chapelle . Artistul participă apoi la crearea de veselă sumptuară și creează pentru rege o baghetă cantorală (sceptru) cu stâlp fleurdelysée, surmontată de o ediculă cu coloane care poartă în centrul său o statuetă a Fecioarei . Din ultima perioadă a vieții sale, în afară de desenele pregătitoare pentru atenția gravorilor Antonio Fantuzzi, Boyvin sau maestrul necunoscut LD, există doar picturi rare de natură religioasă care s-au păstrat din perioada sa franceză, urmând exemplul al lui Hristos mort, o Pietà vizibilă în muzeul Luvru .

Sfârșitul artistului este obscur. Se spune că artistul zgârcit și-a acuzat prietenul loial, Francisco di Pellegrino, că i-a furat economiile. Acesta din urmă supus torturii îi salvează inocența. Le Rosso , disperat că și-a pierdut prietenul, s-ar fi sinucis prin otrăvire la sfârșitul anului 1540. Biografia scrisă de Giorgio Vasari care se bazează pe acest sfârșit tragic este acum pusă la îndoială.

Primatice , adjunctul său din Bellifontain din 1532 și din ce în ce mai mult rivalul său autoritar și deschis, a suprimat după 1540 sub pretextul lărgirii sau al predilecției sale pentru sculptura pe piedestal, o serie de lucrări decorative ale maestrului cu părul roșu.

Aretino, scriitor celebru și influent, l-a recomandat pe Rosso lui François I er . La Paris , unde a fost numit Maestrul Roux , ascensiunea socială a artistului florentin , atât pictor-sculptor, cât și arhitect, a fost extrem de rapidă. Regele i-a asigurat un salariu foarte mare și, în 1532, l-a făcut canon de Sainte-Chapelle. La acest titlu s-a adăugat, cinci ani mai târziu, canonicul de la Notre-Dame. Dar Rosso a suferit cronic de o dispoziție instabilă; i-a fost fatal la 14 noiembrie 1540, când și-a pus capăt vieții.

Prin influența sa, Rosso este fondatorul primei școli din Fontainebleau care a lansat Renașterea franceză în arta picturii. Acest decorator erudit, atras de bizar și de spectaculos, în timp ce spune o poveste pe mai multe niveluri de lectură sau emoție, zguduie genurile consacrate și rămâne o sursă de evoluție durabilă în arta ornamentării curților domnești din Europa de Nord .

Francesco Primatice (1504-1570)

Francesco Primaticcio dit Primatice și-a început ucenicia la Bologna , locul său de naștere și a fost alături de un elev al lui Rafael , Bagnacavallo, că a primit prima pregătire, apoi la Mantua , lângă un discipol al lui Rafael , Jules Romain. , Care a făcut pentru Frédéric Gonzague. una dintre clădirile majore ale vremii, Palatul Té . Într-un decor care invadează pereții și bolțile, toate resursele manierismului sunt folosite pentru a celebra Iubirea evocând iubirile zeilor sau pentru a sugera teroarea prin reprezentarea ciocnirilor titanice.

Primatul a dobândit în apropierea sa aptitudinea pentru transpuneri fabuloase și simțul unei arte decorative complete în care ornamentele din stuc capătă o nouă importanță. A devenit expert în acest domeniu, dar în Franța , la Château de Fontainebleau , și-a putut da măsura.

A sosit în 1532, chemat de François I er, care vrea să-și facă casa preferată un centru de artă viu și prestigios. Până la moartea sa, Primatice și-a dedicat cea mai mare parte a activității acestei ambițioase întreprinderi. La început, a colaborat cu un alt maestru italian, Rosso fiorentino , care a supravegheat lucrarea și și-a impus stilul: o versiune exacerbată a manierismului florentin .

Lucrarea lui Rosso la Fontainebleau , ca și cea a Primatice , a fost în mare parte distrusă sau desfigurată. Cu toate acestea, restaurarea Galeriei François I er în secolul al XX- lea ne permite să apreciem coerența unui stil ornamental unde capriciul invenției, acuitatea formelor și ritmurilor sunt exprimate și în zonele pictate și în stucuri, cu accentuate reliefuri, profile elegante, modele surprinzător de diverse.

Primatice a înlocuit Rosso în 1540, la moartea acestuia din urmă, în fruntea întreprinderilor regale. El domnește suprem asupra multitudinii de artiști și muncitori care lucrează la decorațiunile interioare ale castelului, la construcții noi, la amenajarea grădinilor. El supraveghează atelierele de tapiserie și pe cele ale fondatorilor care realizează statuile în bronz.

Cele două misiuni din Italia care i-au fost încredințate de rege au fost o ocazie pentru el de a se reconecta cu arta peninsulei și de a afla despre cele mai recente formulări, pe care le adaptează cu ușurință modului său personal. În 1541 , Hippolyte d'Este l-a însărcinat să producă fresce pentru pereții capelei sale de la Abația din Chaalis . La Fontainebleau , în galeria lui Ulise (acum distrusă), poezia lui Homer a fost ilustrată acolo în cincizeci și opt de panouri distribuite între ferestre, iar tavanul a inclus nouăzeci și trei de subiecte mitologice pe un fundal de grotesc .

În același timp în care realizează galeria lui Ulise , Primatice oferă proiectele compozițiilor exaltând Iubirea, Armonia și Concordia, destinate sălii de bal , realizate de Nicolò dell'Abbate . Ordonarea piesei este de Philibert Delorme care, sub domnia lui Henri al II-lea , și-a asumat conducerea clădirilor regelui.

Apariția lui François al II-lea (1559) conferă Primaticei toate prerogativele sale: se adaugă monumentul inimii lui Henric al II-lea , mormântul regelui, toate sculpturile destinate rotundei Valois (acum distrusă) pe care Catherine de Medici o ridicase în Saint-Denis pe planurile Primatice .

Genialul polifacetic Primatice a realizat visul lui François I er care a dat școlii de la Fontainebleau , nu splendoarea efemeră a unui sit privilegiat regal, ci radiația unei mișcări inovatoare care a marcat în Franța evoluția atât de decisivă a picturii și a artelor decorative.

Primatice devine din nou mare maestru al operelor regelui după moartea lui Henric al II-lea . La Dampierre, conacul original a devenit domnesc în secolul  al XVI- lea , va construi în pavilionul de colț alăturat turnului o adevărată saună, exemplu tipic al acestui gust la vremea respectivă pentru o revenire la un mod de viață antic.

Nicolò dell'Abbate (1509/1512 - 1571)

Nicolò dell'Abbate a fost un artist născut la Modena , lângă Bologna , și care a devenit foarte faimos în Franța , jucând un rol fundamental în prima școală din Fontainebleau . Această școală a fost creată de artiști italieni activi la Chateau de Fontainebleau , unde au dezvoltat un stil care i-a reverberat influența și în arta franceză și nord- europeană .

Întreaga familie dell'Abbate , de la tată la fiu, a fost dedicată artelor. Cităm cu onoare printre pictorii din Modena, tatăl său Jean, fratele său Pierre-Paul, fiul său Jules-Camille, nepotul său Hercule și strănepotul său Pierre-Paul. Format la Modena , a ucenic în studioul lui Alberto Fontana și a fost elevul lui Antonio Begarelli .

În 1540 a intrat în slujba domnilor din Scandiano , la 27  km de Modena . Între 1540 și 1543, a decorat și Rocca prinților Meli Lupi în Soragna din nord-vestul Parmei . Apoi a lucrat la Bologna între 1548 și 1552, servind o bogată clientelă de clerici și bancheri.

La Bologna , stilul său este influențat de Correggio și parmezan . Numeroasele sale portrete le evocă pe cele ale lui Pontormo .

În 1552, Niccolò dell 'Abate a fost invitat în Franța în serviciul lui Henric al II-lea (pe atunci îl numea adesea Nicolas Labbé). La Château de Fontainebleau , a colaborat la decorarea clădirii regale, sub supravegherea Primatice (1504 - 1570), un alt artist fundamental al Școlii Fontainebleau , precum și a pictorului florentin Rosso (1494 - 1540). Doi ani mai târziu, el a proiectat proiectul de decorare în onoarea polițistului Anne de Montmorency .

La Paris , a executat fresce pe tavanele hotelului de Guise (acum dispărut), după desene ale Primatice . Artistul a primit apoi multe comisioane de natură privată, cum ar fi mici picturi portabile cu subiecte mitologice inserate în peisaje. O bună parte din producția sa artistică este astfel dedicată genului spectacolului decorativ efemer, produs cu ocazia unor momente importante care au marcat viața curții regale. Exemplul principal rămâne ciclul de decorațiuni realizate pentru intrarea triumfală la Paris a lui Carol al IX-lea și a soției sale Elisabeta de Austria în 1571, anul morții lui Nicolò dell'Abbate în Franța .

Moștenirea pictorului emilian este constituită mai ales de peisajele sale care formează fundalul scenelor mitologice , motive care vor inspira artiști francezi precum Claude Lorrain (1600 - 1682) și Nicolas Poussin (1594 - 1665).

Flamandul

Jean Clouet (cunoscut sub numele de Janet; 1475 / 85-1540)

Jean Clouet tânăr (născut în 1480 la Bruxelles , decedat în 1541 la Paris ) este un pictor portretist originar din Țările de Jos burgundiene din secolul  al XVI- lea . Se știe puțin despre începuturile sale.

Pictor oficial al lui François I er , Jean Clouet printre valetii regelui din 1516 sub ordinele colegilor săi Jean Perréal și Jean Bourdichon . De origine flamandă , a adus un nou stil picturii portretelor ceremoniale practicând, pe lângă miniatura tradițională (comentarii ale războiului galic), pictura de șevalet executată dintr-un desen în creion, după gustul pictorilor din nord. .

A devenit popular foarte curând la punctul în care a fost acordat aproape toate portretele franceze de la începutul XVI - lea  lea. Dintre singurele două picturi ale sale atestate de texte, una este cunoscută doar printr-o gravură ( Oronce Finé ), cealaltă printr-o replică păstrată în muzeul de la Versailles ( Guillaume Budé ).

Faima lui Jean Clouet vine însă din grupul de 130 de desene de la muzeul Condé din Chantilly . Portretele familiei regale sunt de obicei atribuite titlului pictorului și, prin urmare, imaginile în sine, precum celebrul portret al lui François I er la Luvru (până în 1527), a cărui atribuire lui Jean Clouet revine unei tradiții antice și sigure.

Reputația lui Jean Clouet nu este, fără îndoială, uzurpată și a fost întotdeauna recunoscută, deși opera sa a fost rapid confundată cu cea a fiului său François . Jean Clouet a introdus cu adevărat o nouă finețe în arta portretizării franceze și, de fapt, a fondat o școală de pictori oficiali de portret care, prin Robert Nanteuil și Hyacinthe Rigaud , urma să asigure supremația franceză în acest domeniu timp de mai bine de două secole.

Corneille de Lyon (1510-1575)

Corneille de Lyon sau Corneille de la Haye (născut între 1500 și 1510 la Haga și murit în 1575 la Lyon ) este un pictor regal de portret franco - olandez din secolul  al XVI- lea.

Deși era cunoscut la vremea sa sub numele de Corneille de la Haye, nu se știe nimic despre tinerețea sa olandeză și a sosit cel târziu la Lyon în 1533 . În 1536, a produs portrete ale mai multor membri ai familiei regale și a obținut titlul de pictor regal în 1541. În ciuda acestei funcții, el a rămas în orașul Rhône de-a lungul vieții sale. Căsătorindu-se cu fiica unui tipograf renumit, a devenit parte a notabilității orașului și a dobândit o poziție socială solidă, locuind în cartierul tipografic, lângă Notre-Dame-de-Confort .

Trăiește din profesia sa de pictor și pare să coopereze cu alți artiști din district (pictori sau gravori). Studioul său păstrează o galerie de copii ale picturilor celor mai faimoși oameni pe care i-a portretizat. Acest lucru permite clienților să achiziționeze o copie nouă sau îi încurajează să-și facă portretul de către un pictor de renume. Afacerea lui părea prosperă până la războaiele de religie , în timpul cărora, în ciuda atașamentului său față de religia reformată , el nu părea să fie victima agresiunii sau a spoliului. S-a convertit sub constrângere la religia catolică în 1569.

Arta lui Corneille a micului portret fără decor este inovatoare pentru acea vreme. El a dobândit un mare prestigiu până la punctul în care picturile în acest stil au ajuns să fie denumite „corbi”. Lucrând în ulei pe lemn, își concentrează munca pe față și pe bust. Corneille este foarte precis în compoziția părului, a părului, a bărbii, pe care uneori le urmărește aproape de păr la păr. Modelele sale poartă rar haine decorate grele, stilul său rămâne foarte sobru. Fundalul picturilor sale este întotdeauna simplu, fără decor și pare să lucreze fără desen pregătitor.

După Renaștere , faima lui Corneille a dispărut, descendenții săi nepreluând pentru realizarea unor portrete mici. A fost redescoperit în al XVII - lea  secol de François Roger de Gaignières . Apoi , din nou , care se încadrează în uitare, numele lui a fost reluata in XIX - lea  secol, de la referințe bibliografice în textele timpului. Dificultatea extremă de a găsi opere de referință duce la probleme serioase de atribuire și reconstituire a corpusului său artistic. Mai multe greșeli și confuzii sunt făcute de istoricii de artă și de amatori. Prima lucrare atribuită fără echivoc a fost descoperită în 1962. Mai multe lucrări iau concluzii anterioare, iar prima sinteză a artistului a fost produsă de Anne Dubois de Groër în 1996.

