Pictura, în Coreea , o formă de artă coreeană în special remarcabil, manifestată în cele mai diverse forme , deoarece picturi murale antice conservate în mormintele Regatului Koguryo , bannere budiste cu culori intense, picturi cu litere în cerneală, ecrane decorative, chiar si pictura practicata în arta contemporană . Pictura modernă coreeană include , de asemenea , lucrările artiștilor coreene, pe întreg teritoriul Coreei , Nord Coreea și Coreea de Sud și în cadrul diasporei coreene împrăștiate în întreaga lume.
Diferitele forme de desen, pensulă și cerneală sunt pe bună dreptate forme de pictură în Extremul Orient. Pictura literată fiind o artă a caligrafului, care lucrează pe linie și mai mult sau mai puțin introduce apă în pictura sa. Această pictură în linie tradițională este utilizată pentru a realiza gravuri pe lemn, pentru tipărirea cărților ilustrate, care sunt, aici, printre cele mai vechi din lume. Pe de altă parte, designul gravat pe piatră în timpul preistoriei, ca în cazul petroglifelor din Bangudae , se referă, mai general, la arta coreeană .
De-a lungul istoriei picturii coreene, au existat două categorii de pictură: pictura de profesioniști și pictura de cărturari. În picturile lui savanți , tradiția chineză de la X - lea secol nu sunt comercializate , în principiu , dar comercializate sau date sub formă de cadouri. Sunt realizate cu cerneală și cu culori discrete („culori deschise”), pe mătase sau pe hârtie, în special hârtie de dud . Profesioniștii în pictură, care au folosit în mare măsură culoarea, tradiția mai veche, Coreea în secolul al IV- lea a împodobit câteva morminte princiare din epoca Koguryo, dar și clădiri guvernamentale, case de notabili și temple și, în acestea, stindarde reprezentând zeități și era folosit la fabricarea măștilor, folosit la festivaluri. Acești profesioniști au realizat, cel puțin la sfârșitul perioadei Joseon, comenzi de ecrane pentru anumiți literati și imagini cu funcție rituală, aceste minhwa , o pictură populară pe care o întâlnim și pe morminte și pe uși. În cele din urmă picturile șamanice, rare care au supraviețuit ceremoniilor. Pe lângă pictură, corect, nu trebuie să uităm de lunga tradiție a gravurilor pe lemn, care furnizau ilustrații în lucrările budiste. Acestea servesc drept referință la un curent de artă modernă coreeană, Art minjung (în) .
Prin urmare, subiectele picturilor sunt variate. Ca și în pictură chineză , în pictura de literați putem distinge mai multe genuri: pictura peisaj, sansuhwa ([ de munte și de apă], aproape de Shanshui pictura .), Portrete și pictura de păsări și păsări de animale, yeongmohwa (comparabil cu pictura chineză „flori și păsări” , dar foarte distincte de aceasta). Aceste prime subiecte, pe role individuale și pe foi de albume sau ventilatoare, dar chiar și pe felinare de hârtie (ultimele două fiind uneori integrate ca foi de album) sunt produse de cărturari, în perioada Joseon și conform unei ierarhii specifice. plasează bambusul în vârf, apoi peisajul, portretul și apoi animalele, „flori și păsări”. Profesioniștii realizează ecrane, care pot găzdui peisaje, personaje caligrafiate, reprezentări ale interioarelor tipice: biblioteca alfabetizată și multe alte modele, uneori însoțite de un model geometric. Minhwa prezintă adesea tigrul și piuca.
Distincția dintre pictura profesioniștilor și pictura scrisorilor se bazează pe diferențele de statut în funcție de ideologia neo-confuciană: pictura scrisorilor , (după ce a primit o cultură literară) care se baza pe calitățile expresive ale caligrafiei și jocurilor de apă , alb, folosea doar câteva culori deschise, utilizarea culorii strălucitoare ar fi făcut pictura vulgară și ar fi împiedicat imaginația. În schimb, în arta religioasă, în special budistă la acea vreme, clădirile din lemn erau adesea decorate cu culori strălucitoare urmând tradițiile arhitecturii chineze. La fel, influențele din arta budistă și indiană au impus o utilizare bogată a culorilor pure.
Pictura religioasă coreeană urmează tendința generală a artei din Asia. Se bazează pe arta budistă, reprezentând călugări Buddha sau budiști și pe arta confucianistă, reprezentând cărturari în repaus sau care studiază în munți. Buddha este adesea descris cu o față coreeană, într-o poziție de odihnă. Aura nu este neapărat aurie, ea poate fi reprezentată de culori mai deschise. Reprezentarea fețelor tinde spre realism evidențiind umanitatea și vârsta lor. Fețele și învelit în secolul al XV- lea, nu prezintă „umbră”. Acestea sunt apoi marcate cu linia de cerneală, dar nuanțele permit specificarea ușoară a volumelor din secolul al XVIII- lea. La fel ca în cazul artiștilor occidentali din Evul Mediu și Renaștere, draperiile și fețele sunt adesea realizate de doi sau trei artiști care s-au specializat într-o anumită tehnică de pictură. Iconografia urmează regulile iconografiei budiste pentru pictura budistă.
Portretele, ale regilor și ale cărturarilor, sunt reprezentate conform codurilor portretului chinezesc, în culori plate și în linii de cerneală. Costumul tradițional a suferit doar ușoare variații, este hanbok . Rochiile lor monocrome au diferit perioadele, rozul fiind purtat de cărturari în secolul al XVIII- lea. Pălăriile tradiționale pentru bărbați ( gat ) sunt întotdeauna de culoare neagră.
