Naștere |
30 noiembrie 1904 Grandin |
---|---|
Moarte |
23 iunie 1980(la 75 de ani) New York sau Baltimore |
Numele în limba maternă | Clyfford Elmer Still |
Naţionalitate | american |
Activități | Pictor , gravor |
Camp | Pictura |
---|---|
Membru al | Academia Americană de Arte și Litere |
Circulaţie | Expresionism abstract |
Reprezentată de | Societatea pentru drepturile artiștilor |
Gen artistic | Artă abstractă |
Influențată de | Kasimir Malevich |
Site-ul web | www.clyffordstill.net |
Fără titlu ( d ) , PH-143 (1955-H) ( d ) , 1944-N Nr. 2 ( d ) |
Clyfford încă Elmer este un pictor american de la mijlocul XX - lea secol . Este unul dintre membrii fondatori ai expresionismului abstract în Statele Unite . S-a născut pe30 noiembrie 1904în Grandin , Dakota de Nord , și a murit pe23 iunie 1980în New York . Un muzeu i-a fost dedicat în Denver ( Colorado ) din 2011.
Clyfford încă aparține grupului mic original al expresionismului abstract , împreună cu Jackson Pollock , Willem de Kooning , Mark Rothko , Barnett Newman , Franz Kline , Philip Guston , Arshile Gorki , Robert Motherwell și Adolph Gottlieb . El a fost aproape de Pollock în prima generație de expresionism abstract și a dezvoltat foarte devreme o nouă abordare, prin abstractizare, a picturii, începând din 1944, cu formate mari (inclusiv 1944-N N o 2 , cunoscut și sub denumirea de Red Flash pe Câmp negru , ulei pe pânză, 264,8 × 221,6 cm , MoMA , Colecția Sidney și Harriet Janis , 1967). De-a lungul vieții sale rar și-a expus sau vândut pictura.
Încă s-a născut în 1904 în Grandin , Dakota de Nord și și-a petrecut copilăria în nord-vestul Statelor Unite, în Spokane , Washington DC și pe insula Bow din sudul Alberta , Canada. În 1925 a vizitat New York-ul și a studiat pe scurt la Art Students League . A urmat cursurile Universității Spokane din 1926 până în 1927 și s-a întors în 1931 cu o bursă, absolvind în 1933. În toamna anului 1933 a fost profesor ( coleg didactic ), apoi membru al facultății ) de la Washington State College (acum Washington State University ), unde a obținut diploma de master în arte plastice în 1935. A predat acolo până în 1941.
A petrecut verile 1934 și 1935 la Trask Foundation (acum Yaddo ) din Saratoga Springs, New York . În 1937, împreună cu Washington , colegul lui Worth Griffin, Still co-fondat colonia de arta Nespelem (inclusiv fără titlu (Indian Case, Nespelem) (1936)) , care a produs sute de portrete si peisaje care descriu viata nativ american. De Colville Indian Reservation ( Washington State ) peste cele patru veri 37 - 40. În stil documentar observă culorile îmbrăcămintei indiene) și efectuează studii mai libere într-o paletă pe care o va aminti mulți ani.
În 1941, s-a mutat încă în zona golfului din San Francisco, unde a lucrat în diferite industrii de război, în timp ce își continua pictura. A avut prima expoziție solo la San Francisco Museum of Art (acum San Francisco Museum of Modern Art ) în 1943. A predat la Richmond Professional Institute (RPI), acum Virginia Commonwealth University , din 1943 până în 1945, apoi la New York Oraș.
În 1944, a produs două picturi care prezintă asemănări formale foarte mari 1944-N N o 1 și 1944-N N o 2 : formate mari (pentru primii 266 × 233 cm ), abstracție și cu un cuțit în palet gros ceea ce creează o textură neregulată: efecte mari de vopsea neagră / linii de culoare „zimțate”, „crăpături”, „răni”, „crăpături zimțate” în termenii des folosiți pentru a le evoca. Aceste pânze se rup cu toate picturile anterioare prin formatul și caracterul lor abstract. Au, de asemenea, toate trăsăturile dominante ale picturii lui Still după aceea.