Noël Bellemare (activ între 1512 și 1546)

Noël Bellemare este un pictor și iluminator francez de origine flamandă, activ între 1512 și 1546, la Anvers și apoi la Paris. I se atribuie cutii de vitralii, precum și miniaturi . Unele dintre iluminările sale au fost grupate împreună sub numele convenției de Maestru al Epistolelor Getty , fără îndoială, în fruntea unui atelier cunoscut și sub numele de Atelierul anilor 1520.

Noël Bellemare este fiul unui rezident din Anvers și parizian. Prezența sa este atestată la Anvers în 1512, dar îi găsim urmele încă din 1515 la Paris, unde își încheie și își finalizează cariera. El este instalat în oraș ca pictor și iluminator pe podul Notre-Dame , alături de alți artiști și librari.

Arhivele documentează mai multe comenzi oficiale la Paris  : a pictat tavanul Hôtel-Dieu în 1515, a decorat intrarea la podul Notre-Dame în 1531 pentru intrarea în Éléonore d'Autriche în 1531, o decorație a Palais du Luvru în colaborare cu Matteo del Nassaro pentru sosirea lui Charles Quint în 1540. A făcut și aurirea la Château de Fontainebleau . A fost menționat în 1536 ca iluminator-pictor jurat.

Lucrările timpurii ale pictorului sunt influențate de manierismul din Anvers , precum și de gravura lui Albrecht Dürer . Ulterior, a fost înlocuită o influență a picturilor lui Rafael și Giulio Romano . Această influență îi vine, fără îndoială, din frecventarea Școlii din Fontainebleau pe care o întâlnește participând la decorațiile castelului.

O singură piesă este de fapt atestată de surse din mâna lui Noël Bellemare: aceasta este cartela unei ferestre din biserica penticostală Saint-Germain l'Auxerrois din Paris . Prin analogie și comparație stilistică, un set de iluminări și cutii de vitralii îi sunt atribuite de către istoricul de artă Guy-Michel Leproux .

Corpul de iluminări atribuite acestuia a fost mult timp denumit convenția Getty Master of the Epistles . Aceste lucrări au fost, de asemenea, grupate pentru o vreme de către istoricul de artă american Myra Orth într-un set mai mare de 25 de manuscrise și sub numele de Atelier din anii 1520. Noel Bellemare ar fi putut fi liderul său. Dintre acestea, miniaturile atribuite Maestrului orelor Doheny ar putea corespunde unei perioade mai vechi ale aceluiași pictor.

În cele din urmă, unele dintre miniaturile Maestrului Epistolelor Getty sunt după moartea sa: se pare că același atelier a continuat o perioadă de timp după dispariția sa.

Grégoire Guérard (activ în jurul anilor 1518-1530)

Grégoire Guérard este un pictor din Olanda , stabilit la Tournus și activ în Burgundia între 1512 și 1530, în regiunea Autun , Chalon-sur-Saône și Bourg-en-Bresse .

Este un artist format în nordul Olandei și a cărui manieră pare îndatorată de o ședere în Italia în anii 1515 și 1518

Potrivit surselor, el a furnizat un triptic pentru Biserica Carmelită din Chalon , un altul pentru Biserica Saint-Laurent-lès-Chalon, care a lucrat la Château de Brancion și cel al Balleure pentru Claude de Saint-Julien de Balleure, al cărui fiu Pierre laudă „picturi frumoase, lucrări deosebite și rafinate, produse de mâna divină învățată a excelentului pictor Guererd Gregoire, compatriot olandez și rudă a lui Erasmus din Rotterdam  ”.

O duzină de panouri datate între 1512 și 1530 au fost atribuite recent lui Grégoire Guérard, păstrat, cu câteva excepții, în sudul Burgundiei , Bresse sau Franche-Comté . Elementul major al acestui set este Tripticul Euharistiei din Autun (1515), iar la muzeul Dijon fac parte din el Arestarea lui Hristos și Prezentarea în Templul din Dijon (1521).

Bartholomeus Pons

Originar din Haarlem , Bartholomeus Pons este documentat tocmai în 1518 în atelierul lui Grégoire Guérard din Tournus . Astăzi îl putem identifica cu Maestrul din Dinteville (autor al altarului din Legenda Sfântului Eugenie din Varzy ).

Godefroy Batavian (1515—1526)

Godefroy le Batave este un pictor / iluminator din nordul Olandei activ în Franța. Este cunoscut doar prin activitatea sa la curtea lui François I er .

Numele său provine dintr - o inscripție latină identificată ca Pictoris Batavi în 3 - lea volum al operei sale cel mai bine-cunoscute, de comentariile războiului francez (1520, Muzeul Condé , Chantilly ). De asemenea, a fost semnat acolo Godefroy, o semnătură găsită în Triumfurile din Petrarque (circa 1524, Bibliothèque de l'Arsenal , Paris ). Cele Comentarii despre Războiul francez (1520, Muzeul Condé , Chantilly ), The Dominus illuminatio MEA (1516, Muzeul Condé , Chantilly ) și Viața lui Magdalena (1517, Muzeul Condé , Chantilly ) au fost iluminate sub supravegherea directă a autorului lor Franciscane , François Du Moulin sau Demoulins (fl 1502-24), în vederea prezentării lor regelui și mamei sale Louise de Savoia , contesă de Angoulême (1476-1531).

Manuscrisele vernaculare, minuscule și personalizate oferă o privire asupra artei și gustului curții franceze în primii ani ai Renașterii.

Franceza

Jean Cousin: tatăl (aprox. 1490-aprox. 1560) și fiul (aprox. 1522-aprox. 1594)

Jean Cousin cel Bătrân ( Soucy , lângă Sens , în jurul anului 1490 sau 1500 - Paris , după 1560 ), este numit și Tatăl, sau Vechiul pentru a-l deosebi de fiul său, numit și Jean Cousin . Acest artist nu este doar pictor, designer și decorator, ci este și gravor. Jean Cousin cel Bătrân este alături de Jean Clouet , principalul pictor francez din secolul  al XVI- lea. Poreclit „  Michelangelo francez”, pictura sa Eva prima Pandora, păstrată în Luvru, rămâne cea mai faimoasă lucrare a sa.

Se știe puțin despre viața sa, iar multe lucrări îi sunt atribuite doar, uneori executate mai probabil de fiul său Jean Cousin cel Tânăr cu care este adesea confuz. Un alt sculptor, fără legătură, poartă, de asemenea, același nume.

Acesta a fost în orașul său natal Sens , în 1526, Jean Cousin Le Père a început cariera ca inspector , continuând activitatea acolo până la 1540. După ce a produs desene animate pentru vitralii - ferestre din sticla de catedrala din Sens și un altar pentru Abația Vauluant în 1530, Jean Cousin Le Père sa mutat la Paris , în jurul valorii de 1540 , unde a efectuat lucrări importante.

În 1541, i s-a ordonat să proiecteze desene animate pentru tapiseriile din Viața Sfântului Geneviève și în 1543, a produs cele opt desene animate pentru Istoria Sfântului Mammès pentru Cardinalul de Givry . Aceste tapiserii , care urmau să decoreze corul catedralei Langres , au fost executate de țesători parizieni. Atunci, în 1549, a colaborat la intrarea triumfală a regelui Henric al II-lea la Paris .

De asemenea, a lucrat pentru producătorii de sticlă și a executat desene animate pentru vitraliile capelei spitalului Orfèvres , un Calvar pentru biserica Iacobinilor din Paris , diverse vitralii pentru biserica Saint-Gervais ( Le Jugement de Salomon , Le Jugement de Salomon , Martiriul Sfântului Laurent , femeia samariteană care conversează cu Hristos și vindecarea paraliticului ), biserica Moret, cele din Saint-Patrice și Saint-Godard din Rouen, precum și pentru Castelul Vincennes ( abordarea JUDECATA , conform Apocalipsei , Buna Vestire a Maicii Domnului ), în cazul în care el conduce , de asemenea , portretele de lungime de François 1 st și Henry al II - lea . Jean Cousin este, de asemenea, creditat cu vitralii în grisaille executate pentru castelul Anet (inclusiv Avraam întorcându-se la Agar, fiul său Ismael , israeliții cuceritori ai amaleciților sub conducerea lui Moise și a lui Iisus Hristos predicând în deșert ).

Avem doar un număr mic de picturi ale lui Jean Cousin cel Bătrân: Eva Prima Pandora , acum în Luvru și La Charité . Aceste lucrări atestă, la fel ca tapiseriile din Istoria Sfântului Mammès , influența lui Rosso , dar Jean Cousin cel Bătrân știa să interpreteze într-un stil foarte personal arta școlii din Fontainebleau .

Unele desene Penelope , Martiriul unui sfânt și Jocuri pentru copii , sunt atribuite astăzi lui Jean Cousin le Père, dintre care avem și două gravuri semnate: Buna Vestire și Mormântul .

Teoretic, artistul a publicat două tratate ilustrate cu gravuri pe lemn, Livre de perspective datat din 1560, precum și Livre de pourtraicture finalizat de fiul său în 1571. Reeditat în 1589, nu a fost găsit niciun exemplar până în prezent. Pe de altă parte, este probabil ca această ultimă lucrare să fie cea publicată imediat după moartea Vărului Le Jeune la Paris în 1595 de David Leclerc , cu plăci gravate de Jean Le Clerc . Acest tratat este , de asemenea , o capodopera de ilustrare anatomice , a fost retipărită de mai multe ori în al XVII - lea  secol.

Jean Cousin cel Tânăr (1522-1594) mai spune că Fiul a fost confundat mult timp cu tatăl său, al cărui elev era. Jean Cousin cel Tânăr a studiat mai întâi la Universitatea din Paris cel puțin până în 1542, apoi a colaborat la munca tatălui său. Când acesta din urmă a murit, el a preluat conducerea.

Producția sa pare să fi fost semnificativă. În 1563, a colaborat la pregătirile pentru intrarea triumfală a lui Carol al IX-lea . În jurul anului 1565, contribuția Cousin le Père și a Cousin le Fils la monumentul funerar al lui Philippe Chabot , amiralul Franței , este controversată; cadrul ornamental al monumentului este atribuit fiului și celor patru genii înaripate tratate într-un stil manierist foarte strălucitor.

Singura pictură atribuită lui Jean Cousin fils este Judecata de Apoi din 1585 și păstrată în muzeul Luvru . Această lucrare reflectă atât influența manierismului florentin, cât și a artei flamande . O serie de desene, ilustrațiile din Cartea Norocului (1568), Metamorfozele lui Ovidiu (1570) și Fabulele lui Esop (1582) dezvăluie un artist iscusit influențat de tatăl său, mediul Bellifontan și arta țărilor nordice .

Antoine Caron (1521-1599)

Antoine Caron, născut în 1521 la Beauvais și decedat în 1599 la Paris , este un maestru manierist francez sticlar, ilustrator și pictor de la școala Fontainebleau .

La răscrucea dintre cele două școli din Fontainebleau , Antoine Caron este una dintre personalitățile majore ale manierismului francez. Unul dintre rarii pictori francezi ai timpului său cu o pronunțată personalitate artistică. Opera sa reflectă atmosfera rafinată, deși foarte instabilă a curții Casei Valois , în timpul războaielor de religie din 1560 până în 1598.

Părăsind Beauvais unde a pictat încă din adolescență picturile religioase pierdute de atunci, Antoine Caron lucrează în atelierul de vitralii din Leprince , apoi își face pregătirea în atelierele Primatice și Nicolò dell'Abbate de la Școala din Fontainebleau în 1540 în 1550. În În 1561, a fost numit pictor de curte la Henri II și Catherine de Medici și ulterior a devenit pictor al acesteia.

Funcția sa de pictor de curte a inclus responsabilitatea organizării spectacolelor oficiale. El, ca atare, a participat la organizarea ceremoniei și la intrarea regală în Paris pentru încoronarea lui Carol IX și căsătoria lui Henri IV cu Marguerite de Valois . Unele dintre ilustrațiile sale despre festivitățile de la curtea lui Carol al IX-lea rămân și constituie probabil surse posibile pentru reprezentarea curții în tapiseriile Valois.

Cele câteva lucrări care au supraviețuit lui Caron includ subiecte istorice și alegorice, ceremonii de la curte și scene astrologice. Este un erudit, iar scenele sale învățate și sofisticate reflectă cultura strălucită care s-a dezvoltat la Paris sub domnia ultimului Valois .

Masacrele sale au fost efectuate la mijlocul anilor 1560, la fel ca singura sa pictură semnată și datată, Les Massacres du Triumvirat (1566), păstrată în Luvru. Evocă masacrele comise în timpul războaielor civile romane, în 43 î.Hr., de triumvirii Antoine , Octave și Lepidus . Ar fi o aluzie la masacrele la care protestanții au fost victime, în timpul războiului religios , în principal din 1561, când trei apărători ai catolicismului , Anne de Montmorency , Jacques d'Albon de Saint-André și François de Guise au format un triumvirat pentru se opun politicii de calmare a Catherinei de Medici

Componenta esențială a stilului său este reluarea figurii foarte alungite a artiștilor italieni, chiar și în portrete precum Portrait de femme (1577), un limbaj corporal elocvent, multă mișcare și dinamism. El dă un aspect foarte ciudat compozițiilor sale. La fel ca și vioiciunea culorilor sale care contribuie la acest caracter adesea fantastic dat lucrărilor sale.

Celălalt aspect emblematic al operei sale este încorporarea unor arhitecturi fanteziste, care sunt uneori amestecate cu ruine romane. La fel ca maestrul său Nicolò dell'Abbate , el a plasat deseori figuri umane aproape nesemnificative în mijlocul unor scene uriașe.

Din punct de vedere stilistic, aderarea sa la manierismul nordic se referă la tipologia personajelor sale. Critica modernă îl numește „bunicul manierismului  ”.