Mormintele conservate pe teritoriul regatului antic al Koguryo ( a doua jumătate a IV - lea secol - 668) se ridică la aproximativ 15 000, dintre care o sută cu picturi murale, cele mai multe în bazinul râului Taedong aproape de Phenian . În această perioadă mormântul lui Anak ( n o 3), ar fi cel mai vechi, datat 357, dar autenticitatea acestei inscripții cu cerneală este pusă în discuție. Comunitatea științifică vede acolo portretul regelui Kogugwon, care a murit în acțiune în 371. În afară de această reprezentare, construită conform codurilor picturii dinastiei Han , unde regele este înconjurat de locotenenții săi și soția sa, cel mai faimos tablou este cea a scenelor de vânătoare din Mormântul Dansatorilor, unde călăreții parți sunt prinși în acțiune. Mormintele regatului Koguryo văd referințe complexe combinate, mai mult sau mai puțin dens pe toți pereții și tavanele. Motivele divinităților protectoare ale punctelor cardinale, motivele recurente, oferă posibilitatea de a face aceste combinații prin construirea acestor figuri hibride și de a se juca cu curbe, împletite cu plăcere.
Picturile murale ale lui Hōryū-ji , una dintre comorile Japoniei, au fost pictate de Damjing , un călugăr din Koguryo.
Mural. Soția regelui și adepții ei (?). Probabil 371.
Un rege din Koguryo. Mormântul lui Anak numărul 3 , Hwanghae . Probabil 371.
Nuwa , zeița lunii, mormânt Ohoe n o 4 . Sfârșitul VI - lea începe VII - lea secol. Dawangcun, Ji'an (Jilin)
Mural. Vânătorii de părți . Mormântul lui Muyong, Koguryo . V - lea secol. Ji'an (Jilin) , în prezent în China
Turtle Negru de Nord / pictura Warrior Zidul negru, imprimare. Trei morminte din Kangso , aici Gangseo Daemyo.
Paradisul Amitābha . Picturi murale din Hōryū-ji , secolul VII .
Pictura și caligrafia Regatului Silla (57 î.e.n.-935) au dispărut complet. Un perete pictat descoperit pe coridorul unui mormânt din perioada Tang (706), cel al prințului Zhang Huai (Li Xian) reprezintă trimisii din țările afluente, inclusiv un trimis din Silla, cu coafura sa caracteristică, o coroană conică cu două ramuri laterale.
Bodhisattva Avalokiteshvara la lună. Derulare verticală, cerneală și culori pe mătase. Goryeo, 1310. Templul Kagami Jinja, Shiga , Japonia
Bodhisattva Avalokiteshvara la lună. 1310. La fel, detaliu. Culori pe mătase. Set: 430cm x 254 cm
Lotus Sutra . Manuscris, c. 1340, carte pliantă, aur și argint pe hârtie de dud colorată cu indigo . H. 11,4 cm . Met.
Kshitigarbha (Chijang). Derulare verticală, cerneală și culori pe mătase. H. 84,5 cm . Goryeo prima jumătate a XIV - lea secol. Met.
Al zecelea regi ai lumii interlope. H. 61,2 cm.
Buddha Amitabha. Conservat la Gyokurin-in, Kyoto
Primele zile ale acestei dinastii Goryeo sunt marcate de o perioadă de prosperitate, evidentă în capitală prin luxul care se desfășoară acolo, o perioadă de relații economice și culturale pașnice cu Cântecul și de mare importanță pentru cultura coreeană a vremii. Pregătirea funcționarilor administrativi este modelată după modelul chinez al oamenilor educați; poezia este o parte importantă a acesteia.
Budismul are un loc preponderent, chiar omniprezent. Clădirile înmulțesc și primesc imense bogății, echivalente cu o acumulare de „merite”, atât pentru indivizi, cât și pentru națiune. Regele fondator al dinastiei, Wang Kon, era convins că succesul său se bazează în întregime pe biserica budistă. În mănăstiri, copierea manuscriselor corespunde acestei cereri a elitelor, acumularea „meritelor” constatându-se formalizate în pagini supraîncărcate, lucrate cu meticulozitate și materiale prețioase și rare. De exemplu, o lucrare care descrie Bodhisattva Avalokiteshvara este deosebit de apreciată pentru eleganța și spiritualitatea sa. Bannerele dedicate lui Buddha sunt de obicei atârnate în spatele altarului din sala principală; celelalte figuri, bodhisattva, arhaturi , portrete de călugări și cei zece regi ai lumii interlope, sunt așezate în camere secundare. Un număr foarte mare de imagini ale zeităților tutelare, mult mai puțin sacre, au locuri mai puțin definite.
Redescoperirea de picturi coreene budiste au avut loc în ultimele două decenii ale XX - lea secol. Multe picturi de o frumusețe excepțională se aflau în mănăstirile din Japonia, din secolul al XIV- lea și erau considerate picturi chinezești. Din 1978 au fost identificate o sută de suluri în Japonia, Coreea și Occident. Picturile murale, cele mai numeroase inițial, sunt astăzi cele mai rare (templul Pusŏk, Yeongju ). Sulurile verticale, pictate conform tradițiilor consacrate în China, reprezintă cel mai adesea Amitābha - datorită marii popularități a budismului Pământului Pur - și bodhisattvas Avalokitesvara și Kshitigarbha .
