Istoria muzicii clasice occidentale este limitată la sfera definită prin termenul „ muzică clasică “ acceptat de comun acord și care cuprinde muzica științifică, sacră precum și laic, de la origini și până în prezent.
Muzica a existat din cele mai vechi timpuri, probabil , chiar înainte de momentul primului său urme istorice. Nu există o civilizație care, mai devreme sau mai târziu, nu și-a dezvoltat propriul sistem muzical sau a adoptat unul adaptându-l la nevoile și gusturile sale.
La fel ca cel de „ muzeu ”, termenul „muzică” derivă din greaca veche Μοῦσαι / Moûsai („Muzele”). Conceptul occidental de muzică este, prin urmare, o aluzie la științe și arte care amintește de ideea unui lucru perfect, plăcut și bine ordonat.
Urmând muzica Greciei antice și cea a Romei antice , muzica clasică occidentală își găsește originea în cântecul creștin răspândit de comunitățile primelor secole. Unirea riturilor face ca muzica să evolueze către cântarea gregoriană , monodică și apoi apare primul sistem de scriere muzicală din Occident. Polifonia este implicat în următoarele secole, ceea ce necesită o scriere mai precisă, în formă de călugăr Guido d'Arezzo . Transmiterea muzicii populare, în special a trubadurilor , fiind orală, doar muzica sacră din Evul Mediu al școlilor succesive ( ars antiqua și ars nova ) a ajuns la noi. Pre-Renașterea a cunoscut dezvoltarea în principal a școlilor de muzică franco-flamandă care au fost la originea teoriei armoniei . În secolul al XVI- lea a produs unul dintre cele mai importante evenimente pentru diseminarea muzicii: crearea tiparului muzical . Este, de asemenea, secolul nașterii madrigalului, al cărui cel mai important reprezentant este Claudio Monteverdi, care este, de asemenea, la originea a ceea ce va deveni ulterior opera .
Dezvoltarea extraordinară a muzicii în secolele următoare a dus la perfecționarea compozițiilor lui Bach pentru perioada barocă până la moartea sa în 1750 și a lui Mozart pentru perioada clasică .
La începutul secolului XIX E domină personalitatea lui Ludwig van Beethoven . Este „sezonul marelui simfonism german”, precum cel al operei italiene (cu Gioachino Rossini și Giuseppe Verdi ) și al muzicii romantice . Sfârșitul secolului a dus la criza sistemului tonale așa cum se reflectă în preludiu la Tristan și Isolda de Wagner și este urmată de adoptarea, al doilea deceniu al XX - lea secol de Arnold Schoenberg și elevii săi, a unui nou sistem , dodecafonism . Acesta este începutul muzicii moderne ai cărui cei mai mari reprezentanți sunt Igor Stravinsky , Béla Bartók , Maurice Ravel și Claude Debussy pentru prima parte, apoi Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen , Olivier Messiaen și John Cage pentru faza serialismului integral.
Prima evocare a muzicii se găsește în textele sacre ale iudaismului despre Iubal sau Jubal, fiul lui Lamec și Ada, despre care se spune:
„... a fost tatăl tuturor celor care cântă la cetă și flaut ”
- Geneza 4,21,
Acest citat pare să se refere la o perioadă în jurul anului 3200/3000 î.Hr.
Dar este sigur că nașterea muzicii, ca formă de producție organizată a sunetului , este mult mai timpurie și probabil la fel de veche ca omul însuși, condusă de dorința de a folosi vocea sau instrumentele realizate special pentru a imita sunetele naturale: cântecul păsări , foșnetul frunzelor , bubuitul hieratic al tunetului .
Unele dovezi în această direcție pot fi deduse din constatările instrumentelor muzicale antice . În absența unor mărturii directe, observarea popoarelor al căror mod de viață este încă destul de similar cu cel din perioadele preistorice, precum indienii brazilieni , aborigenii din Australia sau anumite populații africane , permite unele ipoteze asupra formelor muzicii. .
Probabil că primele forme de muzică au apărut în mare parte din ritm : bătăile mâinilor și picioarelor pentru a imita bătăile inimii sau ritmul ritmic al picioarelor în alergare sau în galop; alterarea, prin joc sau plictiseală, a fonării spontane a interjecțiilor precum „eh! "," Ah! »... În timpul muncii obositoare sau monotone, cum ar fi bătut cerealele recoltate în făină, aplecându-se pentru a culege plantele sau a semăna semințele. Din această cauză și ușurința relativă a construcției lor, este foarte probabil ca primele instrumente muzicale să fie instrumente de percuție , probabil o anumită varietate de tobe .
Printre cele mai vechi instrumente găsite se află de fapt un tambur cu fantă, un cilindru gol cu o fantă longitudinală pe suprafața exterioară, care a fost jucat prin percuție cu bețe pe fantă. Cele mai vechi și primitive versiuni găsite constau dintr-un trunchi gol, fără o fantă, dar sprijinit transversal pe o gaură făcută în pământ și, fără îndoială, jucată prin percuție cu picioarele de către muzicienii cocoțați pe instrument.
