Puteți ajuta adăugând referințe sau eliminând conținut nepublicat. Consultați pagina de discuții pentru mai multe detalii.
Arta contemporană este - un mod general și cuprinzător - toate lucrările produse din 1945 până în prezent, și indiferent de stilul și practica estetică , dar mai ales în domeniul artelor vizuale . În această clasificare, arta contemporană reușește arta modernă (1850-1945).
Această denumire se aplică și muzeelor, instituțiilor, galeriilor, târgurilor, expozițiilor, bienalelor care prezintă lucrări din această perioadă.
De asemenea, vorbim de artă contemporană pentru a desemna - prin convenție - arta anilor 1960 și după aceea. Prin urmare, arta pop marchează o rupere cu arta modernă . O altă convenție există, în iulie 2010, directorul Centrului de cercetare pentru filosofia europeană al Universității din Kingston din Londra, Peter Osborne susține o conferință la Fundația Antonio Ratti și lansează o controversă anunțând că „Arta contemporană este post-conceptuală ” .
În Franța, expresia „artă contemporană” este, de asemenea, utilizată - cu un sens mai restrâns - pentru a desemna practicile estetice și realizările artiștilor care pretind „un avans în progresul avangardei” și o transgresiune a granițelor dintre câmpuri .artistică (depășind granița a ceea ce simțul comun consideră a fi artă, adică artele plastice, prin experimentarea cu teatru, cinema, video, literatură etc.), sau o transgresiune a „Frontierelor artei așa cum este concepută arta modernă și clasică ” .
Noțiunea de „contemporaneitate” este în primul rând o noțiune istorică. Conform acestei abordări, perioada contemporană ar începe din 1945, odată cu sfârșitul celui de-al doilea război mondial și, pentru comoditate, majoritatea studiilor se referă la perioada care începe în 1945 și continuă până astăzi.
„Contemporaneitate” înseamnă și „simultaneitate”. Ceea ce este în aceeași perioadă este contemporan. „Contemporanul” ar fi deci modul care se face astăzi. Aplicată artei, această noțiune preia o specificitate estetică care poate deveni controversată, deoarece actorii nu au distanța necesară pentru a aprecia în mod eficient operele. Denumirea „artă contemporană” ar trebui, prin urmare, să nu fie luată doar cronologic, deoarece toate producțiile contemporane nu aparțin abordării contemporane și nici nu susțin că sunt astfel.
Noile referințe permit definirea a ceea ce este metoda contemporană. Una dintre primele este transgresiunea față de epoca anterioară; astfel noțiunea de „artă contemporană” ar dori să își afirme independența nu numai în raport cu noțiunea așa-numitelor arte „clasice”, în raport cu „arte plastice” și categoriile sale (pictură, sculptură etc.), ci tot în raport cu noțiunea de mod „modern”. Modul contemporan are deci propriile sale excluderi. Face parte din continuarea „ artei moderne ” și ar dori să pună, într-un fel, un capăt acesteia.
În plus, expresia „manieră contemporană” este utilizată astăzi pentru artiștii care sunt încă în viață și activi sau care ar putea fi, ceea ce în acest caz ar plasa originea metodei contemporane în anii 1960 , cu arta pop. , Arta conceptuală , Fluxus , evenimente sau artă video . Cu aceste curente artistice se va încheia perioada artei moderne și teoria lui Clement Greenberg, care a definit-o ca fiind căutarea specificității tehnicii.
În această permanentă căutare a unei definiții a contemporaneității, critica de artă și instituțiile joacă un rol important. Astfel, formele de artă ale căror probleme nu reflectă tendințele promovate de critica „contemporană” sunt în general excluse din abordarea „etichetată” contemporană.
Din punct de vedere geografic, din marile locuri artistice mediatizate, în principal occidentale (Paris, Londra, New York) și odată cu căderea Zidului Berlinului, în 1989, apoi creșterea puterii Chinei în acest moment În acest moment , lumea artei contemporane s-a globalizat, Africa și America Latină scăpând de această progresie.