Din pictura seculară, numită „desigur”, îmbunătățită cu culori, nu mai rămâne aproape nimic. O scenă de vânătoare, despre care se spune că este de King Kongmin (1352-1374), evocă, în ceea ce rămâne din ea, călăreți mongoli care traversează un râu. Mai mult decât atât, în ceea ce privește pictura de oameni de știință , în cazul în care așa-numita pictura chineza in Europa de Nord - pictorii X - lea secol , cum ar fi Li Cheng și Guo Xi - a avut un impact asupra unele pictura coreeană , deoarece este perceptibil în picturi în stil atribuite Ko Yon hui ( secolul al XIV- lea), pictura chineză a Școlii de Sud , în timpul Cântecului sudic (1127-1279) pare a fi cunoscut în Coreea în ciuda constrângerilor impuse de dinastia Jin (1115-1234) , Jurchen . O cerneală pe hârtie păstrată la Muzeul Național din Tokyo ar păstra urma.
Ceremonia: ofrande
Ceremonia: ofrande
Ceremonia: mirele tânăr și calul
Copac bătrân cu lăstari tineri
Coreea Joseon (1392-1910) trebuie privită ca două perioade foarte distincte . În timpul dinastiei Joseon, dar chiar înainte cu dinastia Goryeo, mulți mari pictori erau cărturari fără o funcție administrativă și adesea înlăturați violent din cercurile puterii, s-au adăpostit și au ales pensionarea, desigur, departe de curte. Acestea sunt seonbi .
Clopot de seară, la templul învăluit în ceață . Un stil Gyeon tarziu al XV - lea la începutul al XVI - lea lea. O rolă de pereche, cerneală pe mătase, H 88cm. Întâlnit.
Seo Mun-bo. Peisaj. Cerneala pe mătase, târziu al XV - lea secol. Yamatobunkakan , Nara, Japonia
Savant contemplând râul dintr-un punct culminant . Kang Hui-an (în) , 1419-1467. Foaie de album, H. 23,5 cm. Muzeul Național al Coreei .
Shin Saimdang (1504-1551) (femeie pictor), Flori și insecte [Chochungdo].
Yi Am . Puii mici, flori și păsări. 1500-1550. Cerneală și culoare deschisă, hârtie H. 86 cm. Muzeul de Artă Ho-Am
Heo Mok (1595—1682), Bambus
Yi Jeong, 1541-1622 Bambus în vânt . La începutul XVII - lea secol. Cerneală pe mătase, H. 115,6 cm. Întâlnit.
Prima perioadă Joseon (조선 전기). In timpul XV - lea - al XVI - lea lea acestei dinastii tinde să construiască o împărăție în care elita ar fi educat, „o împărăție de savanți.“ Este un fel de Renaștere coreeană între 1400 și 1600 și care depășește cu mult arta coreeană, privește întreaga cultură coreeană. Așa cum Europa Renașterii se uită la modelele Romei antice, la fel și Coreea se uită la China epocii Song. Contactul a fost direct prin colecția de picturi chinezești a prințului regal Anp'yong (1418-1453); pictorul Kang Hui-an ( 1419-1467) a făcut călătoria în China și a studiat aparent principalele curente. Modelul chinezesc de pictură alfabetizată din Coreea oferă ocazia unei însușiri reale a temelor și proceselor de origine chineză, în genurile picturii peisajului și a animalelor. Iconografia celor patru plante nobile (bambus, iris, prună și crizantemă) este, de asemenea, un element specific acestei picturi de către caligrafi. Nici culorile, deschise, transparente, nici formele, stilizate, nu se schimbă semnificativ față de sursa lor chineză; cerneala , în toate nuanțele sale mai mult sau mai puțin diluate cu apă, oferă gama esențială. Tehnicile importate ocupă un loc mare, cum ar fi vopsirea pe hârtie, care este din ce în ce mai răspândită, deoarece cerneala funcționează mult mai bine decât pe mătase, la un preț prohibitiv în comparație cu hârtia. Dar idealurile dinastiei Ming sunt adesea uitate în favoarea modelelor mai vechi, din epoca Song uneori, cu un peisaj evocat pentru sine și nu mai ca fundal al unei scene narative.
În coreeană pictura peisagistică chineză „munte și apă” ( shanshui , chineză : 山水) devine sansuhwa (산수화).
În această perioadă influența confucianismului a înlocuit-o pe cea a budismului, cel puțin în centrele artistice regale. Pictura de inspirație budistă este retrogradată în spațiul privat, dar continuă să evolueze, simplitatea sa fiind apreciată. Centrele îndepărtate de capitală continuă să fie întreținute. Bannerele budiste foarte colorate din acest timp și într-o formă inspirată de budismul tibetan, ar putea ajunge la 14m x 8m, sunt kwaebul taenghwa . Au fost apoi suspendați între doi stâlpi, ca în timpul sărbătorii de ziua de naștere a lui Buddha. Dezvoltarea târzie a bannerelor în Coreea corespunde curios perioadei în care atât China, cât și Japonia s-au orientat către un stil zen de pictură, cu cerneală.
Războiul Imjin (1592-1598), împotriva japonezilor, apoi războiul împotriva manciurieni , care sa încheiat în 1644, a distrus țara. Reconstrucția va dura aproape până la sfârșitul sec.
Bibliotecă. Ecran cu 6 panouri pentru camera sau biroul unui copil. Culori pe hârtie. H. 172 x L. 312 cm. Începutul secolului al XVIII- lea . Muzeul Guimet . Colecția Lee Ufan
Portretul lui Park Mun-su (1691-1756) Pergament vertical, cerneală și culori pe mătase. Muzeul Național al Coreei.
Muntele Inwang după ploaie . Jeong Seon (Chong Son), 1676-1759. Cerneală pe hârtie, 1751. H 79 x W 138 cm. Muzeul de Artă Ho-Am
Virūpākṣa . Culori pe lenjerie. H. 301 x L. 207 cm. Muzeu britanic. Gardian la intrarea unui templu budist
Ecran, detaliu. Scene de gen. Semnat Kim Hong-do . Circa 1768. Cerneală, culori pe mătase, H 108 cm, W. cap. panou 49 cm. Muzeul Guimet
Orez bătătorit. Kim Hong-do (1745-c. 1806/18). Foaie de album, scene de gen, cerneală pe hârtie, H. 27,8 cm. Muzeul Național al Coreei
O femeie în grădina lotusului ( Gisaeng ținând un saenghwang și o țeavă). Cerneală, culoare deschisă s. mătase, H. 29,6 cm. Shin Yun-bok (c.1758-ap.1813). Scena de gen : femei. 3 foi dintr-un album de 7. Muzeul Național al Coreei.
Regele Jeongjo (1752-1800). Bananier . Cerneală pe hârtie, 84,6 x 51,6 cm. Muzeul Universității Dongguk , Seul.
Kang Sehwang ( 1713-1791 ). Foaie din albumul Voyage to Songdo , 1757. Muzeul Național al Coreei
Familia tigrilor . Scroll suspendat, cerneală și culoare, hârtie. H. 262cm. Sfârșitul secolului al XVIII- lea . Cleveland Museum of Art
A doua perioadă Joseon (조선 후기). Reconstrucția dificilă în urma războiului împotriva Japoniei (1592-1598) și împotriva invaziei Manchu (1620-1644) se extinde de-a lungul la sfârșitul XVII - lea secol. Atunci Coreea poate trece în sfârșit printr-un secol de pace și atinge, pe baze cu totul noi, prosperitate și un „secol al Iluminismului”. În secolul al XVIII- lea, alături de pictura savanților, vopseaua profesională, ca și în China, practică un stil decorativ de animale plăcute la cele mai mici insecte și plante, sunt observate și transcrise cu atenție în utilizarea unor culori mult mai vii decât în pictura literară, mai ales pe ecrane. Pe aceste ecrane, în special bibliotecile, dar și reprezentarea clădirilor folosesc perspectiva cavalerească, dar uneori inversată pe ecrane (paralelele în real, nu vertical, diferă de reprezentare, ca o transpunere deplasată a viziunii occidentale) . Se întâlnește totuși excepții în cazul în care elementele deosebite ale perspectivei „vestice“ linii convergente, cum ar fi bibliotecile de ecran ale muzeului Guimet, la începutul XVIII - lea secol.
XVIII - lea secol este considerată epoca de aur a picturii coreene. Prăbușirea dinastiei Ming datorată parțial războiului condus de Manchu și aderării acestei dinastii la putere în China, îi împinge pe artiștii coreeni să construiască noi modele artistice bazate pe o dinamică de cercetare națională. Cel mai inovator artist în acest sens este pictorul Jeong Seon (Chong Son) ale cărui peisaje evocă cele mai frumoase situri din Coreea, într-un stil personal „ceea ce îl face unul dintre cei mai moderni pictori, fără îndoială. Coreea însăși, dar și în arta Orientului Îndepărtat ”. La acea vreme, China, parțial deschisă contactelor cu lumea occidentală transmisă de iezuiți, a servit drept stimul pentru artiștii coreeni. Ei își permit noi practici și subiecte care își marchează atașamentul față de o modernitate cu adevărat coreeană, inspirată de mișcarea silhak (sau sirhak, „știința concretului”) și de interesul manifestat față de țărani și oameni mici.
Kim Hong-do (1745-v.1806 / 18), numele artistului Danwon , un pictor cu mai multe etape , asigurând în același timp trecerea la perioada imediat următoare, între sfârșitul XVIII - lea secol și începutul XIX - lea secol. El dedică un celebru caiet ( pictură de gen : pungsokhwa sau pungsokdo ) activităților populare, surprinse într-un moment precis, în acțiune. O viziune care ia parte la spiritul vremurilor, la fel ca în Japonia la vremea lui Edo , și cărți tipărite dedicate, de asemenea, activităților populare.
Astfel, pictura de la mijlocul acestei perioade tinde spre mai mult naturalism. Kim Hongdo ( Danwon ), pe ecranul Muzeului Guimet (1778), pe albumele sale din scenele de gen pe care King Jeongdo le-a apreciat, diferă de curentul similar din Japonia, unde scenele vieții participă la spiritul Ukiyo -e . Kim Hondo tratează peisajul la fel de mult, în acest spirit relativ naturalist, cu o serie de vederi ale cristalelor de bazalt impresionante din districtul Gemgang (c. 1788) în care un cuplu privește spre mare, lângă o cabană izolată. Pentru un alt site celebru ( Albumul anului Byeongjin , 1796) își schimbă stilul și astfel joacă diferite registre de expresie în lucrarea sa de cerneală: fie mai descriptiv, cu o atingere precisă în mod regulat în primul caz, este mai evocator și înmulțește efectele de perie. Dar el nu este în nici un fel atașat, în principiu, unei viziuni obiective. „Portretul” pe care îl pictează în propria grădină, cu ocazia unei vizite care îi este dragă, mărturisește mai mult idealul său decât o realitate. Ar fi avut, atunci, de fapt, doar o viață de cetățean, pictor de curte, în timp ce se vede în pictura sa, la țară, trăind relaxat, cu prietenii, la sunetul gayageumului . Kim Hongdo își desfășoară, de asemenea, spiritul inovator în surprinderea scenelor din viața de zi cu zi, un album care a făcut-o un succes în Coreea. Sunt țărani la locul de muncă, festivaluri populare cu jocurile și spectatorii lor și, de asemenea, acele momente rare de surpriză „erotică”, cu mașini de spălat cu pieptul gol și o mică privire indiscretă ascunsă în spatele fanului ei. Tema este apoi preluată de alți pictori, inclusiv Shin Yun-bok (1758 AD. 1813) , în puncte de vedere mai directă , eventual , amatorii de scăldat , la începutul secolului al XIX - lea secol. Albumele cu scene de gen s-au înmulțit în acest moment. O femeie din grădina lotusului ( gisaeng ținând un saenghwang și o pipă), una dintre cele 3 foi ale unui album de 7 pe tema femeilor, este un bun exemplu. Într-un tablou mare (114 x 45 cm.), Une beauté , imaginea frumuseții feminine, îi oferă lui Shin Yun-bok posibilitatea de a-și evoca fragilitatea alegând un moment, o atitudine, o expresie. O notă personală din caligrafie arată, cu umor, că a preluat provocarea unei evocări atât de subtile.
