Școala Rinpa (琳 派), uneori transcrisă „Rimpa”, este una dintre marile școli istorice de pictură decorativă japoneză . Dar nu este o „școală” conform tradiției japoneze, cu un maestru și ucenici, viitorii săi moștenitori. Numele Rinpa provine de la numele unui artist de la mijlocul perioadei Edo, Ogata Kōrin ( 1658-1716 ), de la care împrumutăm personajul „rin”, atașat personajului „pa”: „facțiune”, „școală” “, dar care include artiști de la începutul XVII - lea de a XX - lea secol , care a ales să -și însușească elementele de stil introduse de primul sau de succesorii lor.
Acest termen, „Rinpa“, literal „ a [școala] Korin“ este atribuită retroactiv pentru diverși artiști care folosesc anumite caracteristici stilistice inițial puse în funcțiune la începutul XVII - lea secol de doi artiști. Într - adevăr, mișcarea în care a fost localizată Korin a apărut la începutul XVII - lea secol, începând din perioada Edo , cu artiști Honami Kōetsu (1558-1637), care a practicat în principal , caligrafie, ceramica , fără decor și lac, și Tawaraya Sōtatsu ( a murit în jurul anului 1643), care practica pictura decorativă. Uneori au lucrat împreună, dar nu în mod consecvent.
Aproximativ cincizeci de ani mai târziu, frații Ogata Kōrin și Ogata Kenzan și- au însușit elemente ale stilului predecesorilor lor. În acest al doilea val, pictura decorativă este încă adesea asociată cu poeziile ilustrate de caligrafie, dar vedem apariția ceramicii decorate cu obiecte lăcuite de Ogata Kenzan. Apoi, publicațiile au vehiculat aceste modele, care au văzut aplicarea lor extinsă la îmbrăcăminte, kosode (kimono), în timp ce erau folosite, ocazional, de alți artiști.
Producția acestui curent decorativ Rinpa continuă până în prezent.
Pictorul care semnează, din 1616, numele lui Sōtatsu pare să fi fost numit Tawaraya, care ar putea fi numele atelierului său, înainte. Activitățile cunoscute ale acestui tip de atelier de decorare din Kyoto reunesc toate disciplinele legate de pictură: iluminare, pictură cu evantai, felinare, scoici și ecrane, desen arhitectural, desen textil, păpuși. Ele nu erau îndreptate doar către public, ci și către împărat, curtea sa și aristocrație. Hon'ami Kōetsu , născut într-o familie care trăia pe baza expertizei săbiilor, este în mod clar un personaj rafinat, caligraf renumit, cu un stil de scriere plin de spirit. Participarea sa, alături de al doilea maestru al familiei Raku , a deschis calea către o expresie mai personală în arta ceramicii. El menține, de asemenea, relații cu șogunii Tokugawa și cu alte figuri ale elitei. Ambii au dorit să reînvie rafinamentul și eleganța Curții Imperiale Heian (794-1185). Metalele prețioase, aurul și argintul, sunt utilizate pe scară largă cu caligrafia (de obicei Kōetsu) procese foarte libere, fluide și picturale (de obicei Sōtatsu) adesea extrem de economice: curbe trasate cu o singură apăsare, pentru a evoca iarba, ștanțarea sau amprenta plantelor puncte mari, în altă parte, un zbor de păsări: grupuri aranjate cu pricepere și trasate cu două apăsări plasate într-o cruce: nu există Nu mai este nevoie, de fiecare dată când o altă pasăre planează!
Un memento al erei HeianÎn 1602, numele lui Sōtatsu a apărut pentru restaurarea unei vechi colecții de sutre . Aceasta este o ofertă plasată într - un altar de familie Heike în 1164, la sfârșitul perioadei Heian ( XI - lea și al XII - lea secole). Perioada Heian (794-1185) este considerată „epoca de aur” a culturii japoneze. În acel moment, Japonia s-a eliberat treptat de relația sa cu China pentru a începe o cale originală. Deși chineza rămâne limba oficială a Curții Imperiale în perioada Heian, introducerea kanei promovează dezvoltarea literaturii japoneze. Acestea sunt primele romane din literatura mondială, precum Povestea lui Genji ( sec . XI ) și poeziile waka , toate scrise în caractere japoneze, nu în chineză clasică . Pictura Yamato, Yamato-e , practicată în perioada Heian, folosește coduri care se deosebesc de pictura chineză, în special pentru reprezentarea scenelor interioare, în funcție de perspectiva cu acoperișurile îndepărtate și pentru stilizarea corpurilor în hainele de curte, atât bărbați, cât și femei. Aceste picturi iluminează textele de romane, pe emaki și poezii sau povești, precum poveștile lui Ise , pe foi separate. Atelierul Tawaraya a produs probabil aceste foi pătrate, shikishi sau alungite, tanzaku . Referirea la perioada Heian, la stilul foarte particular al iluminărilor din această colecție, va avea o importanță esențială pentru Sōtatsu și apoi pentru întreaga școală Rinpa. Începutul perioadei Kamakura (1185-1333), care urmează perioadei Heian, este, de asemenea, folosit ca referință.