Pentru Anne Cauquelin în 1992, criteriile care caracterizează arta contemporană nu sunt legate doar de momentul producției și nici de conținutul lucrărilor (forme, referințe, materiale), ci ar trebui căutate dincolo de latura artistică, în sociopolitică , filosofică teme și într-o economie globalizată.
Marc Jimenez vorbește în 2005 despre „nedefinirea” artei create de arta contemporană, legată de „definiția artei” identificată de Harold Rosenberg și lăsând criticii de artă să delimiteze arta și non-arta.
Apariția fotografiei exercitat o influență asupra multor artiști ca ai XIX E secolului, cum ar fi Degas și lăsate să dea naștere la arta modernă . Arta nu mai are doar funcția importantă de a reprezenta fidel realitatea, fotografia este mai capabilă să o facă, arta poate acum să încerce alte forme, să rupă canoanele frumuseții și să propună noi experimente și idei conceptuale.
Arta contemporană are temei pentru experimentele de artă modernă ( la începutul XX - lea secol), inclusiv dorința de a lua arta de locuri tradiționale și instituționale. În acest sens, arta își pierde treptat funcționalitatea reprezentativă. Creația contemporană rămâne o oglindă pentru o realitate scăldată în conflicte și capturi de putere cauzate de aceste atacuri asupra raționalității. Arta reflectă crizele societății și rămâne locul de exprimare a valorilor. Relația dintre artă și istorie nu poate fi evaluată calitativ sau cantitativ, dar acestea conduc la o concepție mai instituțională a artei: colecționari, sedii centrale, galerii, muzee etc. să se deschidă către un public mai larg. Cu toate acestea, actorii artei moderne, în dorința lor de a-și exprima opinia artistică în afara cadrelor instituționale pentru a se adresa publicului, rămân legați de instituții; abordarea lor a fost să se opună unei ideologii ( Heartfield către nazism) sau, dimpotrivă, să participe la propagarea unui gând politic.
În ciuda sfârșitului ideologiilor impuse artei moderne, artiștii actuali preiau singuri acest patrimoniu exprimându-și angajamentul profund față de instituții. În special, atunci când sensibilitatea lor este tulburată.
Astăzi, arta contemporană suferă declinul ideologiilor moderne (în anii 1960, apoi din 1990 odată cu căderea comunismului). Se bazează pe comportamente noi: reînnoire stilistică, amestecare artistică, diverse origini, arte tehnologice (accesul la puterea matematică a computerelor și ergonomia software-ului), modul de abordare a realității. Tehnologiile au adus mereu instrumente artei. Astăzi, artistul îl folosește ca instrument de acoperire media și inventează altele noi. Se bazează pe cultura istorică, listată; citește, vizitează, înțelege, caută, se specializează, își concentrează subiectul și depășește ceea ce s-a făcut. Uneori ia atitudine, vrea să fie demonstrativ sau șocant, în orice caz caută o acoperire media.
Pentru Anne Cauquelin , în anii 1910 , Marcel Duchamp a dezvăluit viitoarea rețea a artei contemporane, cu speculații cu privire la valoarea expoziției asupra unui obiect care poate fi pur și simplu un obiect fabricat ( gata pregătit ).
Expoziția din 1969 When Attitudes Become Form a jucat un rol esențial în tranziția de la arta modernă la cea contemporană.
Diferența dintre arta modernă și arta contemporană nu este făcută în mod clar și, în Franța, muzeul național de artă modernă nu face, la sfârșitul secolului XX E , diferența în colecțiile sale . Expresia „artă contemporană” este inventată de curatorii muzeelor și ar putea fi arta care le modifică funcția și modul lor de lucru, chiar dacă aceasta înseamnă îngreunarea acesteia. Pentru Catherine Millet , arta contemporană este cu adevărat „contemporană” în sensul că este în ton cu vremea sa, în timp ce arta modernă se desprinde de ea.
Pentru Anne Cauquelin , trecerea de la arta modernă la arta contemporană este, de asemenea, aceea a unui sistem de consum la un sistem de comunicare, în care actorii rețelei sunt, de asemenea, manageri și unde publicul nu mai are decât un rol de pasiv. aprobare și consum.
Arta contemporană se bazează pe experimentele artei moderne și susține în mod regulat încălcarea deschisă de Marcel Duchamp și de alții care eliberaseră practica artei de constrângerile clasice ale reprezentării.
Gândirea postmodernistă a formulat majoritatea problemelor inerente artei contemporane, eliberate de curentele ideologice ( comunism și capitalism ), fără a împiedica totuși artiștii dedicați să critice abuzurile politice sau ideologice.
În Franța, crearea facultăților de arte plastice constituie o bază pentru contestarea predării academice a artelor plastice ; subiecte străine anterior domeniului educației artistice, sociologiei , etnologiei , esteticii și altele, ghidează cercetările artistice în ton cu evoluțiile sale recente.
Căutarea formală a frumuseții este urmată de noi căi de cercetare estetică, dintre care cea mai radicală, artă conceptuală , minimalism , performanță , artă corporală modifică permanent sensul și percepția artei, care este uneori orientată spre prima vedere ermetică către cei neinițiați.
Anumite curente, cum ar fi noii realiști , figurarea liberă și trans-avangarda , precum și anumiți mavericks, nu au părăsit însă mediile clasice, în timp ce și-au modificat radical abordările creative.
Explozia tipurilor de suport (pictura este adesea neglijată în favoarea instalațiilor, spectacolelor sau altele) și conținutul lucrărilor modifică profund rețelele de mediere artistică; noilor galerii se adaugă noi contexte expoziționale și apariția unor noi medii de diseminare.
La Paris, Salon Comparaisons , de la Musée d'art moderne de la ville de Paris , a fost, din 1954 , punctul de întâlnire pentru toți expozanții acestor tendințe, confruntat, în același spațiu, cu pictori figurativi și abstracte de pictură pe șevalet.
Din anii 1980 , au apărut artele cu o puternică componentă „tehnologică”, cu arta video , estetica comunicării, arta computerelor apoi, ulterior, arta digitală , bio-arta etc. Lista nu este exhaustivă și urmărește foarte atent progresele din cercetarea industrială.
În anii 1990 , arta contemporană occidentală a acordat „eticheta” multor artiști din așa-numitele țări „în curs de dezvoltare”, care au fost practic absenți în trecut. Paradigmele globalizării și pierderea reperelor clasice spațio-temporale au apreciat abordările personale, unde componentele biografice, sociologice, chiar religioase sunt apreciate în cadrul procesului de lucru.
Comunicarea legată de Internet joacă un rol din ce în ce mai important în recepția și medierea artei contemporane, în amonte de expozițiile în sine, care integrează din ce în ce mai mult structurile de mediere de stat. Acesta dă loc „consultanților de artă contemporană” (în limba engleză The Contemporary Art Consultants ), care sfătuiesc gratuit cu privire la valorile viitoare. Schimbările care au avut loc în cele mai dezvoltate țări (în special ponderea crescândă a sectorului terțiar ) au dat naștere unei nevoi tot mai generalizate de artă, care nu face sarcina artiștilor, necesită criza, cu atât mai ușor.
Arta contemporană, adesea obscură și provocatoare în ochii publicului larg, este adesea văzută ca emanație a artei oficiale . Cu toate acestea, astăzi este mult mai acceptat și mai răspândit decât înainte; o inundație de opere de o calitate inegală o face confuză și necesită adesea o investiție personală din partea publicului (vezi Teoriile moderne ale artei ).
Listate pe internet, operele de artă contemporană reprezintă, de asemenea, un potențial ineficient financiar, care nu exclude efectele modei în detrimentul operelor cu adevărat originale.
În plus față de suporturile clasice ( pictură în ulei , pastel, cretă roșie, bronz, marmură etc.), arta contemporană este în mod special pasionată de suporturile noi, chiar și de „non-mediumuri”. În special, vocația efemeră sau „continuă” a unui număr de lucrări pune sub semnul întrebării chiar noțiunea de mediu, care devine adesea un simplu vector de mediere, mai degrabă decât un mediu stabil. Acest lucru se leagă de transformarea mijloacelor de informare care a început în anii 1980 , care se dematerializează treptat în favoarea unei logici de „relație”:
Unele medii precum fotografia - care este „vizuală” ( Joel-Peter Witkin ) - cinematograful - care devine „experimental” (seria Cremaster a lui Matthew Barney ) - au câștigat statutul deplin al artei (alături de pictură, sculptură sau muzică) și astăzi constituie categorii autonome.
Noțiunea de artă multimedia, larg pusă la îndoială astăzi, pune la îndoială statutul operelor rezultate din instalații, de multe ori spectacole mixte, așa cum au apărut în anii 1950 .
Criticii artei contemporane au început în anii 1990. În 1991 Marc Fumaroli a criticat instituționalizarea artei în The Cultural State: A Modern Religion . Jean Clair a publicat The Responsibility of the Artist în 1997. Aude de Kerros , L'Imposture de l'Art Contemporain în 2015. În Statele Unite, Michelle Marder Kamhi a publicat în 2014 Who Says That Art? (Cine spune că este artă?) ... Criticii sunt direcționați din diferite puncte de vedere: lipsa fundației estetice, instituționalizarea excesivă, pierderea tuturor punctelor de referință, logoreea, utilizarea dăunătoare în tratamentele medicale, devierea de la artă la divertisment ...
Cele cinci extrase de mai jos rezumă esența criticilor formulate cu privire la așa-numita artă „contemporană”:
În catalogul raisonné al Salon des Indépendants din 1999, președintele Salonului, Jean Monneret , lansează un pamflet violent împotriva definiției convenite a artei contemporane, după ce a criticat mult timp funcționarii care guvernează predarea artelor plastice și alegerea lucrări cumpărate de stat și de comunitățile locale ( p. 51 ):
" Artă contemporană ? Toți artiștii vii fac parte din arta contemporană. Artiștii fac artă. Toți artiștii. Liber!
Cu toate acestea, statul dorește ca publicul să creadă că există o singură artă demnă de interes, așa-numita artă „contemporană”, adică arta de stat. Ca și cum instalarea, performanța sau arta necultivată - atâta timp cât legenda care o însoțește este logoreea - sunt, în sine, continuarea istorică, liniară, incontestabilă a tradiției artistice. Este adevărat că în așa-numita artă „contemporană”, cu cât este mai puțin de văzut, cu atât mai multe sunt de spus! Într-o expoziție de artă contemporană, un canal de ventilație, echipamente de urgență sau placarea instalațiilor sanitare se îmbină adesea cu lucrările expuse. Întrebarea este atunci, unde este munca? Atât armonia este perfectă între container și conținut.
În realitate, arta de stat ia o cale unică care exclude în mod arbitrar arta celor mai buni artiști din saloanele istorice . Democrația ar cere statului, care să țină cont de banii contribuabililor, să țină seama de realitatea contemporană în toată diversitatea sa, fără excludere ... ”
În Taylor raportul moral din iulie 2006 ( pag. 6 și 7), revizuirea fondator al baronului Taylor , vice-presedinte, pictorul și jurnalistul Philippe Lejeune , distinge noțiunea de artă plastică din cea a artei contemporane..
„[…] Practicăm o artă numită„ pictură ”, această activitate a fost considerată odată ca făcând parte din Arte Plastice [...]. Preocupat de modernitate, în special dornic să scape de un imperativ la fel de greu de suportat ca frumusețea, cearta dintre antici și modernii în care trăim constă pur și simplu în eliminarea referinței la frumusețe. Incapabili să modifice în continuare valorile tradiționale ale artei după experiențele de la mijlocul secolului trecut, au îndrăznit, întotdeauna cu aceeași etichetă aparentă, să furnizeze o marfă total diferită. Ei au avut onestitatea, să recunoaștem, să-și schimbe numele. Saloanele contemporane nu mai sunt saloane de pictură , sunt saloane de artă contemporană […].