De pe vremea regatului Silla sub regele Heonggang (r. 875-886), tradiția lipirii pe ușă a unei efigii a Regelui Dragon, zeul variolei, a fost menită să protejeze casa de epidemii și în special variolă. în perioada Joseon, imagini cu tigri și dragoni s-au alăturat acestui obicei timpuriu. La Anul Nou Lunar și pe ambele părți ale ușii au fost aplicate o imagine a tigrului și a dragonului, primul având ca misiune să alunge spiritele rele, în timp ce pentru dragon era să atragă spirite favorabile. Astfel de imagini constituie genul minhwa .
Pictura pe ecran între 1851 și 1900. Munjado (doar câteva elemente ale personajelor pentru evlavia filială) asociate crapului. H. 76 cm. Muzeul Brooklyn
Munjado ( secolul al XIX- lea cu aceleași motive, dar o stilizare diferită)
Două picturi de ecran, aici lotus și bujor. H. 176 cm. Muzeul Brooklyn
Ecran de tip Chaekgeori , cu multe simboluri ale fericirii. Institutul de Arte din Detroit
Minhwa cu motivul tigrului și perechea de magpi. Hârtie lipită pe ușa unui sat popular ( minsokchon )
Aceste imagini care purtau o dorință de fericire au fost însoțite zilnic de alte imagini menite să evoce alte dorințe de fericire. Astfel, caracterele chineze care au evocat în altă parte din Orientul Îndepărtat noroc, succes și viață lungă, se găsesc în arta populară coreeană a lui Joseon, sub forma unor ideograme decorate rezultate din confucianism, cunoscute sub numele de munjado („pictura cu caractere chinezești”): opt virtuți confucianiste ale pietății filiale, iubirii frățești, loialității, fiabilității, curtoaziei, respectabilității, frugalității și capacității de a simți rușine. Alte reprezentări sunt simboluri ale fericirii: ecranele sunt astfel împodobite cu bujori, dar și cu flori de lotus, fenix și lilieci. Descendenții masculi sunt evocați de pepeni verzi, rodii, struguri sau semințe de lotus. Dorința de succes, de amarant, pană de coadă de păun, cărți și crap. În cele din urmă, dorințele de longevitate sunt exprimate prin reprezentarea bambusului, a macaralei, a soarelui și a lunii, a broaștei țestoase, a căprioarelor și a ciupercii nemuririi ( lingzhi ). Astfel de simboluri au continuat să servească drept motive recurente în arta coreeană în general și dincolo de perioada Joseon.
Muzeul Palatului Național din Coreea are mai multe ecrane care împărtășesc, cu pictura populară, aceleași subiecte ca și pictura bujorilor.
Portretul lui Cho Man-Yong. 1845. Yi Han-ch'ol (1808-?). Culori pe hârtie, H. 51 cm. Muzeul Guimet
Orhidee. „Lumini în Seonran, Sumuk, Insula Jeju ” (în exil). Kim Chŏng-hui (1786-1857). 난 맹첩. Cerneală pe hârtie, 27,0 X 22,9 cm. Muzeul de artă Gansong
Lotus și crap. Vopsire ecran montată pe o rolă, H. 96,5 cm. Cerneală și culori pe bumbac. Al XIX- lea. LACMA
Un Jung-sik (1861-1919). Imn printre copaci , cerneală pe hârtie, 1910
Flori, pești, mudang și chaek'kori . Ecran, secolul al XIX- lea. Culori pe hârtie,
H. 101, W. 370 cm. Muzeul Guimet . Colecția Lee Ufan
Palatele Răsăritene, Donggwol-do . 1828-30. Ecran cu 16 foi, culori pe mătase, 274 x 578,2 cm. Muzeul Universității Dong-A, Busan.
Pictură pe un ecran cu opt foi. Luna ianuarie. Al XIX- lea. Muzeul Palatului Național, Seul
Pictura pe ecran. Luna ianuarie
Ecran cu 6 foi. Irworobongdo : Soare, Lună și Cinci Vârfuri. L. 270 cm. Palatul Regal.
Un Jung-sik (1861-1919). Peisaj la Yeong-gwang . Ecran, 10 f., 1915. Cerneală și col. ușor s. mătase. L. 473 cm. Leeum, Muzeul de Artă Samsung .
Apare și un nou stil de pictură peisagistică: preluarea codurilor de reprezentare a spațiului arhitectural integrat în peisajul observat, de utilizare în Occident. La sfârșitul secolului, An Jung-sik (1881-1919), ultimul pictor de curte, a produs astfel, printre familiile înstărite, peisaje monumentale într-un stil care a încorporat tradiția literară a cernelii, pensula sa subtilă și culorile sale deschise. , la o utilizare limitată a perspectivei centrată în Occident. El a inclus numai aceste noi elemente cu mare delicatețe, păstrând toate mijloacele de tradiția alfabetizate până 1915, în timp ce un tablou mult mai direct inspirat de pictura de ulei de Vest apropriate, și se transformă în Japonia la începutul XX - lea secol.
Pictura cărți tematice ecran are un mare succes în al XVIII - lea și al XIX - lea secole. Mai exact, acest motiv, cunoscut sub numele de chaekgori , dezvoltă naturi moarte pe ecrane și sunt alcătuite dintr-o alegere de obiecte folosite de cercetători. Astfel se întâlnesc acolo cărți, dar și materialul caligrafului, vaze de mare valoare, arzătoare de flori și parfumuri și multe alte obiecte rare și decorative sau a căror valoare este mai degrabă simbolică. Pictorul își însușește efectele perspectivei despre care tocmai China a aflat prin iezuiții din Beijing și pe care i-a transmis-o prin ambasadele coreene. Procesele care pot fi comparate cu perspectiva cavalerească fuseseră utilizate în Extremul Orient încă din perioada Han. Aceste noi procese sunt în conformitate cu gustul reformelor care încurajează mișcarea Silhak , „educația practică“ , inițiat de coreean enciclopediștii XVII - lea secol și a sprijinit regele Jeongjo (1752-1800). Aceste ecrane pot evoca astfel dulapuri de curiozități, dar cu produse chinezești și occidentale, inversând astfel perspectiva, exotismul fiind perceput din Coreea. Cărțile din aceste înregistrări similare înregistrează toate bateriile din secolul XXI , un aspect surprinzător de „modern” sau „ minimalist ”. În aceste spații nedezvoltate, obiectele extrem de rare fac ecou la lucrările cărora nu putem decât să ne imaginăm valoarea intelectuală extremă: „o fantezie abstractă”, potrivit lui Lee Ufan .
Din anii 1880 până în 1945, artiștii tradiționali au cunoscut o perioadă dificilă. Invadatorii japonezi au încercat să șteargă și să elimine arta coreeană prin prădarea și distrugerea operelor de artă, închiderea școlilor de artă coreene și forțarea celor câțiva artiști rămași să urmeze stilul japonez.
Din 1910, sub ocupația japoneză, arta coreeană a intrat în contact strâns cu arta occidentală. Tehnica picturii în ulei cu pictura academică este introdusă ca stil modern, impresionism și fauvism . În acea perioadă, cea mai importantă expoziție anuală de artă este organizată de guvernul colonial, jurații sunt colaboratori japonezi sau pro-japonezi care favorizează modernismul, deci pictura în ulei și caută să excludă caligrafia . Aceste schimbări fac parte din pictorii tradiționali coreeni. Pe de altă parte, pictura în ulei este slab acceptată, deoarece este privită ca un instrument al colonizatorului pentru a face să dispară pictura coreeană. În cele din urmă, pictura tradițională s-a modernizat și a ajuns să semene puternic cu pictura japoneză modernă, care a fost puternic inspirată de arta modernă occidentală.
Misul : În 1911, un grup de pictori-caligrafi coreeni a fondat Institutul de Caligrafie și Arte Plastice ( sohwa misulhoe kangsupso ), prima școală de artă; este prima dată când conceptul occidental de artă este folosit în Coreea, cuvântul misul . În 1918 și în ciuda dificultăților momentului, a fost creată „Societatea pictorilor și caligrafilor”. Pictorul de cerneală An Jung-sik (1861-1919) este președintele său. Ceilalți pictori sunt preponderent pictori de cerneală, printre care Jo Seok-jin, O Se-chang, Kim Gyu-jin, Kim Eung-won, Jeong Hak-kyo și Yi Do-yeong. Pictorul modern Ko Hui-dong aduce idei noi acestei companii. Va deschide primul său salon în 1921, intitulat Hyeopjeon (Expoziția societății). Interesul artiștilor pentru lucrările noi nu s-a reflectat în practica lor, fiind supus gustului conservator al potențialilor cumpărători.
Evoluția picturii lui Ko Hui-dong (1886-1965) ne permite să percepem mișcările implicate. El este primul care a studiat pictura occidentală. Tatăl său, dintr-o familie Yangban , a studiat în China și a devenit primul coreean care a interpretat în engleză, apoi a făcut parte din prima delegație coreeană în Statele Unite în 1883. A devenit interesat de pictură și de poezie. Micul Ko Hui-dong a studiat la școala franceză Hanseong. Studiază pictura tradițională. În 1909, a plecat la Tokyo și a practicat pictura cu Kuroda Seiki la Școala de Arte Plastice din Tokyo. El percepe tradiția chineză a picturii ca pe o închidere, în care au fost prinși atât pictorii, cât și sponsorii, preocupați de apartenența lor la clasa alfabetizată. În 1915 a reprezentat Laundry à la rivière , un cuplu care lucra într-un peisaj care se întindea până la orizont, în cerneală și culori deschise pe mătase (23 x 27 cm.), În timp ce se întorcea de la Tokyo, unde i se învăța pictura în ulei . Cu toate acestea, așa cum remarcă Kim Youngna în lucrarea sa rară despre arta coreeană modernă și contemporană, această pictură aparent tradițională nu este. În primul rând, subiectul, deoarece rupe un tabu pentru a reprezenta bărbatul și femeia în același spațiu public, bustul bărbatului fiind, de altfel, gol. În ceea ce privește peisajul, acesta introduce cele trei planuri ale spațiului vestic, cu o distanță albăstruie. Ko Hui-dong și-a unit forțele cu mai multe grupuri de artiști și a predat, printre altele, pictura în ulei. Un frumos autoportret în ulei din 1915, mărturisește stăpânirea figurării naturaliste moderne cu umbre verzi pe față și albastru-purpuriu pe cămașă, menținând în același timp subtilități în modelare.