Trebuie spus, în această privință, că această referire la epoca de aur a culturii japoneze privește în primul rând aristocrația, curtea împăratului și însuși împăratul, Go-Yōzei (1572 -1617) și Go-Mizunoo (1596-1680), precum și negustorii bogați din Kyōto în acești ani care au văzut puterea războinică a Tokugawa Ieyasu (1543-1616) și dinastia sa se afirmă definitiv . Edo a fost promovat capital administrativ și economic în 1603, în timp ce Kyoto, împreună cu împăratul, dorea să fie centrul cultural al imperiului. Referința la epoca Heian este în mod clar o mișcare elitistă, de exemplu, literatura Heian a fost predominantă doar în curtea și clerul budist.
Această cultură rafinată, în jurul împăratului, cu referințe literare constante, se distinge de cea apreciată de războinici. Noii potențiali, cum ar fi Tokugawa, se înconjoară cu semne ostentative de putere, figuri monumentale ale leilor, portrete ale războinicilor și vaste scene detaliate cu o aplicare laborioasă a școlilor Kanō și Tosa (bazate doar pe secolul al XV- lea). La rândul său, aristocrația, cu împăratul în frunte, se va distinge prin alegerea stilului Yamato, de la sfârșitul perioadei Heian, cu codurile sale speciale și sobrietatea sa, un stil care scapă de aplicația laborioasă, design rafinat. , și joacă mai mult asupra puterii evocării poetice - unde ceea ce este reprezentat capătă o forță de sugestie într-un context literar mai mult sau mai puțin explicit.
La începutul secolului al XVII - lea secol, după ani lungi de război civil ( război Onin ) și instabilitatea socială, guvernul Tokugawa Centra eforturile pe o gestionare controlată a afacerilor națiunii și neo-confucianismul - tur tradițional în principal etice și valorile sociale - au prevalat asupra filosofiei Zen ca mod de gândire dominant în țară.
Interesul național s-a îndreptat apoi către marile ateliere ale școlii Kanō și către Tawaraya Sōtatsu ; Zenul și artele asociate acestuia, când au fost, și, deși erau încă practicate pe scară largă, au fost totuși retrogradate în plan secund și au pierdut binecuvântarea guvernului central. Acesta a fost sfârșitul marii modă pentru un Zen susținut de cele mai înalte autorități. Este suibokuga , una dintre artele asociate cu acest curent spiritual acum exclus din lumina reflectoarelor, care ar deveni modul de expresie fetiș al artistului marginal Niten , mai cunoscut sub numele marțial de Miyamoto Musashi (1584-1645).
Hon'ami Kōetsu aparține unei familii de șlefuitori de la nord de Kyoto care a servit curtea imperială, precum și a celor mai mari doi lideri militari ai vremii, Oda Nobunaga și Toyotomi Hideyoshi ; au menținut, de asemenea, relații cu șogunii Ashikaga . Tatăl lui Kōetsu a apreciat săbiile pentru familia nobilă Maeda, iar Kōetsu însuși a continuat, împreună cu familia Maeda, aceste evaluări și repararea lamelor, lacurilor și sidefului - materiale utilizate pentru mânere și garde. Săbii - în plus față de alte activități similare pe care le-a avut în domeniul artei, activități care l-au adus în contact cu personalități artistice. Acest lucru l-a determinat, alături de talentul său în expertiza săbiilor, să investească mai mult în domeniul picturii, caligrafiei , lacului și, în cele din urmă, să-l facă colecționar de vechi caligrafii și iubitor al ceremoniei ceaiului cu maestrul ceaiului Furuta Oribe. (1543-1615). În acest domeniu al ceramicii japoneze , a fost un creator de boluri de ceai folosind tehnica Raku . Propriul său stil de pictură este inspirat de cunoștințele sale despre aristocrata artă din perioada Heian .
Kōetsu îl cunoștea pe Tawaraya Sōtatsu . La începutul carierei sale, acest artist a lucrat într-un atelier - atelierul Tawaraya - care a oferit împăratului și curții sale hârtii decorate pentru caligrafie. În acest atelier, ca Tawaraya, a pictat și ventilatoare, înainte de a primi comisioane mai mari, precum restaurarea unei vechi colecții de poezii din perioada Heian. Această epocă a apărut, atât împăratului, cât și curții sale, ca o epocă de aur, pe care fiecare a readus-o la viață prin poezii, puse în cuvinte, poate în muzică, dar mai presus de toate, pentru noi, în caligrafie inspirată din hârtiile decorate alese pentru a se potrivi cu poezia dorită.