Trebuie să așteptăm mai mult pentru a vedea apariția unor instrumente mai sofisticate. Primul care emerge după tobe erau instrumente de suflat ( flaut , corn ) și corzile ( harpă și titera ), din care există mărturii greacă , egipteană și mesopotamiană înainte de X - lea secol î. AD . Aceste civilizații cunosc deja principalele intervale dintre sunete ( al cincilea , al patrulea , al octavei ), folosite ca bază a scalei lor muzicale respective.
Muzica deține un loc important în viața socială și religioasă a Greciei antice . Pentru greci, muzica este una dintre artele majore alături de poezie , dans , medicină și practici magice . Rolul esențial al muzicii în lumea greacă este demonstrat prin numeroasele mituri care evocă această artă. Cel al lui Orfeu , care reușește datorită muzicii sale să-i convingă pe zeii lui Adès să-și readucă soția Euridice la lumina zilei , este considerat a fi mitul fondator al muzicii.
În perioada arhaică (origini în secolul al VI- lea î.Hr. ), muzica este interpretată doar de muzicieni profesioniști, menestreli și bardi , care declară mituri însoțite de un instrument și transmit muzică pe cale orală.
In timpul perioadei clasice (The VI - lea secol î.Hr.. IV - lea secol î. , Muzica a început să facă parte din sistemul de învățământ este , prin urmare , mult mai răspândită. Rămâne din această perioadă foarte puține surse referitoare la scrierea muzicală, aceasta fiind folosit doar de muzicienii profesioniști și transmisia fiind încă orală. Încă în perioada clasică, dezvoltă tragedia . Subiectele sunt luate în mitologie și constau în dialoguri între două sau trei personaje, alternând cu muzica corală . Actorii sunt toți bărbați și, purtând masca de teatru , recită textul însoțit de muzică. Structura arhitecturală a teatrului este alcătuită dintr-un nivel (koïlon) semi-circular pentru public situat în fața scenei (proskenion) unde actorii cântați între tribune și scenă este orchestra (orchestra) unde este ținut corul .
Printre instrumentele folosite de greci, lira , cetara și aulos sunt cele mai răspândite. Lira este un instrument cu coarde ciupite jucat folosind un plectru și unul dintre atributele lui Apollo . Aulos este un instrument de suflat cu dublă trestie similar cu oboiul actual folosit la banchete, înmormântări sau sacrificii religioase. De asemenea, sunt utilizate instrumente de percuție, cum ar fi tobe și cinale .
Grecii leagă muzica de matematică și de mișcarea stelelor . Pitagora a înțeles din observarea mișcării planetelor că muzica era, de asemenea, guvernată de legi matematice precise. El și-a aplicat intuiția asupra monocordului și a descoperit că, dacă o coardă produce un sunet de o anumită înălțime, pentru a obține un sunet în octava superioară trebuie să vibrați jumătate din coardă, pentru a obține a cincea este suficient să vibrați cele două treimi a frânghiei etc. Ar fi astfel la originea scalei bazate pe ciclul cincimilor.
La baza sistemului muzical grecesc se află tetracordul format din patru sunete descendente incluse într-un al patrulea interval corect. Cele două sunete extreme sunt fixe, în timp ce cei doi intermediari sunt mobili. Tetracordele sunt împărțite în diatonice , cromatice și enarmonice . Unirea a două tetracorduri formează un mod care poate fi doric, frigian sau lidian. În funcție de tipul de asociere, modurile pot fi la rândul lor comune sau disjuncte. Dacă într-un mod doric disjunct adăugăm un tetracord comun în treble, un alt tetracord comun în bas și o notă sub acesta din urmă, obținem sistemul „ teleion ”, sau sistemul perfect, îmbrățișând extensia a două octave.
Muzical ritmul se bazează pe cea a poeziei . În poezia greacă, metrica derivă din durata silabelor, scurte sau lungi: același fenomen se regăsește în muzică. Scurtul este echivalent cu nota a opta curentă și cea lungă până la nota de sfert . Ritmul se obține prin asocierea a două sau mai multe note sau silabe, ordonate într-un model ritmic numit picioare . În poezie, combinația diferitelor picioare formează versul și succesiunea mai multor versuri formează strofa .
Grecii, care îl consideră capabil să îmbogățească sufletul, atribuie muzicii o funcție educativă. Potrivit lui Platon , muzica ar trebui să servească la întărirea sufletului, deoarece gimnastica face corpul puternic. Acest discurs se dezvoltă în continuare cu doctrina etosului pentru care fiecare mod are un etos specific și poate influența pozitiv sau negativ sufletul. Pentru Platon, modurile naturii dorice sau frigiene influențează pozitiv, în timp ce modurile lidiene pot perturba echilibrul rațional. Aristotel acceptă clasificarea în etos, dar crede că toate modurile pot fi benefice sufletului.
Până atunci teoria muzicii este cunoscută exclusiv din punct de vedere matematic. Ulterior, Aristoxene din Taranto descoperă importanța urechii în percepția sunetelor.
În perioada elenistică asistăm la una dintre crizele substanțiale legate de fundamentele „Mousike” grecesc, însoțită de criza genului tragic . Prin urmare, întâlnim spectacole reale de actori care pun în scenă piesele unui repertoriu alcătuit.
În 146 î.Hr. AD Roma cucerește Grecia. Această dată marchează sfârșitul culturii grecești antice, dar este, de asemenea, un factor discriminator în cultura romană între un „înainte” și un „după”.