Mulți pictori coreeni moderni își vor moderniza pictura, în stil naturalist occidental, cu mijloace tradiționale, culori pe mătase, inclusiv Kim Un-ho în 1923 (cerneală și culori pe hârtie), Chang Woo-soung, în 1943 (format monumental, 215 x 171 cm). Alții sunt ferm dedicați rupturii, precum Yi Ma-dong, în portretul unui om din 1931, în ulei, o figură simplă erectă, cu reliefuri puternice. Același lucru este pentru portretele femeilor, în interiorul lor „modernizate” de un gramofon sau de o poziție relaxată, To Sang-bong în 1933 sau femeia care exercită o „profesie de bărbat” în fața microscopului său, în un precisionist stil (Yi Yu-tae în 1944). În cele din urmă, mai problematici sunt cei care aleg motive de „culoare locală”, cum ar fi Lee In-sung (1912-1950), a căror abordare poate fi la fel de ușor atribuită colonialismului dominant sau ca un semn al naționalismului.
Colonizatorul a organizat primele expoziții de artiști, mai întâi japonezi, apoi coreeni în 1916, cu scopul presupus de a depolitiza unii dintre intelectuali. Prima „Expoziție de artă Joseon”, proiectată de și, în primul rând, pentru colonizatori, a avut loc în 1922. Mai mult, introducerea nudului, ca gen artistic , a perturbat valorile și comportamentele confucianiste. Majoritatea membrilor juriilor erau atunci profesori sau artiști de la Tokyo School of Fine Arts. Distorsiunile expresioniste, utilizarea culorilor roșii sunt indicatori ai unei circulații intense de informații în lumea artistică internațională care ajunge în Coreea. Acest lucru nu va lipsi de a cere o parte din „identitatea” artei coreene (Pai A-soung, Family , 1930-1935, 140x200 cm.): Frisă frontală , modelată aproape fără compoziție cu efect de simetrie parțială, costume tradiționale, paletă redusă , tonuri dezactivate. Portretul familiei nu se poate abate de la naturalism și caută, „natural”, o formulare în care vechile coduri sunt încă evidente. Pe de altă parte, mulți coreeni, inclusiv unii artiști, de la răscoala de la 1 martie și represiunea ei din 1919, apoi al doilea război mondial și apoi în contextul războiului coreean (1950-1953), vor încerca să găsească în Occident o libertate și o securitate care le sunt inaccesibile în propria țară. Parisul salută câteva, extrase din anii 1950 de influența culturală a capitalei franceze într-o Europă liniștită. Kim Wanki, a cărui pictură evoluează de la o figurație stilizată (anii 1950) la abstractizare monocromă (anii 1970), trece prin Paris din 1955 până în 1958.
O personalitate excepțională, Yoo Youngkuk ( 1916-2002) a construit primele forme de artă abstractă geometrică coreeană la Tokyo, în timpul pregătirii sale la școala profesională Bunka Gakuin din anii 1930, dar în mod autodidact Un relief din 1939 (reconstruit în 1979) este compus din 6 dreptunghiuri monocrome de vopsea cu ulei lăcuit, parțial suprapuse pentru unii, altele doar în contact printr-un unghi, în 6 reliefuri distincte, direct pe perete. Tot acolo a învățat fotografia. Înapoi în Coreea, a încetat orice practică artistică din 1943 până în 1955. A devenit apoi promotorul unei abstractizări peisagistice recunoscută la nivel internațional în anii 1960 și 1970.
Prima generație de pictori este reprezentată de Kim Jugyong (1902-1981) și Kil Jinsop (1907-1975), care folosesc ulei, au fost printre puținii privilegiați care au putut studia în Japonia. La sosirea lor în Coreea de Nord, se angajează politic, Kim este ales în consiliul constituțional și desfășoară steagul și emblema națională. Kil devine un teoretician decisiv în căutarea unei noi estetici coreene. Într-adevăr, după perioada colonială, coreanizarea artei este de cea mai mare importanță.
În anii 1950, realismul socialist a avut încă o mare influență. Astfel, revista Joson Misul ( artă coreeană ) din 1959 explică modul de compunere a portretului unui muncitor în acest stil: un corp musculos și transpirat, un tricou murdar și rupt și un aer sumbru. La scurt timp, în anii 1960, ideologia Juche a fost pusă în practică: lucrătorii erau reprezentați curați, bine îmbrăcați și cu zâmbetul pe buze. Ulterior, articolul 45 din constituția din 1972 a definit arta Juche ca fiind națională în formă și socialistă în conținut.
Pentru pictorii coreeni din perioada postbelică, pictura figurativă este reînnoită odată cu această generație. Celebrul White Beef (1954) de Lee Jung Seob, expresionist, teribil de subțire este imaginea țării, a locuitorilor săi și a acestui artist care nu se poate rupe de sărăcie. Cel al lui Park Soo-keun (1914-1965) se desprinde de formalismul unei figurări geometrice, înainte de război, introducând materiale „cubiste” aspre, în legătură cu reprezentarea condițiilor de viață materiale extrem de dificile ale poporului coreean. -perioada de război.