Sōtatsu reînvie, de asemenea, pictura din epoca Heian, sau Yamato-e , aducându-i spiritul inovator și procesele surprinzătoare. A devenit cunoscut pentru abilitatea sa de a aplica motive literare specifice rolelor orizontale pe ventilatoare, apoi pe role și ecrane verticale. Spre deosebire de stilul dur al școlii Tosa, el a favorizat contururile moi și formele expansive. Mai mult, succesul unui motiv precum cel al insulei Matsushima s-a datorat încărcăturii poetice și picturale a acestui loc, un meisho (pictura fiind un meisho-e ), deși foarte puțin văzut de artiști, inaccesibil în puterea cuvintelor potrivit poetului Matsuo Bashō care a vizitat-o în 1689. În evocarea insulei, Koetsu nu repetă descrierea conținută în Povestea lui Genji . Reține doar insulele și valurile. Acestea sunt urmărite în aur și argint, spuma fiind îmbunătățită cu gofun . Zonele plate albastre, verzi și maronii și modulația lor ușoară îmbunătățită de o zonă plană neagră puternică permit amplasarea maselor de pini și roci, izolate în mijlocul valurilor.
Cei doi maeștri au colaborat în numeroase ocazii, iar Sōtatsu i-a furnizat lui Kōetsu hârtie aurită. Sōtatsu însuși reînviat genul clasic de Yamato-e ( perioada Heian , VIII - lea - IX - lea secol) , care a inspirat Koetsu, aducând linii îndrăznețe și modele de culori izbitoare și alte intrări tehnice, în sus „ “ ștanțare plante pe frunze. Împreună, cei doi artiști au reînviat Yamato-e (pictura antică japoneză) aducându-i inovații contemporane. Lucrările lor aminteau de producțiile de atunci ale școlii Kanō , deși acestea din urmă vizau o artă mult mai aristocratică și mai ornamentată, unde Kōetsu și Tawaraya Sōtatsu erau preocupați de picturi frumoase care evocă natura pentru ceea ce ne sugerează ea.
Stilul tipic al școlii Rinpa descria subiecte simple luate din natură, cum ar fi păsări, plante și flori, cu un fundal realizat în frunze de aur. Multe dintre aceste picturi au fost folosite pentru a împodobi ușile glisante și panourile de perete ( fusuma ) ale caselor nobililor. Koetsu și Sotatsu au trecut prin sfârșitul tumultuoasei epoci Momoyama „fără ca estetica lor să fie influențată de cerințele constructorilor de castele”. Dimpotrivă, au rămas fideli averilor în scădere ale curții imperiale și tradițiilor rafinate ale Japoniei antice ”.
Ogata Korin, circa 1700-1716. Prună roșie și prună albă, în floare . Cerneală, culori, auriu pe hârtie, foaie de argint parțial mascată. 156,5 x 172,5 cm, fiecare ecran. Muzeul de artă MOA .
Ogata Korin. Kosode decorat cu flori și plante de toamnă. Muzeul Național Tokyo
Ogata Korin. Incrustări de cutie, lac, aur și sidef și cositor. ÎNTÂLNIT
Ogata Korin. Volubilis și alte flori. Gravură în lemn. Muzeul Metropolitan de Artă
Ogata Korin. Inrō , lac și pudră de aur, sidef. Muzeul Metropolitan de Artă
Ogata Kenzan. Vesela, gresie, emailuri. (5,2 x 36,7 x 31,6 cm). ÎNTÂLNIT
Ogata Kenzan, circa 1705. Ghiveci, lut dur și ușor; glazură gri-albăstruie, dungată, care prezintă o subglazură albă; personaje și peisaj în ușoară ușurare a alunecării. ÎNTÂLNIT
În XVII - lea secol, școala Rinpa continuă să apară personalități inovatoare. Ogata Kōrin ( 1658-1716 ), fiul unui prosper comerciant de la Kyoto, a spus că este el însuși tatăl său, un om de mare cultură, care l-a instruit în pictura în stil Kanō , a primit și el o pregătire în stil Rinpa. Inovațiile aduse de Korin constau în a face natura într-un mod mai abstract, mai puțin convențional, folosind gradații de culori și amestecuri de culori pentru a obține efecte vii și variații de culoare; De asemenea, Korin folosește pe scară largă materiale prețioase precum aurul sau perlele, rămânând fidel „semnăturii” obișnuite a școlii Rinpa.