„Înainte” este marcat de prezența modestă, la Roma, a muzicii de origine etruscă sau italică , asociată cu spectacole indigene precum Atellanes sau Fescennins . Distribuția instrumentelor metalice pentru uz militar datează din această perioadă timpurie: bucla , de formă circulară, tuba cu țeava lungă dreaptă de bronz.
„După” se caracterizează prin sosirea multor muzicieni , intelectuali , artiști și filosofi greci la Roma, o consecință a cuceririi Greciei de către romani. Întregul sistem cultural roman, inclusiv cel muzical, este condiționat de cel al țării cucerite, cu diferențe oricât de esențiale. La fel, în domeniul dramatic, tragediile și comediile sunt compuse pe modelul grecesc, dar poartă nume diferite: coturnae grecești (denumite astfel pentru că actorii purtau „coturnes”), monodică și corală, cu caracter ritual, esențială în evenimentele publice solemne precum rioni , în sărbătorile religioase, în jocuri, devin paliați la Roma, de la numele veșmântului purtat pentru ocazie: paliul .
Muzica romană moștenește sistemul muzical al lumii grecești prin folosiri, forme și teorie. Pe de altă parte, în comparație cu simplitatea rafinată a muzicii grecești interpretate cu puține instrumente care să însoțească cântecul, muzica romanilor este, fără îndoială, mai plină de viață și mai colorată, amestecată cu elemente de origine italică și interpretată de ansambluri muzicale mari. prezența masivă a instrumentelor de suflat : a tibiei , stenoglose , lituus , tuba și utilizarea hydraule (organ hidraulic) și multe (și zgomotoase) instrumente de percuție . Acest lucru sugerează că muzica din Roma a fost foarte populară și a însoțit întotdeauna multe spectacole precum pantomima sau seturi de gladiatori . În timp ce pentru greci muzica era o componentă fundamentală a educației, romanii o considerau inferioară și o asociau cu petreceri și divertisment, mai degrabă decât cu pregătirea pentru vir .
Răspândirea creștinismului și, prin urmare, a cântecului creștin a avut un rol decisiv în istoria muzicii occidentale. Muzica corală este înrădăcinată în cântecul creștină a primelor secole. Citim în Sfintele Scripturi că cântarea era o practică obișnuită în riturile religiei ebraice : Hristos , la fel ca ucenicii săi, este el însuși descris ca un cantor :
„Și după ce au cântat imnul, au ieșit la Muntele Măslinilor”
- Marcu , 14, 22-26
Se poate face o paralelă între funcția muzicii din riturile primelor comunități creștine și funcția artei decorative, sintetice și stilizate de la începuturile oficiale ale creștinismului (după 313 ). În ambele cazuri argumentele credinței fac obiectul unor expresii artistice nonverbale care pot fi memorate cu ușurință chiar și de o congregație neliterată de origine umilă.
Acest mod de a cânta idei va continua de-a lungul secolelor pentru a contribui la participarea credincioșilor la acțiunea sacră, chiar și după ce limba latină a încetat de mult să nu mai fie de înțeles. De-a lungul timpului, funcției de didascalie hieratică (asociată cu scandarea celebrantului) și a muzicii participative, se va adăuga o funcție decorativă destinată solemnizării evenimentelor religioase prin caracteristicile și volumul sonor la care este posibil să se atribuie parțial succesul a unui instrument precum orga .
Deoarece notația muzicală nu va apărea decât cândva în mileniul al doilea, cântecul creștin din primele secole ne este complet necunoscut, iar o mare parte din ceea ce știm provine din presupuneri. Originea sa presupusă din ritul ebraic sugerează că liturghia din primele secole s-a bazat pe intonația formelor melodice tradiționale construite din mici variații (numite microtonale datorită amplitudinii lor mai mici decât un semiton) și în care ritmul a fost derivat din verbal ritmul liturghiei (acest proces se mai numește cantilație ). Putem, de asemenea, să presupunem că condiția clandestinității în care s-a practicat religia creștină a favorizat apariția multor variații ale ritului și, prin urmare, ale însoțirii muzicale de referință.
Situația s-a schimbat în 380 , când Edictul de la Salonic a impus religia creștină ca singură religie a imperiului. Din secolul al V- lea , creștinismul a început să ofere o structură care necesită unirea liturghiei și, prin urmare, muzica care face parte integrantă.
Putem presupune că forma inițială a muzicii liturgice este monodică (adică, conform termenului grecesc care înseamnă o singură voce, încredințată unui solist) și se bazează pe variații de intonație în jurul unei note. Fundamental (linia cântecului ), variații dictate de prozodia (sau accentuarea) cuvintelor textului sacru în stilul muzical cunoscut sub numele de silabic. Pe lângă acest stil muzical dominant în cea mai mare parte a Liturghiei, se suprapune un al doilea stil, rezervat inițial pentru momente cu un accent mai mare, cum ar fi Offertory, în care un solist cântă textul, în timp ce variază liber intonația pe aceeași silabă, într-o stil numit melismatic .
Transmiterea muzicii este încă orală și are loc în școlile de canto a căror prezență printre cele mai mari centre religioase este atestată încă din secolul al IV- lea . Dincolo de școala de origine, este probabil că arta improvizației fiecărui cântăreț a determinat în mare măsură muzica de utilizare liturgică.
La începutul în VI - lea secol există în mai multe influență liturgică de Vest, fiecare cu propriul rit ( Old Roman , Ambrosian la Milano, mozarabic Spania, celtice din Insulele Britanice, galican în Franța aquiléen în estul Italiei, Beneventan în sudul Italiei ...) . Tradiția spune că impulsul decisiv care duce la unificarea riturilor și, în consecință, a muzicii liturgice datează de la sfârșitul acestui secol, sub papalitatea lui Grigorie cel Mare ( 590 - 604 ).
În realitate, ar exista toate motivele pentru a crede că unificarea nu a avut loc decât aproape două secole mai târziu, la inițiativa lui Carol cel Mare și în urma unificării politice care a dus la nașterea Sfântului Imperiu . Atribuția lui Grigorie cel Mare ar fi fost introdusă pentru a depăși rezistența la schimbare a diferitelor cercuri bisericești, forțați să renunțe la propriile tradiții.
Rezultatul unificării a două dintre riturile principale, vechiul roman și galicanul, a fost codificat în antifonarul gregorian care conținea toate scandările admise în noua liturghie. Clasificarea muzicii sacre se realizează apoi după sistemul modurilor inspirate - cel puțin pentru numele lor - din modurile tradiției grecești (dorică, hipodorică, frigiană , hipofrigiană, lidiană, hipolidiană, mixolidiană, hipomixolidiană).
Reforma gregoriană a înlocuit studiul textelor pentru transmiterea orală practicat în școlile originale de canto, sacrificând, pe lângă particularitățile regionale (dintre care unele, în special cele ale ritului mozarabic, erau deosebit de bogate) și intonația microtonală (care a existat din nou în ritul „vechi-roman”), rolul improvizației. În același timp, apare nevoia de a „adnota” textele, pentru a-i ajuta pe cântăreți să cânte mereu muzica în același mod, cu o linie melodică care să indice direcția ascendentă sau descendentă. Această cerință dă naștere unor semne particulare, neumele (rezultând, se pare, din gesturile maestrului de cor), care, notate între liniile codicilor, reprezintă mișcarea melodiei lăsând libere intonația și ritmul.
Neumatic scris devine astfel primul muzical „Notația“ moderne (care va da ulterior termenul „nota“).
Reforma gregoriană nu împiedică îmbogățirea, în timp, a melodiilor monodice de bază datorită amplificărilor adăugând, în direcție orizontală, ornamentații la linia melodică și, în direcție verticală, alte voci la cântecul celebrantului.
Amplificarea orizontală ia forma interpolărilor de texte și melisme în melodia gregoriană ( tropi ) sau a compozițiilor originale din momente particulare ale liturghiei, cum ar fi Aliluia ( secvențe ).
Amplificarea verticală, care constituie începutul polifoniei (din greacă: mai multe voci) ia mai întâi forma unei dublări (difonie) a vocii monodice ( vox principalis ), de o a doua voce ( vox organalis ) la dezvoltarea paralelă și la o distanță fixă (a patra sau a cincea), conform procesului numit „ organum paralel”. Vox organalis (sau duplum ) situate inițial sub vox principalis ar fi devenit mai acută în timpul evoluțiilor succesive. Tratatul de la Musica Enchiriadis jumătate a IX - lea secol rapoarte ale „organum paralele“ și variații excepționale în mișcarea paralelă a votului.
Distanța de la regula mișcării paralele a vocilor este destinată să producă tehnici polifonice mai complexe: astfel a fost, în jurul anului 1100, tehnica decantului în care este acordată vocilor, care păstrează întotdeauna distanțele considerate consonante (a patra, a cincea) , octavă și unison), o mișcare mai liberă alternând între mișcare paralelă și mișcare opusă.
În același timp, apare o tehnică numită heterofonie, derivată probabil din cântecul popular, care încredințează duplului interpretarea melismelor în timp ce vox principalul cântă, cu valori de durată foarte prelungită, melodia originală. Această practică este documentată într - un codice italian al XII - lea și al XIII - lea de secole ca organum tratat Vaticanului și documentele de aceeași perioadă de la biserica Saint-Martial de Limoges . Acest stil va lua numele de melismatic organum .
Acestea nu au fost singurele modificări ale prescripției monodice gregoriene: la momentul și în locurile în care s-a dezvoltat organum melismatic, găsim exemple de utilizare a unei voci de dronă (o singură notă joasă care se extinde pe întreaga durată a compoziției) , de compoziții multitextuale numite trope simultane în care vocile cântă diferite texte, anticipând ceea ce va lua ulterior numele de motet și va schița scrierea pentru trei voci.
În Anglia, s-a născut în acest moment, un tip de polifonie foarte diferită de cea care s-a dezvoltat pe continentul european, care admite prin exagerarea lor intervalele de a treia și a șasea, considerate ca disonante pe continent. Această tendință, care se exprimă în compoziții pentru două ( gymel ) și trei voci ( dronă ), ar fi influențat apoi muzica flamandă și s-ar fi răspândit apoi în toată Europa, devenind baza muzicii occidentale (care se bazează pe acorduri cu trei note și a treia intervale).
Scrierea neumatică a dat frâu liber imaginației cititorului și a fost, prin urmare, nepotrivită pentru transcrierea compozițiilor de mare complexitate care au testat sever memoria cântăreților.
În lucrarea lui Guido d'Arezzo (v. 992 - v. 1050 ) se afirmă primul sistem de scriere diastematică, făcând posibilă indicarea diferitelor tonuri ale notelor care trebuie cântate. Guido d'Arezzo și-a numit sistemul tetragrammaton deoarece a inserat semne (care ar deveni note moderne) într-o grilă formată de obicei din patru linii paralele.
Este, de asemenea, acolo începutul utilizării notelor a căror scriere dă durata proporțională. La notele plasate pe și între rânduri, Guido d'Arezzo a atribuit, ca dispozitiv mnemonic pentru utilizarea elevilor, nume corespunzătoare silabelor inițiale ale primelor șase rânduri ale unui imn către Sfântul Ioan Botezătorul:
“ Ut UT queant laxis, re RE sonare fibris, mi MI ra gestorum, fa FA muli tuorum, sol SOL ve polluti, la LA bii reatum, si S ancte J ohannes . "
Adevărata inovație a lui Guido d'Arezzo este că nu numai că a dat un nume notelor, ci și că le-a dat o intonație relativă. Astfel, un cântăreț poate cânta o piesă nemaiauzită până acum la vedere, prin simpla relaționare a silabei imnului cu intonația notei cu care cântecul începe să aibă o idee imediată asupra tonicii.
Acest proces de memorare a luat numele de solmizare . În anii următori, Guido din Arezzo Tetragrammaton, inițial cu un număr variabil de linii, stabilizează cinci linii luând domeniul de aplicare și nota C este transformată în C, punând astfel fundamentul notației muzicale moderne.
Muzica Evului Mediu, indiferent dacă muzica religioasă sau seculară este transmisă în principal sub formă de manuscris, ceea ce o diferențiază de muzica Renașterii, care va beneficia de invenția tiparului.
Evul Mediu a produs o cantitate semnificativă de muzică laică monodică și polifonică: sărbătoarea domnilor; acompaniament de ceremonii oficiale sau spectacole scenice precum Jocul lui Robin și Marion ; sau muzică de dans precum estampie . Manuscrisul Carmina Burana prezent muzica laica scrisă în latină neumă fără linie de la goliards , clerici itinerant in jurul XIII - lea secol .
Până în secolul al XV- lea mai mult se cântă poezie decât se vorbește. Compozițiile trubadurilor , jonglerilor și Minnesänger , cântăreților și poeților, datând din secolul al XII- lea , dintr-o limbă diversă ( langue d'oc pentru trubadori, langue d'oil pentru trubadori, germană pentru Minnesänger ) au ca teme cântecele lor. , dragostea curtenească și frecventarea lor a curților seigneuriale, unde se dezvoltă această formă ritualizată și rafinată de dragoste.
Din secolul al XIV- lea, unele melodii seculare sunt integrate în compozițiile sacre polifonice ca masă sau motet: acesta este cazul cântecului Pistolul este ecou de Guillaume Dufay .
În 1150, o mare școală contrapuntică europeană de inspirație pitagorică s-a dezvoltat la Paris în jurul catedralei Notre-Dame , care a luat numele de școală Notre-Dame și s-a încheiat în 1320 cu ars antiqua (termen folosit în opoziție cu ars nova , un alt mare polifonic mișcare născută în secolul al XIV- lea ).
Una dintre caracteristicile esențiale ale școlii Notre-Dame este aceea de a fi introdus în notația muzicală tehnica care permite indicarea precisă a tonului notelor (încă relativă în opera lui Guido d'Arezzo), așa cum se găsește în scrierea modernă. și prima idee de împărțire a duratelor: fiecare notă poate fi acum împărțită în trei note de durată mai scurtă.
Léonin și Pérotin , cei doi mari compozitori ai școlii Notre-Dame sunt considerați a fi primii autori moderni de muzică sacră din istoria muzicii occidentale.
Trecento este secolul care a văzut în toată Europa , la începutul unei mișcări de secularizare a culturii, care începe să se îndepărteze de strânsoarea Bisericii să dobândească o dimensiune autonomă.
Acest fenomen se manifestă în toate aspectele producției artistice: în literatură este trecerea de la o reprezentare teologică a lumii ( Divina Comedie ) la comedia umană a Boccace ; în pictură trecem de la forme stilizate la dimensiunea materială a omului; în arhitectură nu mai construim doar lăcașuri de cult, ci și palate, orașe și locuințe aristocratice. În muzică este sfârșitul, în 1320, al ars antiqua cu cele două tratate: Ars novae musicae , cea a lui Jehan des Murs și cea a lui Philippe de Vitry care inițiază perioada ars nova .
Această școală a dezvoltat conceptul de notație mensuralistă , adăugând alte durate celor utilizate până atunci și extinzând aplicarea împărțirii binare a valorilor; Ea a accentuat , de asemenea , aspectele muzicale ale compozițiilor în comparație cu textele prin înmulțirea vocile cântăreților și prin introducerea, de exemplu, forma polytextual a motet . Aceste inovații au provocat rapid cu susținătorii antiqua o controversă al cărei ton a devenit atât de violent încât a fost necesară intervenția regală pentru a recâștiga calmul.
Punctul de vedere „arsnovist” a prevalat în cele din urmă și învățăturile sale au stat la baza inovațiilor muzicale care vor apărea în secolele următoare în Flandra .
Revoltele economice și sociale din secolul al XV- lea , războiul de sute de ani și dezvoltarea comerțului din nordul Europei reduc importanța Franței și impulsionează dezvoltarea artelor în general și a muzicii în special în regiunile Olandei burgundiene . Școala care s-a dezvoltat în centre muzicale din cadrul catedralelor, finanțată de burghezia bogată, a luat numele de școală franco-flamandă și a reînnoit cu mult formele preexistente de masă , motet și cântec. Plasând consonanțele cu treimi (încă cunoscute urechii occidentale astăzi) și forma imitativă a canonului la baza regulilor lor de compoziție, flamandii precum Guillaume Dufay , fondatorul mișcării sau Josquin des Pres au revoluționat practica polifoniei moștenit de la ars nova și ars antiqua . Munca lor este fundamentul a ceea ce va deveni teoria armoniei .
Complexitatea monumentală la care compozițiile flamande, cum ar fi motetul lui Johannes Ockeghem Deo Gratias, vor atinge 36 de părți egale, adică fără nici o dublare a liniilor melodice atât la unison, cât și în octavă, reguli codificate și taxonomie atentă utilizate pentru a clasifica formele întâlnite în cele din urmă se usuce și iau în considerare compozițiile artificiale din ultima perioadă flamandă la acel moment (între al XVI - lea și al XVII - lea secole ), lecțiile flamande sunt absorbite de alte școli europene și să devină o parte integrantă a polifoniei.
Producția muzicală italiană din acest secol nu este absolut documentată. Știm că muzica de utilitate a cunoscut o extindere în cursuri și, în general, în toate ocaziile seculare, dar partea muzicală încredințată, ca de obicei tradiției orale, este aproape în totalitate pierdută. Păstrăm din această perioadă canti carnascialeschi (cântece de carnaval) de Laurent de Medici , născut la Florența pe vremea Magnificului. Acestea sunt melodii populare cu mai multe voci: o adevărată polifonie în care toate vocile urmează același ritm (polifonie homoritmică ).
Apar diferite forme aproape monodice sau cel puțin cu o polifonie homoritmică mult mai simplă decât polifonia flamandă, în care textul prevalează asupra cadrului muzical. Una dintre cele mai populare este forma frottolei . Villanella care a fost numit inițial villanella alla napoletana este o formă în trei părți, mai întâi în napolitană care a luat forma internațională a Madrigal . Este o formă de caracter extrem de populară, caracterizată prin prezența cincimilor paralele, care subliniază distanța față de tradiția acestei perioade.
Tiparul inventat de Gutenberg în 1453 ( XV - lea lea ) a fost utilizat în scopuri muzicale ca de la 1501 ( XVI - lea lea ). Acest lucru va face posibilă sigilarea întregii cuceriri a scrierii muzicale, precum și crearea uniformității în întreaga Europă începând cu Renașterea .
În secolul al XVI- lea se produce unul dintre cele mai importante evenimente pentru diseminarea muzicii: nașterea editurii muzicale . În 1501 în Veneția este publicat pentru prima dată la inițiativa Ottaviano Petrucci Harmonice Musices Odhecaton , un volum complet de muzică tipărite. Petrucci folosește tip mobil. O imprimantă romană, Andrea Antico, ar folosi un proces de tip xilografic câțiva ani mai târziu pentru a obține același rezultat.
În domeniul muzicii populare, anii 1530 și 1540 au văzut răspândirea cântării silabice cu mai multe voci, în general homoritmice (vocile cântând simultan note de aceeași durată). Acest gen suferă multe schimbări și evoluții; în a doua jumătate a secolului, forma pur instrumentală care derivă din el, cântecul care va fi jucat , va deveni strămoșul formelor instrumentale care se vor dezvolta în perioada barocă .
Francezul Philippe Verdelot și flamandul Jacques Arcadelt dau naștere unei alte ramuri importante a acestui gen, madrigalul , o formă de cantată cu mai multe voci în care semnificația textului comunică caracterul său expresiv muzicii. Principalii muzicieni ai celei de-a cincea generații a școlii franco-flamande ( Palestrina , Monteverdi , Orlando di Lasso , Adrien Willaert ) vor adopta acest gen.
Apariția Reformei Protestante și reacția Contrareformei Catolice culminând în Conciliul de la Trent (1545-1563), au o influență profundă asupra muzicii sacre. Traducerea cântărilor liturgice în germană și punerea lor în muzică, adesea în melodii seculare, creează tradiția corului protestant. În lumea catolică, o mișcare pare să se întoarcă la originile gregorianului, îndepărtându-se de complexitatea excesivă introdusă de școala flamandă din secolul anterior și interzicând orice recurs la muzica seculară în masă, cerând compozitorilor să respecte legea. a textului. Un celebru muzician italian a fost deosebit de sensibil la aceste precepte: Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594). Director muzical al diferitelor capele romane, inclusiv, pentru scurt timp, Capela Sixtină , a lăsat un corpus de 100 de mase, 375 de moteți și peste 300 de alte compoziții care constituie practic refundarea muzicii sacre catolice, stabilizând un canon stilistic care va fi etalonul pentru muzica liturgică pentru secolele viitoare.