Documentația insuficientă a picturii franceze din această perioadă înseamnă că multe dintre lucrările atribuite acestuia sunt atribuite și altor artiști, cum ar fi Henri Lerambert . Relativa notorietate a lui Antoine Caron contribuie la asocierea numelui său cu lucrări comparabile cu cele mai cunoscute ale sale. În unele cazuri, aceste picturi, de exemplu, Prezentarea lui Milano către Francisc I st 1515 (c. 1570) sunt acum desemnate „atelierul lui Antoine Caron”.

Sculptura

Pentru sculptura, François I st a fost deosebit de procurat serviciile Benvenuto Cellini , a cărui artă a influențat sculptorul francez al XVI - lea  secol. Ceilalți reprezentanți principali ai săi au fost Jean Goujon și Germain Pilon .

2 e al XVI - lea  lea a văzut stilul manierist temperat domina, în ciuda o tendință puternică de realism: Notă Mormantul lui Henric al II - lea și Caterina de Medici și mormântul cardinalului René de Birague de Germain Pilon , a cărui el intensitate dramatică este uneori care amintește de Michelangelo și anunță stilul baroc .

Familia Justă (sau di Giusto di Betti)

Dinastia sculptorilor, originară din regiunea San Martino a Mensola, lângă Florența , cei trei frați Giusto di Betti au emigrat în 1504 în Franța , în urma intervenției lui Ludovic al XII-lea în Italia . Ele ajung să fie naturalizate în 1513 , sub numele francez „  Juste  ”, înainte de a deveni sculptori ai regelui .

Împreună cu Francesco Laurana, au fost cei mai străluciți și activi reprezentanți ai sculpturii renascentiste italiene din Franța .

Antonio di Giusto di Betti și Antoine Juste (1479- 1 st septembrie 1519), lucrări de la 1507 la mormântul lui Thomas James , Episcop de Dol-de-Bretagne , punerea în aplicare completat în colaborare cu fratele său , Jean Juste. Foarte repede, s-a văzut chemat de cardinalul Georges d'Amboise la șantierul castelului său de la Gaillon (în mare parte distrus în timpul revoluției); În timp ce face capela pentru o serie de doisprezece apostoli în teracotă , execută un bust de cardinal și un basorelief care descrie bătălia de la Genova pentru galeria palatului; În colaborare cu studioul lui Michel Colombe , el continuă construcția avangardistă a capelei superioare, care a devenit un adevărat manifest al unui nou stil renascentist în sculptură. Antoine Juste s-a mutat apoi la Tours , unde a comandat marmură de Carrara pentru mormântul lui Ludovic al XII-lea (1516). Probabil că îi datorăm basoreliefurile acestui monument. Colaborarea lui Guido Mazzoni este probabilă deoarece acest artist a ajuns în Franța în 1494 și era deja activ pe mormântul lui Carol al VIII-lea .

Andrea di Giusto di Betti, André Juste (născut în jurul anului 1483), al doilea dintre frați, a colaborat fără îndoială cu frații săi la înființarea mormântului lui Ludovic al XII-lea, al bazilicii Saint-Denis , deși nu era sigur astăzi că a părăsit Italia.

Giovanni di Giusto di Betti Jean Juste sau I st (1485-1549) este ultimul dintre frați. De îndată ce a ajuns în Franța , s-a mutat la Tours și a petrecut câțiva ani în studioul lui Michel Colombe . Colaborează astfel în îngropare a Abbey of Solesmes . Descoperind cu această ocazie, opera lui Claus Sluter și realismul flamand . Jean Juste I er devine apoi unul dintre principalii actori ai unui nou stil în sculptură, amestecând realismul flamand și blândețea franceză numită stil Louis XII . După ce a terminat singur mormântul lui Thomas James , a mers la bazilica Saint-Denis pentru a instala mausoleul lui Ludovic al XII-lea . Acolo ar fi executat statuile culcate ale regelui și reginei, surmontate de rugăciunile lor , grație indicațiilor lui Jean Perréal , activ deja la mormântul ducelui de Bretanie François II și la mormintele mănăstirii din Brou  : „Aceste statui așezate, cele mai dramatice, reprezintă cadavrele capturate în moarte, luate de ultimele spasme, burta cusută de îmbălsămare, gurile despărțite de ultimul zgomot, pielea lipită de schelet, sânii au căzut, capul aruncat înapoi pentru regină ”. Statuile virtuților cardinale sunt mai degrabă atribuite astăzi dreptului său nepot al lui Just, pe care îl crește de asemenea ca fiul său. Jean Juste execută apoi mormântul lui Jean IV de Rieulx , mareșalul Bretaniei , în Ancenis , apoi mormântul lui Thomas Bohier , fondatorul castelului Chenonceau , în biserica Saint-Saturnin din Tours și, în cele din urmă, mormântul lui Louis de Crevent , stareț al Treimii Vendôme . De la 1532-1539, el a produs pentru capela din Château d'Oiron , mormântul lui Artus Gouffier , a făcut la cererea văduvei sale Hélène de Hangest, precum și cea a soacră lui, Lady de Montmorency .

Doar Ioan al II-lea (1510-1577), fiul lui Jean Juste I er , alergând în 1558 pentru biserica din Oiron , mormântul lui Claude Gouffier , marele călăreț al Franței , și prima sa soție, Jacqueline Trémoille (distrusă în 1793) din care din păcate, astăzi rămâne doar statuia lui Claude Gouffier  ; realizările sale după 1558 , în plus fiind în mare parte distruse. Ulterior, Jean II Juste ar fi realizat mormântul lui Guillaume Gouffier , amiralul de Bonnivet , ucis la Pavia în 1525, apoi o fântână în marmură albă, pentru grădinile castelului Oiron , dispărută în mare măsură, fără a rămâne decât un bazin. În colaborare cu pictorul François Valence, el participă la realizarea a trei arcuri de triumf și coordonează dispozitivele festive create la Tours cu ocazia intrării tânărului rege François II și a soției sale Marie Stuart (1560). Acest succes îi permite să facă o piață la 24 aprilie 1561 privind crearea unei fântâni, Place de la Foire-le-Roi, finalizată în 1562 și care nu mai este prezentă.

Philibert Delorme (1514-1570)

Născut la Lyon , Philibert Delorme a murit la Paris în 1570. Provenind dintr-o familie de maeștri zidari , a fost instruit de tatăl său, în special cu privire la lucrările de construcție a zidurilor din Lyon . Între 1533 și 1536, viitorul arhitect a rămas la Roma, unde a dobândit cunoștințe tehnice solide și cunoștințe arheologice bune. Artistul îl freacă pe cărturarul de mijloc al orașului și s-a împrietenit cu cardinalul Jean du Bellay (ambasador al Franței la Roma ).

La întoarcere, au început aproape treizeci de ani de viață profesională intensă. În 1536, s-a întors la Lyon , un prieten al cardinalului du Bellay , negustorul Antoine Bullioud, i-a încredințat sarcina de a reuni trei clădiri independente care înconjoară o mică curte de pe strada Juiverie . Tânărul arhitect a creat o galerie cu trei golfuri într-un mâner de coș arcuit cu creste sprijinite pe două coarne . Câteva alte realizări minore din Lyon sunt, de asemenea, creditate, dar el nu rămâne mult timp în orașul său natal.

Atunci, prietenul său, cardinalul, i-a încredințat între 1541 și 1544 proiectul castelului său de la Saint-Maur-des-Fossés . Manifest al Renașterii franceze, este un patrulater inspirat de vilele italiene.

Numirea sa ca „arhitect al regelui” de către Henri II , în 1548, îi permite să păstreze, timp de unsprezece ani, controlul absolut asupra arhitecturii regale, cu excepția Palatului Luvru încredințat lui Pierre Lescot .

Philibert Delorme asigură astfel construcția și întreținerea castelelor, clădirilor utilitare, fortificațiilor din Bretania , ordonanța festivalurilor și a intrărilor, precum și administrarea și controlul financiar al lucrărilor. Superintendența exercitată de artist este un eveniment semnificativ în istoria arhitecturii franceze.

Arhitectul lucrează, de asemenea, pe șantierele Château d'Anet construite pentru Diane de Poitiers și castelul regal Saint-Léger-en-Yvelines . Pentru cel mai mare chin al său, trebuie să intervină ocazional la Fontainebleau în colaborare cu Le Primatice , Nicolò dell'Abbate și Scibec de Carpi. De asemenea, lucrează la castelul din Madrid , Bois de Boulogne , Vincennes , Paris , Villers-Cotterêts , Coucy-le-Château , Chenonceaux , Limours și Boncourt ...

Pretențiile și vanitatea sa i-au atras totuși dușmani grele, inclusiv cele ale lui Pierre de Ronsard sau Bernard Palissy . În timpul carierei sale, Philibert Delorme nu a încetat niciodată să acumuleze profituri (între 1547 și 1558, a primit cinci abații și nu a deținut niciodată mai puțin de trei în același timp până la moartea sa), fără a ezita să solicite constant de la rege atribuirea de funcții și oficii, pentru a compensa poate pierderea de profit a șantierelor dificile de care se plânge regulat.

În timp ce era acuzat de delapidare, moartea regelui Henric al II-lea în iulie 1559 i-a adus rușinea, lăsând câmpul deschis inamicilor arhitectului  ; Așa se vede el însuși îndepărtat de funcțiile sale în beneficiul Primatului . Clientela domnească îi va rămâne totuși fidelă în fața adversității, inclusiv Diane de Poitiers, care îi ordonă să efectueze lucrări pentru castelul ei de Beynes . Restul existenței sale este dedicat redactării unor tratate teoretice, inclusiv redactării unei sume de arhitectură. A publicat în special un Tratat complet al artei construcției (1567), urmat de Noile invenții pentru a construi bine și la preț redus ( Paris, 1561). Delorme nu va merge mai departe. La sfârșitul vieții, însă, și-a găsit drumul înapoi la curte, regenta Catherine de Medici încredințându-i sarcina de a urmări Palatul Tuileries .

Majoritatea operelor sale au fost, din păcate, aproape distruse în timp. Rămân doar un hotel Bullioud (1536) în Lyon , părți ale Chateau d'Anet a executat pentru Diane de Poitiers (1545-1555) și mormântul lui François I st la Basilica Saint-Denis .

Pierre Bontemps (în jurul anului 1505-1568)

Sculptor francez, Pierre Bontemps este cel mai bine cunoscut pentru numeroasele monumente funerare pe care le-a sculptat și decorat.

Ajuns la Fontainebleau din 1536 , s-a antrenat în contact cu lucrările antice aduse de Primatice . El interpretează în mod deosebit o distribuție din Laocoon și alta din Apollo du Belvédère . În 1548 , el a făcut parte din echipa de sculptori condusa de Philibert Delorme pentru mormântul lui François I st la Basilica Saint-Denis .

Figurile culcate ale regelui și reginei Claude sunt rezultatul colaborării sale cu François Marchand . Din anul 1549 pentru a 1551 , el a sculptat singur de statuile care se roagă din Dauphin Franței François și fratele său Carol al II - lea din Orleans . De asemenea, este pe deplin responsabil de reliefurile care împodobesc baza mormântului lui François I er , reprezentând cu o remarcabilă acuratețe bătăliile care au avut loc în timpul domniei sale, inclusiv victoriile de la Marignano și Ceresole . Pregătirile fiecărei bătălii sunt detaliate (traversând Alpii) și personaje principale individualizate: unul îl recunoaște pe François I er în monograma sa sau Chevalier Bayard .

În 1556 , Pierre Bontemps s-a aflat din nou la Fontainebleau unde a oferit un basorelief al celor patru anotimpuri pentru șemineul din dormitorul regelui . Apoi aleargă la mănăstirea Hautes-Bruyères ( Yvelines ), monumentul din marmură care conține inima lui François I er . Urnă este decorat cu alegorice bazoreliefuri spre slava artelor și științelor, care, datorită suveranului, au preluat un loc important în regat.

Îi datorăm în continuare statuia funerară a lui Charles de Maigny ( circa 1557 ), păstrată în muzeul Luvru și mormântul lui Guillaume du Bellay din catedrala din Le Mans .

Pierre Bontemps pare să fi fost mai degrabă un specialist în basorelief decorativ, foarte la modă în momentul dezvoltării prima școală de Fontainebleau ( 2 e trimestru al XVI - lea  lea), un mare creator al rundei . Senzualitatea și delicatețea figurilor feminine amintește de stilul manierist pe care Primatice l-a aplicat stucurilor din Fontainebleau (capete și gâturi mici alungite, gesturi schițate și armonioase). Dacă arta grațioasă și delicată a lui Bontemps este impregnată de spiritul italian, este temperată de preocuparea pentru precizie în amenajarea decorului și de costumele pitorești.

Jean Goujon (1510-circa 1567)

Jean Goujon s-a născut probabil în Normandia în jurul anului 1510 și a murit, probabil, la Bologna , în jurul anului 1567.

Supranumit „  Fidia franceză” sau „  Correggio al sculpturii”, Jean Goujon este alături de Germain Pilon cel mai important sculptor al Renașterii franceze.

La fel de sculptor ca arhitect, a fost unul dintre primii artiști a căror operă a fost direct inspirată de arta antică și de Renașterea italiană, pe care a studiat-o personal în Italia . Știa cum să-și supună opera sculpturală , în special basoreliefurile , cadrului arhitectural în care urma să fie înscrisă.

În ciuda bogăției producției sale artistice, cariera lui Jean Goujon nu poate fi urmărită decât timp de aproximativ douăzeci de ani, între 1540 și 1562. Prezent la Rouen între 1540 și 1542, a executat primele sale lucrări conservate. Pentru galeria de organe a bisericii Saint-Maclou , el sculptează două coloane care sunt încă în vigoare astăzi. Primul exemplu în Franța de o ordine corintică foarte pură, dezvăluie cunoașterea perfectă a artei antice de către Jean Goujon . De asemenea, i se atribuie designul mormântului lui Louis de Brézé (1531) din catedrala din Rouen și arhitectura capelei Saint-Romain , numită popular La Fierte (1543).

Ajuns la Paris în jurul anului 1542, probabil că a lucrat sub îndrumarea arhitectului Pierre Lescot , ca „creator de imagini ” în ecranul roșu din Saint-Germain-l'Auxerrois (1544 până la Crăciunul 1545). Ansamblul arhitectural a dispărut în 1750, dar basoreliefurile celor patru evangheliști și Depunerea lui Hristos , cunoscută în general sub numele de Fecioara Milă , sculptate de artist au supraviețuit și sunt păstrate astăzi în Luvru . O copie parmezană reprezentând înmormântarea l-a inspirat pe Jean Goujon pentru compoziția Depunerii lui Hristos . Aceasta este o dovadă că arta italiană l-a influențat direct, fără intermediarul artei lui Fontainebleau . De „draperia umed“ și faldurile paralele ale reliefurile de catapeteasma dezvăluie stilul unui artist atașat la arta antică , și mai exact la elenistică art .

În 1545, Jean Goujon a lucrat pentru polițistul Anne de Montmorency și a produs Les Quatre Saisons ( 1548-1550 ) pentru hotelul lui Jacques de Ligneris , vărul lui Pierre Lescot , care a devenit acum muzeul Carnavalet .

Din 1547, artistul a intrat în serviciul noului rege Henric al II-lea . El va lucra cu alți scupteurs la decorarea intrării regelui la Paris în 1549, creând singura operă permanentă: celebra fântână a Inocenților . Basoreliefurile sale , reprezentând nimfe și naiade , pot fi găsite astăzi în muzeul Luvru .

În același timp, Jean Goujon a lucrat ca „maestru sculptor ” sub „desenele lui Pierre Lescot , Lordul lui Clagny ” la decorațiile Palatului Luvru . Între 1548 și începutul anului 1549, și-a completat alegoriile despre război și pace înainte de a fi însărcinat să execute alegoriile istoriei , victoriei, apoi ale faimei și ale gloriei regelui . La scurt timp după aceea, a produs Cariatidele Platformei Muzicienilor, finalizate în 1551, în camera omonimă a Palatului Luvru . În 1552, a sculptat statui pentru șemineul cabinetului Attica situat în aripa de vest și, în cele din urmă, în 1555-1556, câteva basoreliefuri ale scării lui Henric al II-lea .

În general, i se atribuie gravurile versiunii franceze a Visului polifilic de Francesco Colonna (1546), după gravurile ediției originale (posibil datorită atelierului Andreei Mantegna ). De asemenea, îi datorăm xilografii care ilustrează prima ediție franceză a celor Zece cărți de arhitectură ale lui Vitruvius , traduse în 1547 de Jean Martin . Ar fi făcut și medalii prețioase pentru Ecaterina de Medici .

Diana sprijinindu -se pe un cerb ( în jur de 1549) , de asemenea , cunoscut sub numele de Fontaine de Diane făcut pentru Diane de Poitiers la Château d'Anet a fost atribuită succesiv Benvenuto Cellini , Jean Goujon și Germain Pilon . Toate aceste atribute au fost contestate sau infirmate. Este dificil să judeci lucrarea care a fost finalizată în mare parte de Pierre-Nicolas Beauvallet înainte de instalarea sa în Luvru în anii 1799-1800. Alexandre Lenoir , directorul muzeului la acea vreme, este autorul atribuirii lui Jean Goujon .

Data exactă a morții artistului este necunoscută. De la protestanți , slujba sa la curtea Franței și chiar prezența sa la Paris au devenit dificile atunci când tensiunile religioase au crescut. O legendă tenace spune că Jean Goujon a fost asasinat în timpul Saint-Barthélemy . Dacă ar fi fost așa, ar fi fost citat a posteriori drept unul dintre faimoșii martiri ai dramei, ceea ce nu era cazul. Povestea ei moarte tragică, cu toate acestea, a fost repetat în mai multe lucrări de critic de artă și extinderea la XVIII - lea și al XIX - lea  secole. Cercetări mai recente și-au găsit urmele printre refugiații huguenoti din Bologna în 1562. Se spune că a murit în Italia între acea dată și 1569.

Jean Goujon a avut cu siguranță un atelier și studenți care l-au ajutat. Figurile sale sunt ovale, senzuale și fluide. Draperiile sale dezvăluie o cunoaștere a sculpturii grecești . Răspândit în toată Franța prin gravuri realizate de artiști de la școala Fontainebleau , puritatea și grația modelului său au influențat artele decorative . Reputația lui cunoaște la sfârșitul XVI - lea  secol, o ușoară tendințe spre eclipsa mai manierat , înainte de creștere din nou în epoca barocă și clasică franceză.

Germain Pilon (1525 / 30-1590)

Germain Pilon, născut în jurul anului 1528 la Paris și murit în 1590 în același oraș, este alături de Jean Goujon , unul dintre cei mai importanți sculptori ai Renașterii franceze. Participând în special la construcția mormintelor ultimului Valois , aceste lucrări mărturisesc apartenența sa la manierism .

Fiul sculptorului André Pilon, a învățat de la ea, și , probabil , cu Pierre Bontemps , modelarea de lut și piatră. Niciuna dintre creațiile lui André Pilon nu a fost încă păstrată, astfel încât nu se poate aprecia stilul său. Cu toate acestea, anumite comisioane dezvăluie predilecția sa pentru statui din lemn pictate și pentru teracotă. În timp ce a fost numit controlor al semnelor și monedelor regelui, Germain Pilon a învățat și arta turnării și urmăririi de bronz.

În 1558, a fost însărcinat de către superintendentul clădirilor regelui, Philibert de l'Orme , să sculpteze opt „genii funerare ” sau „figuri ale Norocului ” , destinate mormântului lui François I er pe care Philibert de l'Orme l- a construit atunci. în bazilica Saint-Denis . Cu această ocazie, Germain Pilon , pe atunci tânăr, a produs o statuetă din marmură albă care a fost prima sa lucrare cunoscută. Acest geniu funerar (foto) amintește cu tărie de sculptura lui Michelangelo și mărturisește virtuozitatea lui Germain Pilon în imprimarea mișcării. Cu toate acestea, nu va fi ales pentru a împodobi mormântul regal și este acum expus la Muzeul Național al Renașterii din Écouen .

La moartea lui Henri al II-lea , Primatul a obținut funcția de superintendent al clădirilor și a decis să-l țină pe Germain Pilon printre colaboratorii săi. Pentru Château de Fontainebleau , artistul modelează statui din lemn, executate sub îndrumarea maestrului italian al cărui stil îi era acum foarte familiar. Numai cu Monument du cœur de Henri II (foto) ( Luvru ) descoperim arta sculptorului în toată plinătatea sa. Monumentul pe care l-a proiectat constă dintr-un piedestal decorat, susținând trei figuri feminine care susțin o urnă funerară pe cap. La Germain Pilon cade majoritatea lucrărilor de sculptură , inclusiv executarea a trei statui alegorice în care putem vedea atât cele Trei Grații, cât și virtuțile teologice .

Este încă sub controlul Primatice pe care Germain Pilon creează lucrările sale de mai jos. Când Catherine de Medici a construit un mausoleu în rotunda de la biserica abațială Sf. Denis , Germain Pilon se numără printre artiștii responsabili de decorarea sculpturală. A participat în primul rând la realizarea mormântului regelui decedat și al reginei, alături de alți sculptori precum Girolamo della Robbia și Maestrul Ponce . Cu toate acestea, cea mai mare parte a lucrării ajunge să cadă asupra lui. El este astfel autorul figurilor culcate , a rugăciunilor , a două Virtuți de bronz și a două reliefuri de marmură aparținând ediculului . În statuia culcată a reginei, imitația unei vechi statui numită astăzi Venus a Medici , el își eliberează majoritatea legăturilor, poate pentru că fusese logodit acolo. De orants dezvăluie o mare libertate în mișcare și o reproducere foarte personală a fizionomiei care arată că Germain Pilon abandonat gotic târziu pentru renascentist art .

Din 1570, Germain Pilon , acum foarte ocupat, avea un mare atelier la Paris . Printre lucrările sale actuale s-au numărat Fecioara Notre-Dame-de-la-Couture ( Le Mans ) și principalele sculpturi din mormântul lui Valentine Balbiani (decedat în 1572). În acest mormânt, unde se amestecă elemente italiene și franceze, defunctul este reprezentat, conform tradiției franceze, sub două aspecte. Valentine Balbiani, îmbrăcat într-un costum somptuos, pe jumătate așezat, sprijinit pe un cot și răsfoind o carte, corespunde unui tip italian deja bine cunoscut în Franța înainte de Germain Pilon . Cu toate acestea, conform tradiției franceze, basorelieful pus mai jos prezintă culcatul decedat cu un realism atât de impresionant încât plasează lucrarea în tradiția „cadavrelor ” trecătoare ale sculpturii medievale franceze. Astăzi, majoritatea mormintelor executate de Germain Pilon nu mai sunt cunoscute decât prin documente sau schițe comandate .

În 1572, artistul obține funcția de „controlor general al efigiilor la Curtea de la Monnaies”. Îi datorăm seria de medalioane care poartă efigiile membrilor familiei regale, precum și diverse busturi de marmură și bronz, printre care se remarcă cel al lui Carol al IX-lea și cel al lui Jean de Morvilliers . În ultimii zece ani din viața sa, în timp ce era apreciat de aristocrația franceză, a avut un atelier mare: abundența comenzilor și realizarea celor 380 de mascaroni ai Pontului Neuf , l-au obligat să-și adauge fiii, precum și colaboratori precum Mathieu Jacquet dit Grenoble, care au asigurat succesul stilului lui Germain Pilon de-a lungul mai multor decenii.

Până în jurul anului 1585, Germain Pilon a fost ocupat de noi sculpturi din marmură destinate capelei funerare a Valois din Saint-Denis . Un patetism și o nouă dramă caracterizează ultimii ani ai producției sculptorului. Remarcăm în special Hristosul Învierii cu doi soldați romani ( Luvru ), un Sfânt Francisc de Assisi ( Catedrala Sainte-Croix de Paris a Armenilor ), precum și două noi statui funerare ale lui Henric al II-lea și ale Ecaterinei de Medici , au reprezentat acest lucru timpul în culcat ( Saint-Denis ). Fecioara Pacat , ultima creatie a ansamblului, împrumută din scenele iconografierea depoziții ale crucii sau ale entombments , ei vălul care se încadrează în fața feței precum și mâinile încrucișate pe piept. În mormântul lui René de Birague , construit în jurul anului 1583, Germain Pilon preia tradiția medievală pictând bronzul conducătorului de rugăciune în timp ce face ca trupul decedatului să dispară aproape în întregime sub haina amplă cu pliuri adânci al căror lung tren este astăzi ' hui a dispărut. În ultimii ani ai vieții sale, relieful de bronz al Depunerii lui Hristos (păstrat acum în Luvru ), a fost inspirat din Depunerea lui Hristos executată în jurul anului 1544 de Jean Goujon ( Luvru ).

Hugues Sambin (1520-1601)

Hugues Sambin (1520-1601) este o figură artistică caracteristică Renașterii prin varietatea centrelor sale de interes și prin întinderea talentelor sale. A exercitat o influență durabilă asupra repertoriului ornamental din vremea sa.

La fel ca mulți artiști ai timpului său, Hugues Sambin reunește numeroase calități: tâmplar (acest termen desemnează meșterii care construiesc mobilier), sculptor, inginer hidraulic, arhitect, decorator și gravor.

Cu toate că el lucrează peste tot în Franța , el a devenit rapid în estul Franței, în principal , în Dijon și Besancon în a doua jumătate a XVI - lea  secol (unde a câștigat titlul de fi cial al arhitectului ). Apare apoi ca una dintre rarele personalități din regiune capabile să propună planuri pentru construirea de fortificații ( Salins-les-Balins , Dijon) sau proiecte pentru diverse situri urbane: i se atribuie în special anumite case din Dijon, inclusiv He Fyot -hotel de-Mimeure (1562), casa Maillard (1561) sau poarta Scrin a fostului parlament al Burgundiei (1580). În ciuda acestor angajamente, artista reușește să mențină o activitate intensă în confecționarea mobilierului, dintre care mai multe exemple sunt încă expuse în muzee. Cu toate acestea, avem relativ puține elemente despre viața sa și i se atribuie un anumit număr de lucrări fără a fi autentificate cu certitudine: un dulap cu două uși la Artele Decorative din Paris și la Luvru (circa 1580), Gauthiot d ' Masă Ancier la Musée du Temps din Besançon și alte două piese de mobilier la Musée de la Renaissance din Écouen și Muzeul Metropolitan din New York .

Născut în Gray 1520 un tată tâmplar , The Burgundy a Imperiului sau Franche-Comte , el a învățat de timpuriu arta de tamplarie si dulgherie , precum si arhitectura. În cursul anului 1544, artistul a lucrat în echipa de dulgheri de la Château de Fontainebleau , sub îndrumarea Primatice , și mai ales cu designerul Sebastiano Serlio , care a folosit în special tehnica italiană de designo .

Ca urmare a acestei experiențe, tânărul tovarăș poate face o călătorie în Italia , deoarece va arăta ulterior o cunoaștere perfectă a sculpturii și arhitecturii ultramontane .