În această perioadă, locul de la Paris tinde să dispară în favoarea „vaporului” american, susținut de o politică externă agresivă, inclusiv la nivel cultural. Revistele americane de artă din anii 1950 au răspândit rapid imaginea lucrărilor care au devenit faimoase în lume, imitate. Este timpul școlii din New York, Jackson Pollock devenind o icoană. Noțiunile de individualism și risc din pictura sa prezintă caracteristici ale culturii internaționale moderne cu care noul liberalism s-a identificat în timpul Războiului Rece. Lee Ungno (1904-1989), care a practicat tradiția picturii cu cerneală, a studiat în Japonia și apoi și-a găsit o nouă viață la Paris în 1958. Aproprierea figurării și a abstractizării practicate de mișcarea modernă și a mijloacelor tradiționale, cerneala și hârtia coreene , converge cu dinamismul Coreei în anii 1980, ani de democratizare și nu numai, o întreagă secțiune de artă contemporană coreeană.
Pictura abstractă a dominat în anii 1960, subiectul picturii a fost foarte important. Această pictură abstractă merge până la arta informală sau expresionismul abstract . Aceste tendințe sunt adunate în cadrul Asociației Artiștilor Contemporani, în jurul anului 1957. Acesta este cazul Ha Chong-Hyun, printre multe altele și al Park Seo-bo (1931), în anii 1950, cu multe altele. Soulages în aceiași ani. Park Seo-bo apare apoi, adesea, din materialitatea uleiului zdrobit pentru a evoca materiale prin mijloace grafice ( Scrieri , din anii 1970 până în anii 2000), pe compoziții de bătătură, aproape minimaliste, chiar monocromatice. (2017). Reducerea mijloacelor plastice, care se manifestă în abordarea Park Seo-bo, a fost o tendință generală în artă de la sfârșitul anilor 1960. Picturile lui Agnès Martin (1912-2004), în Statele Unite, sunt un bun exemplu . Acest curent va da naștere, de asemenea, unei viziuni îndreptate spre intangibil, cu culori aproape indistincte, chiar monocrome, precum cele ale Park Seo-bo în 2017.
O cale complet diferită, Art minjung , aparține unei mișcări înapoi la figurație, o mișcare internațională, reînviată aici în contextul politic coreean din anii 1980 , sub regimul autoritar al generalului Chun Doo-hwan (la putere din 1980 până în 1988). Tinerii artiști ai vremii, opuși capitalismului și culturii burgheze, reînvie tradițiile imaginii budiste, xilografii, picturi ale șamanismului, încă populare, și vor să creeze o cultură națională bazată pe ceea ce masele populare din Coreea. Aceștia critică acerbă conceptul modern de „ artă de dragul artei ”. Oh Yoon (O Yun) (1946-1986) este un bun exemplu, cunoscut pentru gravurile sale. Prin urmare, el a reactivat formulele xilografiei moderne ( gravuri expresioniste germane de dinainte de 1918) cu motive bine marcate cultural cu sigiliul Coreei. Acesta este minjung (ro) ca mișcare culturală, politică și populară în lupta pentru democrație. Această mișcare ia din tradiția națională ceea ce a fost devalorizat anterior: arta populară , pictura de gen (de exemplu , desenele lui Danwon ), gravurile și caracterul narativ al artei budiste, care este ușor caricaturat și se adresează tuturor.
Posibila distincție între o artă modernă sau contemporană, implicată „internațională” și o artă strict „coreeană” a favorizat recunoașterea unui tablou cu cerneală sau cerneală și culori, cunoscut sub numele de Hanguk-hwa . Această pictură figurativă, uneori cu un realism detaliat, dar în altă parte, cu jocuri puternice de apă sau cerneală, poate duce la evocarea unui peisaj aproape abstract, a unei abstractizări a peisajului. Se practică încă în 2016.
Din anii 1960, tendința internațională de a exploda genuri, pictură, sculptură, fotografie, video, performanță ... a creat forme noi și adesea hibride. Arta contemporană beneficiază din ce în ce mai mult de globalizarea informațiilor, iar artiștii coreeni, la fel ca alții, circulă în jurul lumii. Acest lucru nu înseamnă că totul este la fel, dar noțiunea de artă coreeană contemporană se aplică tuturor artiștilor de origine coreeană care sunt adesea absenți din Coreea și, în prezent, artiștii par desprinși de pictura tradițională coreeană. Cu toate acestea, referințele lor la Coreea, cunoștințele lor despre țară și istoria ei hrănesc munca lor. Lee Ufan depune o perie rapidă de albastru pur pe o porțelan de Park Youngsook, evocând multe legături cu istoria artei coreene . Practicile artei contemporane s-au răspândit în anii 1970, în întreaga lume, devenind adesea monumentale ( Mono-ha ) și au fost reînnoite prin contactul cu noile tehnologii, cum ar fi arta video . Artiștii își subliniază abordarea, indiferent de mijloacele pe care le-au ales. Astfel, pictura este adesea doar un mijloc adesea asociat cu alții pentru a produce un efect asupra privitorului. Lee Ufan (1936-) este o figură esențială în arta contemporană care folosește pictura în această perspectivă. A participat la textele fondatoare, la Tokyo, de Mono-ha (1968-1975), literalmente „Școala (-ha) de lucruri (mono)”. Reunește diferite materiale, dar și aceste materiale și spațiul înconjurător. Ar putea fi, în 2010, aplicarea simplă a unei perii încărcate cu materie care se dezvăluie a celui mai intens albastru după trecerea în cuptorul ceramic, pe o placă de porțelan de cel mai pur alb, de Park Youngsook (1947-). Tablourile de la Muzeul Lee Ufan din Naoshima sunt create, în raport cu spațiul picturii, „cu apăsări care par să se sincronizeze cu ritmul respirației calme a artistului”.
Arta contemporană, practicată de artiști de origine coreeană, dar care locuiesc adesea în alte părți ale lumii, participă la o reînnoire constantă a formelor artistice în care pictura continuă să trăiască.