Expoziții de artă contemporană în locuri unde a fost expusă „pictura”, ceea ce menține în mod firesc confuzia. Dar, mai degrabă decât să definim o nouă formă de artă, îi aplicăm regulile unei alte discipline, ca un jucător, obosit de bridge, adaptează regulile belotei ... Arta contemporană refuză toate regulile, cu excepția celei de excludere. Știți că un slogan celebru era să interzică toate interzisele. Arta contemporană trăiește doar pe ukase. Orice, cu excepția reprezentării […].
Se spune că arta contemporană este conceptuală, adică, pornind de la un concept, reușim să oferim senzație.
Artele plastice au un scop complet diferit, au un program foarte diferit. Pornind de la experiență, ei o confruntă cu memoria colectivă pentru a ajunge exact la o idee, adică un element care poate fi comparat [...]. "
După procesul său împotriva MNAM (centrul Georges-Pompidou), Fred Forest scrie pe coperta din spatele cărții Operațiunea și disfuncția artei contemporane :
„Această carte tinde să dezvăluie limitele și contradicțiile unui sistem care nu mai poate rezista în forma actuală de elită în beneficiul unei mână de oameni privilegiați, mereu aceiași, care beneficiază de mulțumire și mană publică. Lupta vasului de pământ împotriva vasului de fier, aceasta este descrierea detaliată a procesului meu până la Consiliul de stat împotriva centrului Georges-Pompidou și, prin acesta, împotriva instituțiilor publice de artă contemporană pentru refuzul lor de transparență cu privire la achiziții și nerespectarea lor de către legea din 78 privind contabilitatea publică. Dincolo de artă, abordarea întreprinsă aici este în primul rând o abordare cetățenească care pune adevărata întrebare a utilizării fondurilor publice și a culturii într-o democrație. "
În septembrie 2011 , Daniel Buren din revista L'Œil a remarcat, în timpul unui lung interviu, incapacitatea, confuzia și falimentul expresiei „artă contemporană”:
„De regulă, aș spune că sănătatea uluitoare pe care o primește - bienale din întreaga lume, târguri la fiecare pas și case de licitații ocupate - sunt aspecte oarecum paradoxale ale unui domeniu care, în termeni de gândire, este pe punctul de a falimenta. . Nu mai este un moment din istorie, ci moda de zi cu zi. „Contemporan” este un termen complet lipsit de sens, dar este una dintre cele mai reușite descoperiri care au găsit vreodată să înțepenească tot ceea ce ar putea prezenta un artist, care este chiar puțin nou și deranjant. [...] "
În Ianuarie 2021, Benjamin Olivennes publică un eseu, L'Autre Art contemporain , sub forma unei contristorii a artei și a unui manual de rezistență la conformism. Această mică carte intenționează să ofere un manual de rezistență la discursul despre arta contemporană. El și-a pus mâna pe o viziune mitică a istoriei artei : secolul al XX- lea a fost în primul rând avangarda secolului, fiecare fiind mai departe decât precedentul la chestionarea unor concepte precum figurarea , frumusețea și chiar opera. Dar nu numai aceste noțiuni vechi au continuat să existe în așa-numitele arte minore , dar mai presus de toate, a existat o altă XX e artistică pictură tradiție din secolul care a persistat în a descrie realitatea și re-apare la începutul anilor 2020, de la Bonnard la Balthus , de la Morandi la Hopper , de la Giacometti la Lucian Freud . Acest eseu invalidează piața artei contemporane.
La cel de-al 4- lea Congres Mondial de Reziliență organizat de Resilio (Asociația Internațională pentru promovarea și diseminarea cercetării privind reziliența) în parteneriat cu Universitatea Aix-Marseille, în prezentarea sa despre reziliența în artă, ceea ce rezistența terapiei prin artă , subliniază Ksenia Milicevic :
„Când este doar jocul, arta contemporană prin infirmarea frumosului și bazată pe urât transmite nevroze, anxietăți și diverse patologii care, fără a fi elaborate într-un cadru estetic, dar sunt prezentate în primul grad, exercită o influență nocivă asupra vizualizator. În loc să o lege de armonia lumii și de energia celor vii, el propune descompunerea și moartea ( bio-artă , body art , performanță , artă transgresivă , pictură proastă ). "
Arta contemporană se caracterizează în special printr-o cursă pentru noutate, cu un număr foarte mare de mișcări și o evoluție a conceptului modern de avangardă .
Licitația colecției Scull din 1973 a marcat un moment decisiv, arătând că colectarea operelor de artă nu era doar un hobby de lux, ci și o sursă de profit. Această vânzare încurajează publicarea prețului operelor și înființarea unei piețe de artă vibrante în Statele Unite. Achizițiile frecvente și semnificative ale colecționarilor bogați individuali duc la o serie de înregistrări de prețuri, din ce în ce mai frecvente până cel puțin în anii 2010.
Germania, devastată și ocupată, apoi divizată la sfârșitul celui de-al doilea război mondial , se reconstruiește în special datorită subvențiilor americane. Dar și-a recăpătat rapid independența culturală, în special datorită unor artiști precum Joseph Beuys . Această rezistență eficientă se reflectă în crearea documentației în Cassel în 1955, apoi în cea a primului târg de artă contemporană , Art Cologne , în 1967.
Arta contemporană britanică a căpătat avânt în anii 1980 liberali, odată cu generația de tineri artiști britanici (YBA) și cu figuri provocatoare precum Damien Hirst , Tracey Emin și Sarah Lucas . Colecționarul și omul de afaceri Charles Saatchi face multe pentru a promova YBA, ale cărui prețuri pentru lucrări ajung la cele ale operelor americane la licitație. Londra devine un oraș important al artei contemporane, care se reflectă în special prin deschiderea Tate Modern , în timp ce Germania se află marginalizată.
Expoziție Sensation conținând lucrări ale tinerilor artiști britanici la Muzeul Brooklyn în 1999. În prim plan, Imposibilitatea fizică a morții în mintea unei ființe vii , de Damien Hirst , 1991.
Pentru tine („Pentru tine”), lucrează in situ la Tracey Emin, situat în Catedrala din Liverpool , 2008.
Charles Thomson . Sir Nicholas Serota ia o decizie de achiziții ( Sir Nicholas Serota face o decizie de cumpărare ) (ro) , 2000 Stuckismul actual . "Este acesta un Emin adevărat (10.000 GBP ) / sau un fals fără valoare?" "
În timp ce Parisul a fost centrul artistic al lumii, a pierdut acest loc la sfârșitul celui de- al doilea război mondial , într-un context de dezbateri filosofice și politice privind sprijinul care trebuie acordat comunismului . Scena artistică franceză este percepută ca radicală și doar grupul de noi realiști , condus de Yves Klein și Pierre Restany , s-a apropiat de o puternică notorietate internațională în anii 1960. Artiștii acestei mișcări, precum Martial Raysse , César sau Niki de Saint Falele își iau independența. În ciuda prezenței unor pictori precum Pierre Soulages sau a unor artiști precum Christian Boltanski , arta contemporană rămâne mai marcată de arta conceptuală decât în altă parte.
Pentru Nathalie Obadia , Belgia are o influență excepțională în comparație cu dimensiunea sa. În tradiția lui Marcel Broodthaers și René Magritte , artiști precum Luc Tuymans , Wim Delvoye sau Jan Fabre , toți trei flamandi , au o mare reputație internațională. Cu toate acestea, ele nu sunt susținute de o politică culturală puternică, deoarece este mult mai puțin organizată decât în Franța.
Căutând Utopia („În căutarea utopiei”), sculptură de Jan Fabre instalată în Nieuport ca parte a ediției din 2003 a trienalei Beaufort .
Luc Tuymans vorbește despre tripticul său mural Sf. Croce , 2010, MCA Museum of Contemporary Art din Chicago .
Caterpillar , sculptură de Wim Delvoye instalată în Middelkerke , tot ca parte a Beaufort 2003.
Mai târziu la scară europeană, țara găzduiește totuși un târg major: Art Basel în Basel . Dealerii săi de artă precum Bruno Bischofberger și Ernst Beyeler au fost totuși foarte puternici între anii 1960 și 2000.
Leo Castelli este o figură majoră în rândul galerienilor și al comercianților de artă. Deschizându-și galeria în 1957 la New York , a participat foarte puternic la diseminarea unei arte americane care a devenit dominantă. Cu fiecare dintre artiștii săi principali, el formează o echipă care este apoi un model pentru mulți proprietari de galerii și care este pentru Nathalie Obadia un „pivot al soft power-ului american”. Ileana Sonnabend este, de asemenea, o galeristă influentă, cu o relație personală diferită cu artiștii.
Împerecherea dealer- colecționar ar fi foarte eficientă în promovarea unui artist sau a unui grup de artiști. Naționalitatea ar fi luată în considerare în special, achizițiile americane și chineze servind în special ca referință. Colecțiile private pot da naștere instituțiilor prin donații sau legături , cum este cazul în Statele Unite cu Muzeul Whitney sau MoMa .
În Franța, colecționarii sunt în principal bărbați (73% din colecționari conform unui sondaj din 2015), mai în vârstă, mai educați și mai mult Ile-de-France decât populația medie franceză. Deși unii dintre ei, precum François Pinault , sunt printre cei mai importanți din lume, ei rămân discreți în țară, în special din cauza unei priviri de suspiciune asupra statutului lor.
De muzee au un rol de legitimare a operelor și a artiștilor, și țese o legătură între arta contemporană și crearea trecut, participând la arhivarea rapidă a acestei creații.
Din readymade , publicul ar avea o responsabilitate enormă, deoarece trebuie să decidă dacă ceea ce observă este sau nu o operă de artă.
Începând cu anii 1950, târgurile au permis structurarea pieței de artă contemporană, dincolo de organizarea galeriilor. Târgurile majore determină calendarul de artă, la care trebuie să se adapteze jucătorii din sector, dar și din lux. Pentru Nathalie Obadia , este o „ evenimentizare ” a pieței de artă, care permite proprietarilor de galerii să atragă colecționari.
Locurile instituționale a căror misiune este să păstreze lucrările, cumpără artă contemporană și prezintă colecțiile astfel produse. De asemenea, organizează expoziții împrumutând lucrări din alte colecții publice sau private.
AfricaPentru Nathalie Obadia , în 2019 nu există o singură scenă africană, cele cincizeci și patru de țări ale continentului având puternice disparități. Deși au apărut artiști africani, aceștia se bazează în mare parte la Paris sau Londra și nu există o structură comparabilă cu țările occidentale, cu excepția potențialului din Africa de Sud .
AmericaCentrele de artă contemporană își propun să prezinte lucrările artiștilor contemporani. Se deosebesc de muzee în sensul că nu păstrează operele pe care le prezintă. Prin urmare, ele nu constituie colecții. Înființează expoziții în funcție de alegerile lor editoriale, specifice fiecărui loc, obiectivul fiind diseminarea și promovarea artei contemporane. Găsim astfel de centre de importanță variabilă în întreaga lume.
AfricaCele FRACs sau fonduri regionale de artă contemporană sunt instituțiile culturale , create în 1981, care au ca scop promovarea artei contemporane. Misiunea lor este mai presus de toate de a construi un patrimoniu , de a sprijini creația și de a disemina pe scară largă fondurile stabilite prin sensibilizarea publicului asupra abordărilor artistice contemporane.
Cifrele din vânzarea de 1 st octombrie 2004 la 30 septembrie 2005: SUA 58%, Marea Britanie 27%, Franța 3% Italia 2%, Germania cu 2%, alte 8%
Târgurile de artă contemporană sunt locul în care galeriile majore prezintă clienților lor internaționali o selecție dintre artiștii pe care îi reprezintă.
Piesa „Art” de Yasmina Reza este pentru Arthur Danto și Marc Jimenez o alegorie a artei contemporane. În această piesă, trei bărbați prietenoși sunt împărțiți cu privire la achiziționarea de către unul dintre ei a unei picturi monocrome, a caracterului estetic și a figurării.