Procedând astfel, el susține că suprimă orice imagine recunoscută: „Eu mă pictez doar pe mine, nu natura”. De fapt, a vrut să șteargă orice legătură cu tradiția europeană a picturii. „Pigmentul de pe pânză”, scrie el, „are un mod de a invita reacții convenționale ... În spatele acestor reacții, există un corp de istorie maturat în dogmă, autoritate, tradiție. Dispretuiesc hegemonia totalitară a acestei tradiții, îi resping prezumțiile . "
1946: Mark Rothko , Still care se întâlnise în California în 1943, l-a prezentat lui Peggy Guggenheim , iar ea a prezentat Still prima sa expoziție solo în galeria sa, The Art of This Century Gallery (în) la începutul anului 1946. Următoarele anul, Peggy Guggenheim și-a închis galeria și Still, împreună cu Rothko și alți expresioniști abstraci, s-au alăturat galeriei Betty Parsons . Există trei expoziții (1947, 1950, 1951). S-a întors la San Francisco, unde a devenit un profesor foarte influent la California School of Fine Arts (acum San Francisco Art Institute ), a predat acolo din 1946 până în 1950. A avut o expoziție la Palatul Legiunii de Onoare din California , San Francisco (1947). În 48, împreună cu Rothko, a pus bazele a ceea ce va deveni subiectele academiei de artiști , un loc de reflecție colectivă și un club de artiști care a invitat vorbitori la prezentări care au fost discutate și dezbătute. Clyfford Still s-a mutat din nou la San Francisco timp de doi ani, înainte de a se întoarce la New York.
Anii 1950: În 1950, s-a mutat la New York și a rămas acolo cea mai mare parte a deceniului. Ne aflam atunci la apogeul expresionismului abstract, dar el a evitat orice asociere cu Școala New York School of Abstractionnism School ( Școala din New York ). În acest moment a devenit din ce în ce mai critic față de lumea artei. Mai mult, el face parte din grupul de „ irascibili ” (aproape toți expresioniștii abstracti) care protestează în 1950 (în timpul unei întâlniri la Subiecții artistului ) împotriva disprețului de care fac obiectul. Al Muzeului Metropolitan de Artă. Într-adevăr, muzeul pregătește prima sa expoziție de artă americană cu un juriu care își manifestă disprețul față de abstractizarea americană. Fotografia „irascibililor”, publicată mai târziu în Viață, îi va face universal celebri, asigurând publicitatea expresionismului abstract. La acea vreme, mai mult decât toți ceilalți din grup, încă a insistat asupra unicității propriei sale lucrări în cadrul grupului, și-a arătat disprețul pentru unii dintre colegii săi și, în cele din urmă, cererile sale crescânde de recunoaștere. New York. La începutul anilor 1950, Still și-a rupt legăturile cu centrele comerciale. Cu toate acestea, o retrospectivă a lui Still a avut loc la Galeria de Artă Albright-Knox din Buffalo, New York, în 1959.
1961: s-a mutat la o fermă de 22 de acri lângă Westminster, Maryland , retrăgându-se din lumea artei și unde ar putea lucra în singurătate. El a folosit întotdeauna un hambar ca atelier, în proprietate, în lunile mai calde. În 1966, Still și a doua sa soție au cumpărat o casă de 400 de metri pătrați la 312 Church Street din New Windsor, Maryland , la aproximativ opt mile de ferma lor, unde a locuit până la moartea sa.
În anii 1960 a avut mai multe expoziții personale (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Philadelphia (1963) și Marlborough-Gerson Gallery, New York (1969–70)). În 1972 a primit Premiul meritului pentru pictură de la Academia Americană de Arte și Litere la care a devenit membru, apoi Medalia Skowhegan pentru pictură în 1975. Tot în 1975, un set de tablouri sale a fost expus permanent la San Francisco Muzeul de Artă Modernă . În cele din urmă, a avut o expoziție la Muzeul Metropolitan de Artă în 1980.
Printre primele picturi expresioniste abstracte, iulie 1945-R din 1945 (un timp numit Quicksilver [Fulger]) evocă tocmai un fulger, o linie eratică verticală albă pe un fond întunecat sau negru. Cu toate acestea, el vorbește într-o scrisoare din 1950, despre o fulgerare care ar fi provocat în el o „revelație”, fără ca cineva să poată ști de ce tip a fost această revelație.
Încă considerat unul dintre cei mai proeminenți pictori din mișcarea de pictură Color Field, picturile sale non-figurative sunt, de asemenea, non-obiective și se referă în mare parte la juxtapunerea diferitelor culori și suprafețe în diverse configurații. Spre deosebire de Mark Rothko sau Barnett Newman, care și-au organizat culorile relativ simplu (Rothko sub formă de dreptunghiuri nebuloase, Newman în linii subțiri pe câmpuri vaste de culoare solidă ), aranjamentele lui Still sunt mai puțin regulate. Exploziile sale de culoare zimțate îl fac să pară că un strat de culoare a fost „rupt” din pictură, dezvăluind culorile de dedesubt. Un alt punct de dezacord cu Newman și Rothko este modul în care vopseaua este așezată pe pânză; În timp ce Rothko și Newman folosesc culori destul de plate și vopsea relativ fină, Still folosește un impasto greu, producând o mare varietate de grosimi subtile și nuanțe care strălucesc, care prind lumină reală. În 1947, începuse să lucreze în formatul mare pe care îl va mări și regla de-a lungul carierei sale - un domeniu de culori, format mare, aplicat cu cuțite de paletă, care ar crea efecte de lumină și de material texturat.
Prin aceste efecte materiale, cu o proporție ridicată de ulei sau cu un material de cereale uscat foarte vizibil, încă creează cu cuțitele sale palete suprafețe „tectonice” care, uneori, captează lumina și în alte părți o absorb complet, ca găurile negre.
Spre deosebire de majoritatea artiștilor plastici ai vremii, Still își macină și își pregătește propriii pigmenți, cu care creează culori speciale pe care le aplică imenselor sale pânze.
Muzeul Denver, care îi este dedicat în întregime, a permis evidențierea anumitor aspecte ale procesului de creație, printr-un studiu comparativ al variantelor sau replici a mai mult de 50 de picturi. Astfel, se pare că această lucrare poate fi văzută ca o „pictură gestuală”, deoarece gesturile artistului sunt perfect vizibile atunci când se uită la pictură și cu mare forță, chiar dacă este vorba doar de dimensiunea aplicațiilor. Pe de altă parte, comparațiile evocă un proces progresiv și nu o apariție total spontană, imediată. Dacă există doar câteva pânze care au fost complet reinventate, în majoritatea cazurilor acestea sunt schimbări mai subtile; o schimbare a mediului, o altă metodă de aplicare a vopselei sau o altă textură sau jocul luminii de pe suprafața vopselei care nu mai este același, prin manipularea vopselelor cu proprietăți reflectorizante. Există, așadar, multe ajustări, pe formate semnificativ diferite, cu dorința de a depăși, în pictura următoare ceea ce fusese construit în prima versiune: „Deși puținele replici pe care le fac sunt în general apropiate de original sau de o extensie, fiecare are propria viață și nu este o copie. Lucrarea actuală a clarificat câțiva factori și, paradoxal în acest caz, este mai aproape de conceptul meu original decât primul, care poartă semnele forțelor care s-au ciocnit [în timpul realizării]. "
Pictez doar eu, nu natura.
„Eu mă pictez doar pe mine, nu natura. "
Pictura mea este o declarație de viață, nu o autobiografie.
„Pictura mea este o declarație de viață, nu o autobiografie. "
Acestea nu sunt picturi în sensul obișnuit, sunt viață și moarte, care se contopesc într-o uniune înfricoșătoare.
„[Vorbind despre picturile sale] Nu sunt picturi în sensul obișnuit, sunt viață și moarte, fuzionând într-o uniune înfricoșătoare. "
Picturile mele nu au titluri pentru că nu doresc să fie considerate ilustrații sau puzzle-uri picturale. Dacă sunt vizibile în mod corespunzător, ele vorbesc de la sine.
„Picturile mele nu au titluri pentru că nu vreau să fie văzute ca ilustrații sau puzzle-uri picturale. Dacă sunt priviți corect, vorbesc de la sine. "
Acum suntem dedicați unui act necalificat, care nu ilustrează mituri uzate sau alibiuri contemporane. Trebuie să accepți responsabilitatea totală pentru ceea ce execută. Și măsura măreției sale va fi în profunzimea perspicacității și curajului său în realizarea propriei sale viziuni.
„Suntem acum dedicați unui act fără rezerve, care nu ilustrează mituri uzate sau alibiuri contemporane. Trebuie să ne asumăm întreaga responsabilitate pentru ceea ce facem. Iar partea măreției va sta în profunzimea perspicacității noastre și în curajul cu care ne vom realiza propria viziune. "
Apropierea dintre Pollock și Still a fost studiată de David Anfam. Încă a descoperit pictura lui Pollock The Moon Woman (1942) în timpul expoziției la galeria Peggy Guggenheim The Art of This Century (în) , în noiembrie 43. Și trei picturi statice vor fi „meditații”, dintre care PH-242 , din 1943- 44. Această prietenie este deosebit de evidentă în 1943, când Pollock a produs Mural , pentru Peggy Guggenheim , pe un hol al apartamentului său. Imensa pânză, prin spațiul său și groaza ei vacuoasă , pare, de fapt, să evoce vestul american, dacă luăm în considerare o frază din Pollock din 1944. Prietenia dintre Still și Pollock va dura până în 1955, chiar dacă Still este irascibil personajul a cunoscut un vârf deosebit de acut în anii 1950.
Ambii aveau ideea că pictura este mai presus de toate opera unui „om”. Evocând cu o plăcere evidentă ultima expoziție a lui Pollock la galeria Sidney Janis, în 1955, el trimite o mică notă lui Pollock care conține această propoziție „A fost că aici un om fusese la lucru, la munca profundă pe care un om o poate face, cu fața în sus la ceea ce este și la care aspiră ”(Aici a lucrat un om , în profunzimea muncii pe care un om o poate face, față de ceea ce este și ce aspiră să fie). Și reciproc, Pollock a spus în 1955 „Încă ne face pe ceilalți să parem academici”. În altă parte, Pollock afirmă că „ambii (Still și el, în unele versiuni„ toate trei ”- cu Rothko), au schimbat natura picturii”. Potrivit lui David Anfam, tabloul The Deep , 1953 (Centrul Georges Pompidou) ar fi, „ inconfundabil ” (fără cea mai mică eroare posibilă), un omagiu adus lui Still.
Deși încă nu a fost de acord să împartă o sală de expoziții cu alții, cu nouă luni înainte de deschiderea retrospectivei sale majore la Muzeul Metropolitan în 1979, el a ales să-și atârne imensul tablou PH-929 (1974) alături de Automn Rythmn (1950) al lui Pollock.
Criticii au lăudat materialitatea pură a picturii sale, prezența monumentală și dinamică, spiritul sublim al imaginilor sale abstracte. Atitudinea sa față de colegii săi și față de pictură a fost văzută ca provocatoare și fără compromisuri, la fel ca și cea a lui David Smith , un prieten al lui Still și Pollock.
David Anfam, specialist în expresionismul abstract, a spus aceste cuvinte: „ Opera sa are un impact visceral, picturile se uită înapoi la mine și la privitor. Nu cunosc mulți alți artiști care induc același tip de încărcare electrică - un adevărat fior. Cu toate acestea, nu doar acest gen de dramă de înaltă tensiune mă prinde, ceea ce mi se pare remarcabil este că Still a reușit să combine această intensitate cu un grad rar de subtilitate și delicatețe. (Opera sa produce un șoc visceral, picturile mă privesc și se uită la orice spectator. Nu cunosc mulți alți artiști care induc același tip de șoc electric - un adevărat fior. Cu toate acestea, nu este doar genul acela. dramă de tensiune care mă atrage, dar ceea ce mi se pare remarcabil este că Still a reușit să combine acea intensitate cu subtilitate și delicatețe, într-un grad rar atins.)
Un muzeu dedicat în întregime lui s-a deschis la Denver în noiembrie 2011, reunind 94% din producția sa nevândută și neexpusă, care a fost scoasă din spațiul public timp de 30 de ani - 825 de picturi și 1.575 de lucrări pe hârtie. El și soția sa Patricia au conceput ideea unui muzeu care i-ar fi dedicat în întregime. Potrivit dorințelor artistului, întreaga donație este păstrată în același loc, într-un oraș și nu într-un muzeu, și nicio atracție nu tulbură relația cu opera, nici cafeneaua, nici librăria.