În același timp, în cercurile umaniste se dezvoltă o controversă între susținătorii formei polifonice și cei ai monodiei în care aceștia din urmă păreau să fie inovatori. Spre sfârșitul secolului, influența cercului florentin din Camerata de 'Bardi devine fundamentală. Producerea a cel puțin două versiuni (în competiție între ele) ale unei drame muzicale, Euridice , rezultă din acest cenaclu. Se folosește o nouă tehnică, „ recitativul cântat ” din care geniul lui Claudio Monteverdi va naște drama muzicală ( opera ).
La sfârșitul secolului, tratatul De Institutioni Harmonicae ( 1589 ) de Gioseffo Zarlino , unul dintre apărătorii „conservatori” ai polifoniei din controversa menționată, a definit în cele din urmă într-un mod complet exhaustiv legile armoniei. (Și, prin urmare, polifonia) .
Muzica occidentală s-a dezvoltat cu o rapiditate extraordinară în această perioadă inaugurată odată cu apariția operei ( Claudio Monteverdi ), ca reacție la complexitatea și aspectul scolastic al polifoniei. Întoarcerea la simplitate a dat însă loc rapid unei căutări frenetice a efectelor și virtuozității ( Alessandro Scarlatti ) rezultând în forma operei serioase . Italia începe să domine toată muzica europeană, cu excepția Franței lui Ludovic al XIV-lea sub conducerea lui Jean-Baptiste Lully, apoi a influenței dominante a lui Jean-Philippe Rameau .
Muzica religioasă , mai conservatoare, încă influențate de operă și adoptă o formă care este mai mult o liturghie: a oratoriul ( Giacomo Carissimi , Handel ).
Contrapunctul domină această perioadă (și atinge apogeul în lucrarea lui Bach , în timp ce fiind îngropat de compozitori precum Vivaldi și Telemann avansarea regula de exprimare tematice , mai degrabă qu'harmonique) în timp ce get în locuri definitiv sistemul tonal , regulile clasice armonie (Rameau) și în cele din urmă, prin încercări și erori îndelungate, temperamentul egal .
Muzica instrumentală câștigă autonomia și creează formele sale specifice ( fugue , ulterior , Concerto grosso , sonata ...) sub influența unor maeștri precum Jan Pieterszoon Sweelinck , Girolamo Frescobaldi și mai târziu Arcangelo Corelli , care fac mulți ucenici. Instrumentele apar, evoluează în stilul lor sau în tehnica lor de joc.
Tranziția a fost pregătită de compozitori precum Antonio Vivaldi , Georg Philipp Telemann , fiii lui Bach sau cei adunați la Școala Mannheim : relaxarea contrapunctului în favoarea melodiei susținută de o armonie formată din „acorduri autonome care nu mai rezultă din o conjuncție de voci separate. Se nasc sau se dezvoltă noi forme (concerto solist, cvartet de coarde, sonată clasică, simfonie ...) în timp ce altele se estompează (concerto grosso, suită ...); este la fel și pentru instrumente: pianul înlocuiește clavecinul, deoarece vioara te face să uiți de viol.
Marea prezență a lui Wolfgang Amadeus Mozart marchează perioada clasică în toate domeniile muzicale ( simfonice , opere , camere ) și constituie legătura dintre muzica secolului al XVIII- lea (simfoniile și cvartetele de coarde ale lui Franz Joseph Haydn care reflectă perfecțiunea muzicalului standarde) și muzică romantică a XIX - lea secol .
Anii de la 1750 până la 1850 constituie epoca de aur a muzicii clasice occidentale. Acest lucru este exprimat în forme mai bogate și mai elaborate, în special cu o dezvoltare semnificativă a formei „ simfonice ” care a apărut deja în secolul anterior cu Haydn și Mozart. De asemenea , în domeniul instrumental, muzica pentru pian si muzica de camera lor sunt la vârf și reflectă sentimentele intime ale compozitorilor din prima jumătate a XIX - lea secol . Lyric Opera se extinde dincolo de granițele Italiei. Compozitorii exploatează în continuare posibilitățile expresive oferite de sistemul armonic și tonal construit în secolele precedente.
Primele manifestări ale romantismului muzical apar cu personalitatea lui Ludwig van Beethoven , care se naște din moștenirea lui Mozart și a compozitorilor clasici care îi sunt contemporani pentru a ajunge la transfigurarea formelor muzicale canonice, în special a simfoniei , creând în în același timp, conceptul de muzică „absolută” a fost eliberat de funcția socială la care fusese subordonată până acum.
Cu Beethoven, asistăm la nașterea figurii artistului compozitor opusă celei care anterior predomina muzicianului artizan. Rezonanța celor nouă simfonii ale lui Beethoven este de așa natură încât promovează forma simfonică ca regină a formelor muzicale. Dacă Ludwig van Beethoven a adus forma simfonică la vârf, el a compus, de asemenea, pe scară largă pentru pian cu seria extraordinară de 32 de sonate pentru pian (plus trei sonate WoO), fleacuri și variații ( variații Diabelli ).
Curentul este, de asemenea, puternic reprezentat de mulți alți compozitori germani și austrieci, cum ar fi Carl Maria von Weber , Franz Schubert , Felix Mendelssohn , Robert Schumann , Johannes Brahms și Richard Wagner . În Franța, actorii mișcării sunt Hector Berlioz și polonezul Frédéric Chopin . În Italia, există compozitori de operă cu Gioachino Rossini , Vincenzo Bellini , Gaetano Donizetti și Giuseppe Verdi . Din această perioadă apare și figura muzicianului virtuos, cu Franz Liszt pentru pian și Niccolò Paganini pentru vioară, care oferă cele mai celebre și celebre exemple.
Mulți muzicieni se tem mai târziu să se compare cu genul simfonic . Cu toate acestea, compozitori precum Franz Schubert , Felix Mendelssohn , Robert Schumann , Anton Bruckner , Johannes Brahms , Piotr Ilitch Ceaikovski și Gustav Mahler se confruntă cu rezultate care îi vor face pe oameni să vorbească despre „sezonul marelui simfonism german”.
Mulți compozitori care îl urmează pe Beethoven au ilustrat repertoriul pentru pian , depășind adesea cadrul formal al sonatei: Carl Maria von Weber (sonate, variații ...), Franz Schubert (sonate, improvizate , momente muzicale ...), Felix Mendelssohn (sonate, Romanțe fără cuvinte , preludii, fugi ...), Robert Schumann ( Fluturi , Davidsbündlertänze , Carnaval , studii simfonice , Scene ale copiilor , Carnavalul de la Viena , Fantasiestücke ...), Frédéric Chopin ( preludii , studii, nocturne, mazurci, valsuri, poloneze ... ), Franz Liszt ( Sonata în b minor , Studii de interpretare transcendentă , Ani de pelerinaj , transcrieri ...) și Johannes Brahms (sonate, rapsodii , intermezzi, fantezii, dansuri maghiare ...).
Muzicienii romantici se exprimă mult și în muzica de cameră , care reflectă intimitatea sentimentelor, în special compozitorii germani Ludwig van Beethoven (16 cvartete de coarde ), Franz Schubert (15 cvartete de coarde), Felix Mendelssohn , Robert Schumann și Johannes Brahms .
Al XIX- lea este, de asemenea, secolul marelui sezon al operei italiene cu Gioachino Rossini ( 1792 - 1868 ), Vincenzo Bellini ( 1801 - 1835 ), Gaetano Donizetti ( 1797 - 1848 ), Giuseppe Verdi ( 1813 - 1901 ) și, pe două secole, Giacomo Puccini ( 1858 - 1924 ). Tradiția operei italiene continuă să exalte rolul cântării care, eliberat de elocvența operei din secolul al XVIII- lea , devine moment liric, expresie pură a sufletului. Cu toate acestea, de-a lungul secolului, el a absorbit treptat aspecte ale operei franceze care erau sensibile din punct de vedere vizual și, din a doua jumătate a secolului, erau legate de esteticismul naturalismului . În ceea ce privește orchestra, dintr-un simplu acompaniament al cântecului, aceasta evoluează pentru a deveni, împreună cu Puccini, o orchestră simfonică.
La sfârșitul secolului, căutarea de noi forme și noi sunete a dus la „criza” sistemului tonal, așa cum apare în preludiul lui Tristan și Isolda de Richard Wagner în 1865 , care conține pasaje armonios enigmatice, de neînțeles în lumina regulilor în vigoare.
În urma crizei sistemului tonal, pe parcursul secolelor al XIX- lea și al XX- lea se efectuează o căutare frenetică de noi coduri lingvistice pe care să se bazeze compoziția muzicală. Soluțiile propuse sunt diverse: de la întoarcerea la modalitate , la adoptarea de noi scale, de derivare extraeuropeană, cum ar fi cea pentru tonuri întregi (folosite printre altele de Claude Debussy ), până la cromatismul atonal și apoi pe 12 tonuri care tinde pentru a-și scoate la iveală balamalele pe dualitatea tradițională consonanță / disonanță.
În al doilea deceniu al XX - lea secol , Arnold Schoenberg și elevii lui Alban Berg și Anton Webern , în special, a reușit să traseze conturul unui nou sistem, sistemul de douăsprezece ton bazat pe seria de douăsprezece note. Pentru unii, acesta este începutul muzicii moderne , adesea identificat ca muzică de avangardă .
Muzicieni precum Igor Stravinsky , Bela Bartok sau Maurice Ravel aleg să caute o nouă inspirație în tradițiile populare și în muzica extra-europeană, menținând o legătură cu sistemul tonal, dar renovând profund organizația și experimentând noi scale, ritmuri noi și timbre noi.
Alții se opun puternic, căutând o altă cale. Conceptul de serie, conectat inițial doar la intervale muzicale, se dezvoltă în a doua jumătate a XX - lea secol pentru a absorbi toate setările de sunet. Aceasta este faza serialismului integral, personificat în anii 1950 de compozitori precum Pierre Boulez sau Karlheinz Stockhausen , dar rapid abandonat din cauza rigidității sale prea mari.