Revenit la Dijon în 1547 , s-a căsătorit cu fiica lui Jean Boudrillet, maestru tâmplar , de la care a preluat, câțiva ani mai târziu, în 1564 , conducerea practică a atelierului după ce a fost primit între timp maestru tâmplar în 1548 . De asemenea, va fi jurat al corporației în mai multe rânduri. La acea vreme, cea mai prosperă activitate a atelierului Boudrillet a rămas fabricarea de mobilier și dulapuri care, sub influența lui Hugues Sambin, ar fi, prin urmare, proiectate în conformitate cu codurile grafice ale designo ca o adevărată „enciclopedie de arhitectură” a timpului său. . Recunoscut, artistul a devenit unul dintre liderii în arta mobilierului din Burgundia , activ în special pentru sponsorii bogați din Burgundia și Franche-Comté. Astfel, în 1550, orașul Dijon i-a comandat trei statui pentru intrarea triumfală a ducelui de Aumale .

Continuându-și activitatea de sculptor, a terminat cu puțin înainte de 1560, realizarea unei lucrări privind Judecata de Apoi , concepută pentru a împodobi porticul central al bisericii Saint-Michel din Dijon , devenind ulterior, în 1564 , lucrări de supraveghetor și dirijori pentru recepția regelui Carol al IX-lea la Dijon.

În ciuda tuturor, se pare că moartea socrului său în 1565 l-a făcut să piardă controlul tehnic al atelierului de tâmplărie: Maistre Sambin și-a diversificat apoi activitatea pe bază individuală, probabil îndepărtându-se de atelierul Boudrillet, unde va lucrează doar ocazional. De acum înainte, din ce în ce mai frecvent departe de Dijon, el lucrează regulat, în special ca proiectant, ornamentalist, inginer și arhitect .

În timp ce se afla la Lyon în 1572, a publicat o importantă colecție formată din 36 de plăci gravate, intitulată Lucrarea diversității de termeni folosiți în arhitectură , care arată o imaginație nestăvilită, reprezintă și astăzi o lucrare remarcabilă de clasificare a ordinelor arhitecturale în conformitate cu vechiul model . Activitățile sale la fel pentru câțiva ani în Olanda spaniolă , fiind apoi angajat ca sculptor și tâmplar de guvernatorul Luxemburgului . Acesta este modul în care influența sa va afecta nu numai pictorii din Burgundia și Lorena , chiar și din Germania de Sud , ci și arhitecții și decoratorii, precum Joseph Boillot sau Wendel Dietterlin .

În 1571 , artistul pare să se întoarcă momentan în Franța-Comté apoi în Burgundia unde va primi titlul de arhitect al orașului Dijon. În 1581 , guvernatorii din Besançon l-au comandat pentru fațada curții a fostului parlament din Besançon (actualul tribunal ) ale cărui sarcini le-a supravegheat între 1582 și 1587, în timp ce îndeplinea simultan planurile pentru acoperișul imperial al turnului de cruci de la Notre-Dame. Colegiul Dame de Beaune , construit între 1580 și 1588.

Putem concluziona că Hugues Sambin va rămâne puternic influențat, de-a lungul carierei sale, de timpul petrecut în echipele Fontainebleau . Sistemul ornamental dezvoltat de Rosso si Primaticcio inclusiv galeria Francois I st , literalmente explodeaza in toate munca lui. Marcate pentru totdeauna de această scurtă ședere în Bellifont , rădăcinile sale burgundiene rămân totuși prezente, exprimate în special prin predilecția sa pentru anumite ornamente regionale, cum ar fi faimoasa „varză burgundiană ” sau folosirea de suluri de iederă în loc de motive tradiționale de acant .

Între timp, termeni (elemente arhitecturale sculptate, compus dintr - un bust uman se termină teaca ) proiectate și sculptate de Hugues Sambin sunt foarte populare în Franța , în a doua jumătate a XVI - lea  secol, în special pe mobilier scara Lyons , care are , deoarece decorativ foarte asemănătoare punct de vedere, mobilier bourguignon: s-a născut astfel un adevărat „stil Sambin ” , marcând a doua jumătate a  secolului al XVI- lea.

Prin comparații făcute cu colecția sa, am atribuit artistului nu numai orice piesă de mobilier care combină termeni cu o acumulare de motive ornamentale, ci și, prin extensie, orice arhitectură cu decor exuberant. Cu toate acestea, există încă destul de mare dificultate dovedind comenzile sau lucrări ale lui Hugues Sambin studio și pentru că au fost imitate sau copiate fără rușine , inclusiv XIX - lea  lea sub numele de „Henric al II - lea Style.“

Mobila

De-a lungul primei Renașteri franceze, mobilierul nu s-a schimbat prea mult și a rămas în continuitatea stilului Louis XII . Cu toate acestea, ornamentația abandonează cu siguranță ultimele elemente gotice ale stilului anterior, cum ar fi pinacolele, globurile flamboyante sau chiar arcurile ascuțite, pentru o decorație pur renascentistă compusă în principal din medalioane și arabescuri .

Abia în timpul domniei lui Henric al II-lea s- a văzut o evoluție reală cu producții cu forme arhitecturale marcate, cel mai adesea împodobite cu incrustări de marmură și plăci în nuanțe de bronz. Această perioadă marchează și apariția de mobilier nou ca caquetoire (sau caqueteuse), The fotoliu , scaun vertugadin scaunului de prindere ( a spus , de asemenea , Savonarola sau faudesteuil ) și revenirea bazei scaun rabatabil în X, a ieșit din VII - lea  secolului ( tronul de bronz al regelui Dagobert ).

Aceste creații ale Renașterii imitat de la mijlocul secolului al XIX - lea  lea sub numele de stil Henry al II - lea , că astăzi mobilierul autentic au devenit extrem de rare și sunt restaurate și modificate.

Tehnici și instrumente

  • Tapițeria  : Pentru scaunele, hard suprafetele din lemn natural vor fi înlocuite treptat cu o piele, tapițerie sau pastă fină tapițerie . Intins peste curele si captusit cu fetru.
  • Cuplă  : a XIV - lea  secol intarsii este la modă din nou în Toscana . Lemnul de raportat cu grosimea de 3 până la 5 milimetri este tăiat fie cu o dalta, fie cu instrumente de tăiat, aproape de uneltele tâmplarului . Decorul furnirului acoperă complet un suport obișnuit din lemn. Elementele sunt tăiate, umbrite la căldură și ajustate pentru a fi lipite pe suportul lor unul după altul. XV - lea  secol este o perioadă importantă în dezvoltarea de decor încrustat. La Florența va fi creată o școală specializată în decorarea încrustată: Intarsiatoris . Benedetto da Maiano a fost cel mai faimos reprezentant al procesului de incrustare: intarsia . Inlay (The atoppo Tarsia și Tarsia certosina ). Geometric întrețesut sunt fâșii pregătite în bloc și încrustate în masa lemnului ( atoppo Tarsia ). Reprezentarea unui oraș tratat în perspectivă este subiectul preferat al artiștilor din nordul Italiei și este produsă înainte de editare și apoi încrustată ( tarsia certosina ).
  • Tehnica cunoscută sub numele de "maur": Această tehnică constă în realizarea inciziunilor adânci care sunt umplute cu fileuri de pastă albă de fildeș numite "  maur  " sau "maur alb"; modelele preferate sunt înfășurările frunzelor foarte fine.

Mobilier actual

  • Piept (sau arc ): un element esențial al mobilierului, acesta este utilizat în același timp , ca un dulap , banc și bagaje. Poate fi echipat sau nu cu picioare și mânere sau cu una sau mai multe încuietori și are adesea doar un singur panou sculptat în față.
  • Buffet  : a XVI - lea  secol utilizarea cabinetului bufet devine din ce mai frecvente, în detrimentul dulap mai ostentativ și mai puțin eficient menținerea îmbrăcăminte și obiecte de valoare. Comoda utilă continuă să fie folosită în sufragerie și în bucătării. Este apoi căptușit cu sertare unde puteți depozita tacâmuri și ustensile utile la masă sau în bucătărie. Deși păstrează aceeași compoziție ca în Evul Mediu , partea superioară a corpului este puțin mai mică și se îndepărtează de corpul inferior.
  • Cabinetul  : Apoi , numim definitiv cabinet de mobilier cu două corpuri uniforme, formate din patru frunze. Dulapul ia treptat locul sifonierului în dormitoare și în sufragerie. Este alcătuit din două corpuri și are adesea o decorare abundentă.
  • Amvon  : în acest moment spătarul poate ascunde un piept .
  • Patul  : Elementul central al dormitor, patul este plasat pe o platformă . Astfel ridicat, este protejat de frigul pământului, apoi în teracotă. Întotdeauna depășit de un baldachin, susținut de coloane de colț, în general întoarse (pat cu bara).
  • dresser  : Funcția sa este similară cu cea a bufet ceremonial: ea este de două piese de mobilier ostentativ legate de obligațiile sociale ale gazdei , care trebuie să -și arate bogăția lui și să facă onoarea oaspeților săi. Comoda, la fel ca credenza italiană, este un ansamblu de rafturi dispuse în trepte și acoperite cu o țesătură de înaltă calitate, în general albă, destinată să prezinte un set de piese ceremoniale sau un serviciu. Dacă bufetul și masa de banchet au fost simple lucrări de tâmplărie efemeră, sifonierul este mai durabil și, echipat cu uși, rămâne în camera mare sau în dormitor odată ce masa este terminată.

Mobilier nou

  • Firma  : Apare în timpul ultimului trimestru al XVI - lea  secol. Conceput inițial ca un birou cu compartimente pentru scrisori sau documente, are mânere laterale pentru transportul și așezarea acestuia pe o masă. Arhitectura anilor 1580 a influențat puternic acest stil de mobilier, unde găsim același stil puternic și sobru.
  • Caquetoire sau caqueteuse: este un mic scaun rudimentar din perioada Renașterii , folosit pentru gâlceavă (chat). Apărut cu mobilier în stil Henry II , acesta este primul exemplar de fotoliu (neambalat) echipat cu cotiere în secolul  al XVI- lea și, de asemenea, faudesteuil a devenit scaun în 1636. Dosarul său este apoi înclinat cu aproximativ 12 grade pentru a spori confortul.
  • Fotoliu  : este un scaun , derivat din covor și fotoliu , prevăzut cu cotiere și spătar a cărui înălțime este redusă și nu mai depășește capul ocupantului. Pe acest tip de scaun apar primele accesorii în Franța (în Italia apar mai devreme).
  • Scaun Vertugadin  : sau vertugale este o replică a sgabello italian.
  • Învăluire scaun sau Dantesca (amintind de faudesteuil de îndoire al XII - lea și al XIII - lea  secole).
  • Tabelul  : este o „invenție“ a Renașterii . Evul Mediu le -a ignorat , care a creat un platou de zbor pe estacade atunci când este necesar. Acestea devin astfel secolul  al XVI- lea construit o piesă de mobilier, din lemn sau piatră, din care placa este fixată la capetele ei pe picioare adesea unite printr-o cruce în formă arcuită sau cu deschidere. Tabelul „ventilatorului”, al cărui model provine probabil din Italia , constituie apoteoza acestei inventivități. Picioarele dispuse de ambele părți ale vârfului se lărgesc treptat de la partea inferioară la partea superioară, luând apoi forma unui evantai , un pretext pentru prezentarea unui decor bogat sculptat cu suluri , frunziș și fructe, adesea atașat în mijloc de o pilastru canelat.

Emailuri pictate de la Limoges

Poreclit opus Lemovicense , „Munca de Limoges  “ , în limba latină , tehnica smalțului pe cupru a făcut averea acestui oraș la XII - lea și al XIII - lea de  secole, cu emailuri sale celebre champlevé , pseudo-champlevé sau cloisonné . După ce a avut un mare succes în Europa de Vest, orașul a fost lovit puternic de Războiul de Sute de Ani, înainte de a fi răpit de armatele lui Edward de Woodstock în septembrie 1370. Producția părea să fi încetat mai mult de un secol înainte de a reapărea în ultimul sfert al XV - lea  secol, dar în conformitate cu o tehnică diferită, emailuri sunt acum pictate pe plăci de cupru. Fără a fi cunoscute circumstanțele renașterii sale sau posibilele legături cu experiențele din secolul  al XV- lea în Franța , în Flandra sau Italia , tehnica apare imediat perfect controlată. Emailurile pictate au devenit, ca la vremea lor emailurile champlevé , monopolul atelierelor Limousin .

Primele emailuri vopsite sunt realizate prin intermediul unor emailuri colorate pe un email care, întins pe o placă de cupru, servește drept suport. Sunt mai multe picturi pe sticlă decât emailuri translucide. Așadar, nu este surprinzător să găsim la originea picturii smalțului producătorii de sticlă din Murano , Italia și pictorii de vitralii din Limoges . Dar, în timp ce în Italia , de smalț vopsele numai nici un progres, el a suferit în Limoges multe îmbunătățiri. În timp ce mulți artiști italieni și-au vopsit emailurile pe argint, emailurile Limousin au adoptat cuprul în foi subțiri, mai puțin costisitoare și, prin urmare, mai ușor de vândut. Caracterul comercial este într-adevăr foarte accentuat în primele produse care părăsesc atelierele de la Limoges .

Smalțul pictat devine secolul  al XVI- lea, specialitate aproape exclusivă a smalțului din Limoges . Ei sunt într-adevăr singurii care au profitat de tehnica smalțului pictat pentru a face din creațiile lor suportul reprezentărilor figurative.

În cazul în care smalțul, care nu este rezistent la șocuri, este potrivit pentru obiecte devoționale, este greu de potrivit pentru veselă utilitate: Ewers ., Cupe acoperite și farfurii sunt , prin urmare , obiecte de ceremonie, destinate a fi expuse și afișate, cum ar fi argintărie sau majolică italiană , bogăția, rafinamentul și cultura proprietarului lor.

Anii 1530-1540 sunt marcați de multe schimbări și reprezintă o adevărată epocă de aur. Partea inversă a plăcilor este acum acoperită cu un smalț din spate translucid. În continuitatea stilului Ludovic al XII-lea , emailatorii au perpetuat producția de obiecte religioase, dar au început, de asemenea, să creeze veselă: cupe, agitate de sare, precum și obiecte de uz personal, precum cutii.

Gri devine un mijloc privilegiat de exprimare și teme profane sau mitologice apar. În cele din urmă, stilul renascentist , cunoscut prin gravurile care inspiră compozițiile, este acum adoptat.

Studiul pieselor, uneori semnate, monogramate sau marcate cu semnele distinctive , și mențiunile găsite în arhivele Limousin , ne permit să identificăm principalele personalități artistice: Les Pénicaud, Colin Nouailher, Pierre Reymond sau Pierre Courteys . Cu toate acestea, congregațiile rămân din cauza omonimelor frecvente: inițialele IC ar putea acoperi, de asemenea, mai multe Jean Court dit Vergier. Rolul angajaților și producția de ateliere secundare rămâne relativ slab documentat.

Cel mai faimos emailator este Léonard Limosin , prin diversitatea și calitatea producției sale, în special portretele sale remarcabile. Introdus de episcopul de Limoges Jean de Langeac la instanța Franței în jurul valorii de 1535, a lucrat pentru François I st și Henry al II - lea , și pentru personaje mari , cum ar fi Constable Montmorency . În imitația lor, gustul pentru smalț atinge o clientelă aristocratică

În mijlocul XVI - lea  lea, Limoges smalțului este apreciat in toata Europa . Astfel, un serviciu, cuprinzând un tufiș , o tavă și mai multe cupe, făcut pentru familia Tucher din Nürnberg, a fost trimis la Limoges între 1558 și 1562 pentru a fi smălțuit în atelierul lui Pierre Reymond , înainte de a fi montat de aurarul Wenzel Jamnitzer .

La începutul XVII E  secolului , producția rămâne importantă cantitativ, dar nu ajunge la mai mult decât în mod excepțional nivelurile de calitate și inventivitate secolului precedent: Acesta este apoi adresează unei clientele mai puțin aristocratică.

Bijuterii și argintării

În orfevrărie, maestrul Pierre Mongo execută cutii acoperite cu sidef pe un miez de lemn. Suporturile din argint aurit suportă mici portrete tondo distribuite în jurul perimetrului.

Sub impulsul lui Henri al II-lea și apoi al lui Carol al IX-lea, aurarul a devenit o artă foarte realizată și căutată, deoarece rezumă într-un spațiu mic o artă rafinată ale cărei lucrări sunt ușor de transportat.

François Briot este considerat, cu faimoasa sa ape și bazinul său, drept liderul școlii de ceramică din cositor din Lyon. Probabil a părăsit Lyon în jurul anului 1572 și s-a regăsit în Damblain , unde a fost raportat în 1576 și 1578. Pe lângă monedele din județul Montbéliard , a gravat câteva medalii , atât în Montbéliard , cât și în Stuttgart , o piatră prețioasă pentru coroană. din Anglia . Ca un olar cositorite , în plus față de „cumpătare“ bazin și Ewer , care aparțin , respectiv la Luvru și muzeele Écouen , îl datorăm așa-numita „ martie  “ Ewer , a cărui copie este păstrată. La muzeu Nuremberg , și bazinul său, al cărui muzeu Montbéliard are o copie. Știm despre existența unei matrițe pentru o vază și a alteia pentru un agitator de sare.

Arta vitraliilor

Noel Bellemard  : modele și cutii pentru Judecata lui Solomon și vitraliile sale din Saint Gervais-Saint Protais din Paris .

Engrand Leprince  : Vitrail Carol al V-lea , la Insula Adam.

Limba și literatura

Regele Francisc I s-a mutat mai întâi la Fontainebleau , unde a transferat biblioteca regală. François I st lucru foarte mult pentru limba franceză  : în 1539 , el a semnat decretul de Villers-Cotterets , dând limba franceză său statut de limbă a legii și administrației . Una dintre cele mai caracteristice trăsături ale Renașterii în Franța și una dintre cele mai durabile este apariția francezei ca singură limbă oficială , statut acordat de suveran. Cu toate acestea, marea majoritate a populației - în special în provincii - continuă să vorbească dialecte (Picard, Norman  etc. ) și alte limbi decât franceza (așa este, de exemplu, în teritoriile de langue d'oc unde vorbim occitană ). În același timp, Du Bellay a denunțat italianizarea limbii franceze.

Printre cei mai cunoscuți scriitori ai Renașterii franceze pot fi citați François Rabelais , Marguerite de Navarre , Clément Marot , Maurice Scève , Louise Labbé , Pierre de Ronsard , Joachim du Bellay , Étienne de La Boétie și Michel de Montaigne .

Pentru a vedea :

Educaţie

Universitatea din Paris , păstrând în același timp prestigiul câștigat în al XIII - lea  secol ( Toma d'Aquino ) se află în spatele mișcării renaștere a altor universități europene , inclusiv Salamanca , Leuven. Reînnoirea a devenit efectivă în anii 1530, când am simțit că se manifestă efervescența intelectuală. Parisul era atunci principalul oraș universitar din Europa , cu multe colegii (în jur de 80). Ignace de Loyola decide să studieze la Universitatea din Paris , în principal datorită prestigiului pe care această universitate îl păstrează în Europa , dar și datorită unei toleranțe mai mari. François Xavier , discipol al lui Ignace de Loyola , și-a primit pregătirea și la Universitatea din Paris .

De Iezuiții iau această tradiție a educației, respectând moștenirea lui Thomas Aquinas: Pierre Favre este un elenist, și este foarte familiarizat cu scolastic filosofie , precum și filozofia lui Aristotel .

Pentru a vedea :

Mari descoperiri: expediții franceze

Participarea Franței la marile descoperiri a fost făcută, din motivele menționate deja, cu un spate al țărilor din sudul Europei.

În timp ce Portugalia a stabilit o primă colonie în Africa de Nord încă din 1415 , și a pornit pe explorări în jurul Africii , în timp ce navigatorii spanioli au ajuns America Centrală și de Sud , înainte de sfârșitul XV - lea  secol , Franța a așteptat până la sfârșitul lui 1523 , pentru a trimite Giovanni da Verrazzano , în franceză Jean de Verrazane pentru a explora zona dintre Florida și Newfoundland . Această expediție a fost comandată de regele François I er pentru a descoperi un acces cu vedere la Oceanul Pacific .

Amenajarea navei lui Jean de Verazzane , La Dauphine, are loc în Le Havre . A plecat de la Dieppe în iunie 1523, a ocolit Bretania, apoi s-a îndreptat spre sud, spre Golful Biscaya . Aleargă de-a lungul coastei de nord a Spaniei și se îndreaptă spre Madeira, unde se oprește pentru realimentare. După ce a amânat plecarea sa de două ori, pe 17 ianuarie 1524, la bordul La Dauphine , el sa angajat apoi traversarea Atlanticului , în fruntea unui echipaj de aproximativ cincizeci de marinari, care a finalizat aproape Cape Fear la 1 st martie 1524.

După o scurtă ancorare, a navigat spre nord de -a lungul coastei a ceea ce este acum Carolina de Nord și a crezut că poate vedea Oceanul Pacific în spatele unei fâșii înguste de pământ. Acesta a fost de fapt doar laguna de Pamlico Bay , lungă de o sută treizeci de kilometri și a căror lățime ajunge în locuri de 48 de kilometri, separate de Atlantic de Outer Banks , o bariera de insule de nisip. Această eroare a determinat proiectanții de hărți, începând cu Vesconte Maggiolo , în 1527, și fratele lui Giovanni, Girolamo da Verrazzano , în 1529, să reprezinte America de Nord aproape împărțită în două părți legate de un istm . Această interpretare greșită a durat un secol pentru a fi corectată.

Mai la nord, Verrazzano a descoperit, la 17 aprilie 1524, golful New York , pe care l-a numit „  New Angoulême  ” 8 (în prezent, podul Verrazano-Narrows amintește această vizită). Și-a continuat călătoria spre est, spre Maine , apoi Newfoundland și s-a întors în Franța.

Înapoi după șase luni de călătorie, Verrazzano pregătește o nouă plecare pentru a găsi un pasaj către Asia . Cu toate acestea, navele sale au fost rechiziționate pentru război și capturarea lui Francisc I st la bătălia de la Pavia termina acest proiect .

În 1525, Girolamo - fratele lui Giovanni Verrazzano - a desenat o hartă nautică a Mediteranei la Lyon .

În timpul captivității regelui Franței, Verrazzano a participat la curțile lui João III al Portugaliei și Henry VIII al Angliei. În timp ce Europa află povestea circumnavigației lui Magellan și a descoperirii Moluccilor , Spania l-a trimis în aprilie 1526 pe Sebastian Cabot să găsească o cale spre Pacific. În primăvara anului 1526, Verrazzano s-a întors în Franța, unde s-a conturat un nou proiect sub egida amiralului Philippe Chabot și a armatorului Jean Ango .

În iunie 1526, Verrazzano a părăsit din nou mările Europei împreună cu fratele său Girolamo și trei nave pentru a încerca să traverseze Capul Bunei Speranțe . O furtună și o revoltă îi împiedică pe frații Verrazzano să avanseze, dar a treia navă ajunge în Oceanul Indian . Dorind să ajungă în Madagascar , se leagănă spre est și nord până la Sumatra înainte de a se întoarce spre Maldive . Echipajul este naufragiat în Madagascar de unde unii supraviețuitori ajung în Mozambic . În acest timp, frații Verrazzano urcă pe coasta Africii pentru a merge în Brazilia , unde încarcă pernambuco . În septembrie 1527, s-au întors în Franța.

O ultimă călătorie din 1528, povestită de Girolamo da Verrazzano , îi conduce spre Antilele (probabil Guadelupa ) unde se spune că Giovanni a fost ucis de canibali indigeni .

În 1532 , când izbucnește un război între coroana Portugaliei și armatorii normande din Brazilia , un Jacques Cartier , fiul pescarului de cod St. Malo, este prezentat lui François  I er de Jean Le Veneur , episcop de Saint-Malo și stareț al Mont-Saint-Michel . Aceasta evocă călătorii pe care Cartier le-ar fi făcut deja „în Brazilia și în Newfoundland”, pentru a afirma că a fost „capabil să conducă navele spre descoperirea de noi pământuri în lumea nouă”. Primind un comision de la regele Franței și devenind în acest sens succesorul lui Giovanni da Verrazano , Cartier va conduce, pe cheltuiala regelui, trei călătorii în America de Nord între 1534 și 1542 , în speranța că va găsi un pasaj pentru Asia. , Dacă nu bogăție.

În 1534, în timpul primei sale expediții în America  : Jacques Cartier a descoperit Canada, care va fi numită apoi noua Franță . După doar douăzeci de zile de traversare (din 20 aprilie până în 10 mai), Cartier a ajuns la Newfoundland , cu cele două nave ale sale și un echipaj de 61 de oameni. El explorează temeinic Golful Sfântului Laurențiu din 10 iunie . La data de vineri , deschisă 24 luna iulie , el a descălecat în Gaspé , a plantat un treizeci picior crucii , susținând regiunea pentru regele Franței . Trupele franceze se întâlnesc acolo cu iroqui din St. Lawrence , care au venit să pescuiască, care îi întâmpină fără prea multă plăcere. Șeful Amerindian, Donnacona , după proteste, i-a permis în cele din urmă lui Cartier să aducă doi dintre „fiii” săi în Franța. Întoarcerea la Saint-Malo se face pe 5 septembrie după o altă scurtă traversare de 21 de zile.

O a doua călătorie a avut loc în 1535 - 1536 și a început pe 19 mai. Această expediție a inclus trei nave, La Petite Hermine (60 tone), L'Émérillon (40 tone) și nava care a purtat Cartier, Hermine Grande (120 tone). Cartier urcă apoi pe cursul Sfântului Lawrence , descoperind că navighează pe un râu când apa devine proaspătă. Pe 3 septembrie, el a raportat în jurnalul său că a văzut belugă în râu.

Pe Île d'Orléans , pe 7 septembrie , în fața Stadaconé , găsim Donnacona . Unii dintre bărbați rămân și construiesc un fort, pregătindu-se pentru prima iernare cunoscută a francezilor din Canada . Cartier a continuat să urce râul pe Émérillon , al cărui proiect de curând l împiedicat să continue dincolo de lacul Saint-Pierre  : el a ancorat Émérillon acolo , iar echipajul a continuat în bărci.

La 2 octombrie 1535, Jacques Cartier și tovarășii săi au sosit în regiunea stabilimentului numit Hochelaga . La căderea nopții, toți se retrag la bordul bărcilor. A doua zi dimineață devreme, împreună cu domnii săi și douăzeci de marinari înarmați, Cartier pleacă pe jos către acest sat, pe o cărare bine întinsă. Mergând la două leghe (aproximativ 8  km ), pot vedea în cele din urmă acest sat palisat cu trunchiuri de copaci , pe un deal și înconjurat de pământ cultivat, plin de porumb (cunoscut sub numele de porumb ), așa cum va descrie peisajul din jurul Hochelaga . El va numi Mont Royal , acest munte al insulei și orașul care astăzi se numește Montreal .

Satul are în zidul său circular o singură ușă de intrare (ieșire). Există aproximativ cincizeci de „ case lungi ” comunitare   . Șeful satului afirmă că se poate continua să urce râul spre vest timp de trei luni și, din râul Ottawa , să se îndrepte spre nord și să intre într-o țară în care există aur (care este actuala mare regiune a Abitibi ).

Relațiile cu iroquoienii din St. Lawrence sunt bune, în ciuda unor dispute minore, care nu degenerează niciodată în violență. Cartier, cu toate acestea, descoperă primele scalp în Donnacona lui casa . De asemenea, el gustă tutun acolo , ceea ce nu-i place. Iarna Americii de Nord ajunge și îi surprinde pe francezi, râul îngheață și prinde corăbiile.

Cartier și oamenii săi iernează lângă râul Sainte-Croix (acum cunoscut sub numele de râul Saint-Charles , în Quebec ). Bărbații suferă de scorbut , și iroquoienii sunt afectați de el, francezii mor în timp ce amerindienii se descurcă mult mai bine. Cartier, cruțat, descoperă că Micmac-urile se tratează cu o infuzie de ace și scoarță de pin. El a aplicat tratamentul oamenilor săi și în curând vindecările s-au înmulțit. În aprilie, Cartier ia forța lui Donnacona pentru a-i prezenta lui François I er împreună cu „fiul” (nepoții?), Precum și cu alți șapte iroși  ; apoi, profitând de dezgheț, a pornit spre Franța, abandonând La Petite Hermine , „din lipsa unui echipaj suficient de mare” (25 din cei 110 membri ai echipajului muriseră de scorbut). După ce a trecut prin Saint-Pierre-et-Miquelon , s-a întors la Saint-Malo în iulie 1536 , crezând că a explorat o parte din coasta de est a Asiei .

Istoric Site - ul Cartier-Brébeuf National comemoreaza acest iernarea Jacques Cartier. A treia călătorie are loc între 1541-1542. Organizarea expediției a fost încredințată lui Jean-François de La Rocque de Roberval , un om de curte, ceea ce Cartier nu era. De data aceasta va fi doar a doua a lui Roberval. Colonizarea și propagarea credinței catolice devin cele două obiective. Donnacona a murit în Franța în jurul anului 1539 , la fel ca și alți iroquoieni din St. Lawrence , alții erau căsătoriți acolo, niciunul nu se va întoarce din Franța. Pregătim expediția, armăm cinci nave, îmbarcăm vite, eliberăm prizonieri pentru a face coloniști. Roberval rămâne în urmă în organizație și Cartier devine nerăbdător, apoi decide să se îmbarce în ocean fără să-l aștepte. După o traversare dezastruoasă, a ajuns în cele din urmă la locul Stadaconé în august 1541 , după trei ani de absență. Reuniunea este caldă în ciuda anunțului morții lui Donnacona, apoi relațiile se deteriorează și Cartier decide să se stabilească în altă parte.

A construit Fort Charlesbourg-Royal la confluența dintre Saint-Laurent și râul Cap Rouge , pentru a se pregăti pentru colonizare. Curând, iarna ajunge și Roberval este încă invizibil, împreună cu restul expediției. Între timp, Cartier acumulează „aur și diamante”, pe care le negociază cu iroquoienii din St. Lawrence , care spun că i-au ridicat lângă tabără. În 1542 , Cartier a rupt tabăra și l-a întâlnit pe Roberval în Newfoundland . În ciuda ordinului dat de acesta din urmă pentru a se întoarce și a se întoarce în Saint-Laurent , Cartier a pornit spre Franța.

De îndată ce a ajuns în Franța, a evaluat minereul, aflând că a adus doar pirită și cuarț , fără valoare. Nefericirea sa este la originea expresiei „false ca diamantele din Canada” ... și a toponimului actual, „  Cap Diamant  ”, pentru a desemna capătul estic al promontoriului din Quebec.

Cartier s-a retras apoi în conacul său Limoëlou din Rothéneuf , lângă Saint-Malo. Se presupune că a fost înnobilat, pentru că este calificat ca Sieur de Limoilou , într-un act al capitolului din Saint-Malo , datat29 septembrie 1549; într-un alt act, datat5 februarie 1550, poartă titlul de om nobil.

A murit la 1 st luna septembrie 1557 , probabil de ciuma care a lovit orașul în acel an. Presupusele sale rămășițe, găsite în 1944 , se odihnesc astăzi în catedrala Saint-Malo . Potrivit unui extras din hârtiile de familie ale lui Garnier de Fougeray, este scris că trupul său a fost îngropat în aceeași zi a morții sale, în catedrală, de ruda și prietenul său Michel Audiepvre.

Arta de a trăi

Perioada Renașterii corespunde unei reînnoiri profunde a modului de viață. În toată Europa apar noi fructe și legume . Gastronomie și veselă evoluează treptat. De asemenea, obiceiurile vestimentare se schimbă.

Economie

Dezvoltarea urbană la Paris în această perioadă (străzi mai mari, case burgheze, primării), a favorizat dezvoltarea afacerilor (brutari, măcelari, chiriași). Burghezia se îndreaptă din ce în ce mai puțin spre comerț și din ce în ce mai mult către lege.

Note și referințe

Note

  1. Termenul cuvântului desemnează în arta sculpturii clasice diferitele elemente arhitecturale sculptate, compuse inițial dintr-un bust uman, în lipsa zeului Hermes sau fiind un mitologic fără brațe, care se termină într-o teacă (uneori formând un piedestal ).
  2. La începutul anilor 1590, termenii propuși de Sambin au devenit referințe celebre. Alte cifre ale termenilor sunt propuse de Boillot în 1592, precum și variații bestiale de Dietterlin.

Referințe

  1. Michelet, Renaștere și Reformă
  2. „  http://lionel.mesnard.free.fr/le%20site/4-1-paris-renaissance-1.html  ” ( Arhivă • Wikiwix • Archive.is • Google • Ce să faci? ) .
  3. Robert Ducher ( fotogr.  Pierre Devinoy), Caracteristicile stilurilor , Paris, Flammarion ,1963, 410  p. ( ISBN  978-2-08-011359-7 ) , p.  80.
  4. Misiunea din Valea Loarei - Unesco, „  Carol al VII-lea și Ludovic al XI-lea - Sediul puterii regale din Valea Loarei  ” , pe valdeloire.org ,Mai 2017(accesat la 2 martie 2020 )
  5. Jean-Pierre Babelon, Castelele Franței în secolul Renașterii , Paris, Flammarion / Picard, 1989/1991, 840  p. , 32 cm ( ISBN  978-2-08-012062-5 ).
  6. Léon Palustre ( ed. ), L'architecture de la Renaissance , Paris, 7 rue Saint-Benoît, fostă casă Quentin, Combined Booksellers-Imprimerie,1892( ISBN  978-1-5087-0118-7 )..
  7. INHA , goticul Renașterii .
  8. Alain Erlande-Brandenburg , arhitectură romanică, arhitectură gotică , Jean-Paul Gisserot, 2002, ( ISBN  978-2-87747-682-9 )
  9. Orașul dezvăluit - În jurul orașului nou al lui Carol al III-lea pe www.renaissancenancy2013.
  10. Robert Muchembled și Michel Cassan, Istoria modernă. Al XVI - lea și XVII - lea  secole , T.  1, Paris, Bréal, col.  „Marele Amphi”,28 aprilie 2000, 416  p. , 24 × 18 × 2,1  cm ( ISBN  978-2-85394-730-5 , citiți online ).
  11. Coloana trunchiului din Périgord în timpul Renașterii. Între tradiția ornamentală și influența spaniolă, Mélanie Lebeaux, LOCVS AMŒNVS, 2009-2010.
  12. Jannic Durand, Arta evului mediu , Paris, Bordas ,1989, 111  p. ( ISBN  978-2-04-018507-7 ).
  13. Ghidul patrimoniului Centru Val de Loire , Paris, Hachette ,1992, 711  p. ( ISBN  2-01-018538-2 ) , p.  436-439.
  14. (în) Harold Donaldson Eberlein, starețul McClure și Edward Stratton Holloway, The Practical Book of Interior Decoration , Philadelphia and London, JB Lippincott Company,1919, 424  p. ( ISBN  978-1-372-34503-6 ).
  15. Claude Wenzler ( fotogr.  Hervé Champollion), Arhitectura grădinii , Paris, Ouest Franța, col.  "Arhitectură",Februarie 2003, 32  p. , 23 × 16,5 × 0,3  cm ( ISBN  978-2-7373-3177-0 ) , p.  12
  16. Anul Wenzler , p.  14.
  17. Michel Melot, Michel Saudan, Sylvia Saudan-Skira, Castele în Pays de Loire: arhitectură și putere , Biblioteca de arte,1988, p.  151
  18. Sectorul protejat (orașul superior) din Bar-le-Duc păstrează zeci de conace construite în timpul Renașterii /
  19. Claude Mignot, Daniel și Sophie Rabreau Bajard, Modern Times al XV - lea  -  al XVIII - lea  secole , Paris, Flammarion , coll.  „Istoria artei”,6 octombrie 2010, 575  p. ( ISBN  978-2-08-012181-3 ).
  20. Nicolas d'Archimbaud , Luvru , Franța Loisirs ,1998, 335  p. ( ISBN  2-7441-1984-9 ) , p.  100.
  21. „  Aripa cunoscută sub numele de Belle Cheminée  ” , pe www.chateau-fontainebleau-education.fr (accesat la 18 mai 2021 )
  22. Marc Durand și Geneviève Mazel , „  Raray et son château  ”, Bulletin du GEMOB , Beauvais, n os  90-91,2001, p.  12-13, 16 și 25-30. Conține mai multe articole, fiecare semnat de unul dintre cei trei autori.
  23. „  L'Ecole de Fontainebleau  ” , pe www.grandpalais.fr (accesat la 18 mai 2021 )
  24. Sylvie Béguin (1919-2010), „  École de Fontainebleau  ” , pe universalis.fr (accesat la 4 mai 2017 ) .
  25. Laure Beaumont-Maillet, Gisèle Lambert și Jocelyn Bouquillard , Desene renascentiste: Colecția Bibliotecii Naționale a Franței, Departamentul de Imprimare și Fotografie , Paris, Biblioteca Națională a Franței,Februarie 2004, 296  p. , 29 × 25  cm ( ISBN  978-2-7177-2274-1 ).
  26. Gonzague Saint Bris , François 1 st și Renașterii , Telemah Publishing, 2008 , 475 p.
  27. Jean-Pierre Samoyault, Ghidul Muzeului Național al Château de Fontainebleau , întâlnire a muzeelor ​​naționale, Paris, 1991, p.  99
  28. Jacobson 1994 , părțile III și IV.
  29. Ghid pentru castelele din Franța: Yonne , Paris / 1986, Hermé,1986, 138  p. ( ISBN  978-2-86665-028-5 și 2-86665-028-X ).
  30. Maxime Georges Métraux, „  Decorațiile pictate ale castelului Ancy-le-Franc (c. 1550-c. 1630)  ” , pe https://grham.hypotheses.org ,12 aprilie 2016(accesat la 4 mai 2017 ) .
  31. Anul Wenzler , p.  13.
  32. Gaëtane Lamarche-Vadel, Grădinile secrete ale Renașterii , Paris, l'Harmattan,1997, stele, simple și minuni.
  33. Citat de Philippe Prévôt, Istoria grădinilor , p.  69 .
  34. Philippe Prévôt, Istoria grădinilor , p.  70 .
  35. Provost, Istoria grădinilor , p.  104 .
  36. Diane, „  Grădinile castelului Blois: mărirea cadrului  ” , pe chateaux-jardins-etc.overblog.com , Elegant press © 2012,2012(accesat la 3 mai 2017 ) .
  37. Sonia Lesot și Henri Gaud , Chenonceau: Gardens of the Renaissance , Gaud,13 mai 2005, 166  p. ( ISBN  978-2-84080-120-7 ) , p.  102<.
  38. Philippe Prévôt, Istoria grădinilor , p.  107-08 .
  39. LM Golson, Serlio, Primatice, and the Architectural Grotto , în Gazette des Beaux-Arts, februarie 1971, p.  95 .
  40. Thomas Clouet 2012 , p.  209-212.
  41. Site-ul oficial al castelului
  42. Jean-Pierre Samoyault 1991 , p.  ??
  43. lucrare colectivă sub conducerea lui Jean-René Tronchet, Peru Jean-Jacques și Jean-Michel Roy, Grădinărit în regiunea Paris - XVII - lea de a XX - lea  secole Créaphis ediții, Paris, 2003, p.  49-50 , ( ISBN  978-2-913610-18-7 )
  44. Claude Mollet, Théâtre des plans et jardinages: conținând secrete și invenții necunoscute tuturor celor care până acum s-au străduit să scrie despre acest subiect, cu o descriere a astrologiei, potrivită pentru tot felul de oameni și în special pentru cei care sunt cultivarea grădinilor , p.  202-203 , chez Charles de Sercy, Paris, 1652 ( citește online )
  45. André Du Chesne, Antichitățile și cercetările celor mai remarcabile orașe, castele și locuri din toată Franța, în conformitate cu ordinea și primăvara parlamentelor uict , p.  219-224 , la Nicolas și Jean de la Coste, Paris, 1631 ( ediția a 6- a ) ( citiți online )
  46. „  Château de Villandry  ” , aviz nr .  PA00098286, baza Mérimée , Ministerul Culturii din Franța
  47. Comitetul Parcurilor și Grădinilor din Franța .
  48. Potrivit lui Yves-Marie Allain și Janine Christiany, The Art of Gardens in Europe , p.  610 .
  49. „  Școala Fontainebleau  ” , pe italieaparis.net , Paris, 28, rue Château Landon, 75010, compania DRI (consultată în iunie 2017 ) .
  50. Jean-François Solnon, Curtea Franței , Fayard, 1987, 734 de pagini. Citiți pagina 90
  51. Foaie Pietà pe site-ul muzeului Luvru.
  52. E. Beauseigneur , "  Rosso Fiorentino la castelul Fontainebleau  ", Dossier de l'art , n o  184,aprilie 2011, p.  92-95
  53. Trusă de presă pentru expoziția Italia la curtea Franței - Primatice, maestrul Fontainebleau, 1504 -1570 , Paris, Muzeul Luvru, 25 septembrie 2004 - 3 ianuarie 2005 (descrierile și completările sunt incluse aproape în întregime)
  54. Carmelo Occhipinti , Primaticcio e arte di gettare le statue di bronzo. Il mito della 'seconda Roma' nella Francia del XVI secolo , Roma 2010
  55. Babelon 2006 , p.  ?
  56. „  Descrierea frescelor  ” , pe site-ul serviciului educațional din domeniul Chaalis (consultat la 29 august 2010 )
  58. Vincent Pomarède , 1001 picturi la Louvre: Din antichitate și până în XIX - lea  secol , Paris / Milano, Editions Louvre2005, 331  p. ( ISBN  2-35031-032-9 ) , p.317
  59. Iluminările Luvrului , p.  246
  60. Leproux, 2001
  61. Leproux, 2001, p.  112
  62. Myra D. Orth , „  Manuscrisele Renașterii franceze: Atelierul de lucru din anii 1520 și Maestrul epistolelor Getty  ”, Jurnalul J. Paul Getty Museum , vol.  16,1988, p.  33-60
  63. Henri Zerner , Arta Renașterii în Franța: invenția clasicismului , Paris, Flammarion ,4 octombrie 1996, 414  p. , 2,85 × 2,24 × 0,35  cm ( ISBN  978-2-08-010686-5 ).
  64. Michèle Grandin, „  Vărul Jean, tatăl (1490 aprox. Aprox. 1560) și fiul (1522 aprox. Aprox. 1594)  ” , pe Encyclopædia Universalis [online] (consultat 26 iunie 2017 ) .
  65. Louis-Gabriel Michaud dir., Biografie universală, antică sau modernă , t.9, Paris, 1855, p.  391 .
  66. Pictor și sculptor adesea comparativ cu Dürer (1490-c. 1560)
  67. Perseus, The two Jehan Cousins ​​(1490-1560 - 1522-1594), An 1909, Volumul 53, paginile 102-107
  68. „  Caron, Muzeul Web Antoine, Paris  ” , Ibiblio.org,14 iulie 2002(accesat la 8 noiembrie 2014 ) .
  69. Vincent Pomarède , 1001 picturi la Louvre: Din antichitate și până în XIX - lea  secol , Paris / Milano, Editions Louvre2005, 576  p. ( ISBN  2-35031-032-9 ) , p.  92
  70. (în) Frances A. Yates, „Picturile lui Antoine Caron pentru arcul triumfal”, Jurnalul Institutelor Warburg și Courtauld , 1951, 14 (1/2), p.  132-134 .
  71. (în) „  Am avut deja în altă parte ocazia de a-mi spune părerea că revizuiește unele dintre tablourile domnului Ehrmann atribuite lui Caron Poate că ar putea fi de alte mâini. Încă îmi este greu să cred că masacrul de la Beauvais , cu arhitectura sa puternic flamandă, poate fi un produs al Școlii franceze și nu mă simt convins că Semele , Carruselul cu elefantul și Martiriul lui Sir Thomas More sunt neapărat de mâna lui.  »Recenzie a lui Antoine Caron Painter la Curtea din Valois 1521-1599 de Jean Ehrmann de Anthony F. Blunt în The Burlington Magazine , noiembrie 1956, 98 (644), p.  418 .
  72. „  Antoine Caron, Workshop of National Gallery of Canada  ” , Cybermuse.beaux-arts.ca (accesat la 8 noiembrie 2014 ) .
  73. A se vedea: La Gazette des beaux arts, 1876-2, p.  361 .
  74. „  Inventar general: Mormântul lui Thomas James  ” , aviz nr .  IM35004610, baza Palissy , Ministerul Culturii din Franța
  75. Muzeul Renașterii: prelucrarea lemnului de la Château de Gaillon
  76. Muzeul Luvru: Capul Sfântului Petru?, Atribuit lui Antoine Juste .
  77. Foto rmn: Giusto Betti Antonio de (1479-1519), Juste Antoine (dit)
  78. André Mussat, „  pp. 54-64  ”, Annales de Bretagne , vol.  61, n o  1,1954, p.  54-64 ( citiți online )
  79. La gazette des beaux-arts , 1876-2, p.  363-364 .
  80. „  Mormântul lui Ludovic al XII-lea și al Annei de Bretania  ” , pe http://saintdenis-tombeaux.forumculture.net (accesat la 6 mai 2017 )
  81. „  Mormântul lui Ludovic al XII-lea, regele Franței și al Annei de Bretania, soția sa  ” , aviz nr .  PM93000171, baza Palissy , Ministerul Culturii francez
  82. Baza Mistral: fotografii ale bisericii din Oiron
  83. Sculptorul Jean Juste , p.  170-171 , New French Art Archives, 1872 ( citește online )
  84. A se vedea, La gazette des Beaux-arts, 1876, p.  559-569 .
  85. A se vedea: Buletin monumental, 1881, p.  853 .
  86. Dico , p.  373.
  87. Arlette Jouanna, La France de la Renaissance , Perrin, 2009, Paris, p.  143 .
  88. Renée Plouin, „  Bontemps Pierre (aprox. 1507 - apr. 1563)  ” , pe Encyclopædia Universalis [online] (accesat la 6 iunie 2017 ) .
  89. Pierre du Colombier , Jean Goujon , Paris,1951, după Charles Picard , „Jean Goujon et l'Antique”, Journal des Savants , 1951; avizul autorului de la Biblioteca Națională a Franței  ; Jean Goujon, anunț din Arhivele Franței .
  90. Thomas W. Gaehtgens, „  Goujon Jean (c. 1510 - c. 1566)  ” , pe Encyclopædia Universalis [online] (accesat la 6 iunie 2017 ) .
  91. Analele genealogiei , Ed. Christian, 3 - lea  trimestru 1986 p.  42-74 .
  92. "  Fântâna de Diana  " pe cartelfr.louvre.fr (accesat la 1 st martie 2015 )  ; "  A" Diana Anet "  " pe louvre.fr (accesat la 1 st martie 2015 )  ; Maurice Roy , „  Fântâna lui Diane din castelul Anet păstrată în Luvru și atribuită lui Jean Goujon  ”, Proces-verbal al sesiunilor Académie des Inscriptions et Belles-Lettres , vol.  65, n o  21921, p.  92 ( citește online ).
  93. De exemplu: Réveil 1869 care citează D'Argenville, Vie des famous architectes ... , 1787; Clarac , Descrierea istorică și grafică a Luvrului și a Tuileries , Paris, tipografia imperială,1853 .
  94. Jean Pierre Babelon ( dir. ), Germain Pilon , Paris, Beaux Arts, col.  „Arta franceză”,1927, 150  p..
  95. Geneviève Bresc-Bautier (ed.), Germain Pilon și sculptorii renascențiali francezi , Lucrări ale colocviului organizat de Serviciul Cultural al Luvrului în 26 și 27 octombrie 1990, ed. Documentația franceză, Paris, 1993
  96. Guy-Michel Leproux, „  O capodoperă de Germain Pilon găsită  ”, L'Estampille L'Objet d'art ,1992, p.  76-82.
  97. "  Hugues Sambin: creator în secolul  al XVI- lea  " , pe proantic.com , Proantic Copyright 201730 ianuarie 2016(accesat pe 29 iulie 2017 ) .
  98. Conferința: „În jurul figurii lui Hugues Sambin. Un tâmplar-arhitect al XVI - lea  lea „(trei-5 septembrie 2015, Besancon Universitatea din Franche-Comté).
  99. Monique Blanc, mobilier francez: Evul Mediu-Renaștere , Paris, Massin,1999, 92  p. , Hardcover în sacou, 21 × 28  cm ( ISBN  978-2-7072-0346-5 ).
  100. Hervé Oursel și Julia Fritsch, Henri II și les arts: Lucrările conferinței internaționale, școala Luvru și muzeul național al Renașterii-Écouen , La Documentation Française, col. „Întâlniri ale Școlii Luvru”, 2003.
  101. http://www.nitescence-meublesetpatine.com/siege-style-henri.php
  102. Paul Delsalle, Mediul în Franța al XVI - lea , al XVII - lea și al XVI - lea  secole , Ophrys,1995, p.  56.
  103. Pagina de prezentare istorică a „Bufetului”
  104. J. Storck (impr. De L. Maretheux), The Practical Dictionary of Carpentry, Cabinetmaking, Carpentry , Paris, Lardy, S.,1900, 969  p. , 280 × 200  mm ( ISBN  978-2-85101-071-1 ) .
  105. Muzeul Național al Renașterii: colecțiile
  106. Jacqueline Boccador, mobilier francez din Evul Mediu până la Renaștere , Paris, ediția Art Monelle Hayot,1988, 352  p. , 21,5 × 30  cm ( ISBN  978-2-903824-13-6 ).
  107. Castelul Écouen care găzduiește Muzeul Renașterii Écouen [1]
  108. Tabelul Farnese
  109. „  Smălțelile din Limoges în Evul Mediu  ”, Dossier de l'art , n o  26H,Noiembrie-decembrie 1995.
  110. Georges Bordonove , Regii care au făcut Franța - Valois - Charles V le Sage , t.  1, Pigmalion,1988.
  111. „  emailuri pictate din Limoges  ” , pe beaux-arts.dijon.fr , compania I-com interactive,februarie 2017(accesat la 18 iunie 2017 ) .
  112. „  emailuri pictate  ”, La Science Illustrée , nr .  653,2 iunie 1900.
  113. Manuel Ballesteros Gaibrois, Discovery of America , Vrin, 1968 - 339 pagini, p.  51 și următoarele. ( Citiți online ).
  114. (în) "  Giovanni da Verrazzano | Navigator italian  ” , Encyclopedia Britannica ,2008( citiți online , consultat la 6 ianuarie 2017 ).
  115. Jacques Habert , Viața și călătoriile lui Jean de Verrazane , Cercle du livre de France, Montreal, 1964, p.  182 .
  116. Jean de Verrazane: un Lyonnais descoperă site-ul din New York de Alain Bouchet, profesor onorific la Universitatea Claude Bernard Lyon-I, 2006.
  117. Comentariu la fresca din Lyon .
  118. Wroth, op. cit. p.  12-13 .
  119. Wroth, op. cit. , p.  273 și următoarele.
  120. Wroth, op. cit. , p.  228-235 .
  121. Michel Mollat, Giovanni și Girolamo Varrazano, navigatori ai lui François I er Paris, 1982, p.  122 .
  122. „  Portretul imaginar al lui Jacques Cartier  ” ( Archive • Wikiwix • Archive.is • Google • What to do? ) , Conform Library and Archives Canada . -  Curator curent  : Château Ramezay .
  123. Baron de La Chapelle, „Jean Le Veneur and Canada”, Nova Francia , vol. 6, 1931, p.  341-343 , dintr-un text genealogic din 1723.
  124. Câteva evenimente din 10 iunie
  125. Marcel Trudel, Jacques Cartier , în Enciclopedia Canadiană ( CE ).
  126. Philippe Dubé, Două sute de ani de vacanță în Charlevoix: istoria țării vizitate , Presses de l'Université Laval,1986, p.  17
  127. Hivernage (1535-1536): pe râul Saint-Charles , în actualul Lairet district, Limoilou district din Quebec oraș .
  128. Oligo-proantocianidine Infuzie anti-scorbut Micmacs .
  129. Pin idem .
  130. Marcel Trudel, Jacques Cartier , în Dicționarul de biografie canadiană ( DBC )
  131. Ibidem.
  132. Guerin 1846
  133. Frédéric Joüon des Longrais a găsit data morții pilotului Saint-Malo în marginea unui registru, din care iată extrasul: „Acest dict miercuri dimineața în jurul orei cinci a murit Jacques Cartier” - vezi cartea sa intitulat Jacques Cartier ... , p.  106 .
  134. Extras publicat de căpitanul Cleret de Langavant, „Documents to serve in the History of Saint-Malo”, Annals of the Historical and Archaeological Society of the Arrondissement of Saint-Malo, 1903, p.  88 .
  135. http://lionel.mesnard.free.fr/lesite/4-1-paris-renaissance-1.html

Vezi și tu

Bibliografie

  • O istorie a Renașterii , Jean Delumeau , Perrin, 1999 , ( ISBN  2-262-01288-1 )
  • La France de la Renaissance , lucrare colectivă care reunește cei mai buni istorici, France Loisirs, august 1998 , ( ISBN  2-7441-1743-9 )
  • Franța medievală , lucrare colectivă a unei echipe de istorici, academicieni și medievaliști renumiți, France Loisirs, august 1997 , tipărită în Italia, 2-7441-0884-7
  • Atlasul civilizației occidentale, Genealogia Europei , editat de Pierre Lamaison , mai 1995 , ( ISBN  2-7242-8528-X )
  • Le Grand Livre des explorateurs et des explorations , editat de Michel Gavet-Imbert și Perrine Cambounac, prefață de Paul-Émile Victor , France Loisirs, 1991 ,
  • Bourges, l'Histoire et l'Art , text de Jean Favière, ediții La goélette , 1996 , ( ISBN  2-906 880-40-X ) ,
  • Civilizația Europei și Renașterea , John Hale , Perrin, 1998 pentru traducerea franceză. ( ISBN  2-262-01471-X )
  • Atlasul istoric Nathan
  • Surse de idei secolul  al XVI- lea , Pierre Villey , Plon, Paris, 1912
  • Didier Le Fur , O altă istorie renascentistă , Paris, Perrin ,2018, 250  p. ( ISBN  978-2-262-07059-5 , prezentare online ).

Articole similare