Fratele său Ogata Kenzan , a studiat în continuare și în interesul său deosebit pentru ceremonia ceaiului, s-a orientat spre arta ceramicii din țara sa . Admirator al Ninsei , cu decor somptuos, a devenit olar profesionist și a început să lucreze cu Korin care a realizat picturile. El însuși caligrafia poeziile. Colaborarea lor a continuat până în 1701. Motivele lor sunt ecologice celor ale poeziei japoneze și care sunt, de asemenea, cele favorizate de Școala Rinpa: „frunze de arțar plutind pe râul Tatsuta, macarale în zbor, flori de mac ...”.
În această perioadă, faimoasa eră Genroku (1688-1704), o eră a înfloririi culturale , școala Rinpa a atins apogeul artei sale.
Trei artiști reiau apoi spiritul Rinpa, încă la Kyoto: Watanabe Shikō (1683-1755), Fukae Roshū (1699-1757) și Nakamura Hōchū (? -1819)
Watanabe Shiko, Flori . Ecrane cu panou dublu, 192,1 x 206,8 cm, circa 1683-1755. Galeria de artă mai liberă
Watanabe Shiko. Yoshino . Ecran (6 panouri), înainte de 1755. Cerneală și culori pe foi de aur pe hârtie
Fukae Roshu. „Calea îngustă” (? Transl. Aprox.) Ecran cu 6 panouri, culoare pe hârtie și foi de aur, av. 1757
Fukae Roshū. Două din șase suluri verticale pe tema anotimpurilor. Înainte de 1758
Nakamura Hōchū. Volubilis . Pergament vertical, cerneală, aur și culoare pe hârtie, 19,1 × 51,4 cm., Între 1780 și 1810. Muzeul Brooklyn .
Nakamura Hōchū. Albumul lui Korin . Amprentele din lemn policrom, două volume, 21,7 x 19,4 cm. 1802. Muzeul Metropolitan de Artă .
În XIX - lea lea , cu doua albume woodblock , Sakai Hōitsu (1761-1829) continuă să aducă arta Korin, de la Edo. Se bazează pe o expoziție care acoperă toate practicile artistului păstrate în Edo în 1815. Calitatea remarcabilă a gravurilor și bogăția de informații care le însoțesc au făcut din acesta un cvasi catalog raonat al operei păstrate atunci în Edo. Numeroase reediții au ajuns, din 1843, în această Europă realizată de moda japonezismului , apoi a Art Nouveau . Încalecă XIX - lea și XX - lea secole de multe personalitati sunt atat de afectate de Rinpa arta, printre altele critice Philippe Burty , Louis Gonse și Theodore Duret , gravor Henry River , imprimanta Charles Gillot și designer de moda Jacques Doucet .
Kamisaka Sekka (in) (坂雪, 1866-1942) este o figură artistică majoră a Japoniei de la începutul XX - lea secol. Născut la Kyoto într-o familie de samurai , talentele sale pentru artă și desen au fost recunoscute foarte devreme. A ajuns să se alieze cu școala tradițională de artă Rinpa. Este considerat ultimul mare susținător al acestei tradiții artistice. El preia temele și aplică stilul producției de modele pentru textile, cu o publicație de modele, în esență, valuri. Astfel, el a stimulat cercetările aplicate proiectării în 1902, într-un spirit care se regăsește în Art Nouveau și în mișcarea marilor expoziții universale. A mers la Expoziția Internațională din Glasgow în 1901.
Kamisaka Sekka. Pergament suspendat , cerneală și culoare pe mătase, 123,2 × 41,8, Metropolitan Museum of Art .
Kamisaka Sekka. Maple toamna , culoare și cerneală pe mătase, târziu 19 - lea secol, 139.1 × 41.6, Muzeul de Los Angeles County Art .
Kamisaka Sekka. Thousand Grasses (Chigusa) , circa 1900, 24,1 × 35,5, Los Angeles County Museum of Art .
Kamisaka Sekka. Momoyagusa 1 , cerneală și culoare pe hârtie, circa 1909-1910. H 29,8; L 44,7 cm. Muzeul și Galeria de Artă din Birmingham .
Kamisaka Sekka. 1909. Parcul Kasugano din Nara. Cinci cerbi pe un gazon cu niste copaci. Imprimare, 30 x 46 cm
Kamisaka Sekka. Ecran pliant cu imagine de flori a celor patru anotimpuri , între 1912 și 1926, Muzeul Hosomi , Kyoto .
Kamisaka Sekka. Bokudō , circa 1909-1910, tipărit pe lemn, O lume a lucrurilor.
Această prezentare acoperă cele trei secole de existență ale acestei școli și toate tipurile de producție. Cei mai reprezentativi artiști sunt clar vizibili, dar fragilitatea lucrărilor necesită o reînnoire parțială a spânzurării. În primele patru săptămâni ale expoziției, vom fi putut descoperi „ Tezaurul Național ” Zeii vântului și tunetului de Tawaraya Sōtatsu , păstrat în templul Kennin-ji din Kyoto și vizibil doar în ocazii foarte rare.
Resursă online: