Arta academică , de asemenea , cunoscut peiorativ „ arta pompos “ este o mișcare artistică de la mijlocul XIX - lea secol . Academicismul se caracterizează printr-un gust pentru temele istorice și pentru orientalism . În sculptură, se caracterizează printr-o tendință spre monumentalitate, reprezentată printre alții de sculptorii Auguste Bartholdi și Emmanuel Frémiet . Printre artiștii reprezentativi se numără pictorii francezi, Alexandre Cabanel , Ernest Meissonier , Fernand Cormon , William Bouguereau , Jean-Léon Gérôme și Marius Roy .
Academia Regală de pictură și sculptură a fost creată în 1648, la inițiativa lui Charles Le Brun , care, pentru a scăpa de sub tutela corporației , sa pus sub protecția regelui Ludovic al XIV - lea . Academia pledează pentru o metodă radical nouă de predare a artelor plastice. La ucenicia informală cu un șef și transmiterea cel mai adesea ereditară a calității de membru al corporației, se opune educației teoretice și practice formalizate și unui sistem de examinare competitivă. Doctrina sa echivalează pictura și sculptura cu artele liberale și stabilește operele antichității greco-romane ca model. Puterea sa provine din monopolul ordinelor regale.
Academia este alcătuită din două secțiuni: Academia de pictură și sculptură și Academia de arhitectură. Anatomia, geometria, perspectiva și studiul dintr-un model viu au constituit baza educației pregătitoare pentru pictură și sculptură.
Principiile artei academice fac parte din învățământul de artă la XIX - lea secol, adesea văzută ca un „centru de greutate“. Aceste principii, primordiale în predarea academică, sunt reguli de rigoare foarte importante care se transmit, cu o valoare a tradiției marcată în Academie pentru a evidenția dimensiunea excelenței în domeniul artistic. Principalele principii ideale ale acestei academii sunt:
Aceste reguli și principii nu privesc doar Școala de Arte Plastice și predarea acesteia. Aceste reguli și principii se referă la ceea ce se numește Salon. Salonul este definit de termenii: „expoziție periodică a artiștilor vii”. Primul a fost creat în 1667 de Colbert, dar numele său capătă sens în 1848, deoarece are loc în Salon Carré du Louvre . Acest eveniment a fost crucial în viața artistică a secolului al XIX- lea, deoarece a fost singurul loc în care artiștii și-au demonstrat lucrările, considerând că acest tip de eveniment a fost rar și foarte important pentru a obține recunoaștere.
Aceste saloane sunt dificil de accesat pentru unii artiști, deoarece au fost supuse juriilor formate din membri ai academiei. Acestea au fost severe, ceea ce a lăsat foarte puține șanse artiștilor să-și arate talentul. Acest lucru a cauzat apariția, la sfârșitul anului al XIX - lea secol „expoziții paralele“ ca Târg Champ de Mars , în 1890, pentru o mai bună difuzare a artiștilor , dar și alte genuri, cum ar fi impresionismul , care va da naștere la deschiderea de galerii private de artă ca le cunoaștem astăzi.
În paralel cu aceste principii ale artei academice s-a născut critica de artă, inițiată în paralel cu Salonul, în jurul anului 1750. Presa face lumină asupra criticii de artă cu recenzii ale acestui Salon și ale operelor sale. Odată cu distribuția importantă a artiștilor datorită acestor saloane, publicul s-a trezit pierdut în fața acestei apariții puternice a artiștilor și a operelor lor; Cu rapoartele pe care le-a aflat despre aceste elemente, cu această abundență de artiști, propria judecată a publicului este estompată; criticul va juca deci rolul de mediator între public și artiști.
Acesta este modul în care periodicele artistice se înmulțesc pe măsură ce saloanele progresează, cu articole despre lucrări și expoziții ale jurnaliștilor ocazionali la început, apoi se specializează tot mai mult în acest domeniu. În cele din urmă, chiar dacă aceste recenzii descriu doar lucrarea în sine, opinia și critica au prioritate pentru a permite publicului să își creeze o opinie asupra artiștilor și a operelor, ceea ce este uneori prea politic din partea anumitor jurnaliști care dau tonul acestor lucrări. , acești artiști sau pur și simplu prin luarea unei poziții politice în ziar, creează rezultatul controverselor de-a lungul timpului.
Aceste principii au înghețat treptat în timp și a ajuns în ochii unor artiști și critici de la sfarsitul anilor XIX - lea lea o cămașă de forță față de care s- au ridicat treptat. Prin urmare, academia a oferit pregătire tehnică (învățarea desenului, anatomiei, culorii etc.) și culturală (familiarizarea cu subiectele antichității, marii autori etc.) pentru tinerii artiști. Candidații pentru intrarea la École des Beaux-Arts (creată în 1817 - femeile nu au fost admise decât în 1897), sub supravegherea Académie des Beaux-Arts (creată anul anterior) trebuie să susțină un examen de admitere constând în executarea unui figură nud extrasă din modelul live .
În a doua jumătate a XIX - lea secol , a cristalizat o opoziție care a marcat profund istoria artei al XX - lea secol : cea a academismului și „ modernitate “, un termen introdus de Charles Baudelaire . De anvangardele ar putea să se impună doar prin scuturare în sus art oficiale . Pictorii academici au domnit peste Académie des beaux-arts , Institut , Salon , pentru o lungă perioadă de timp un loc obligatoriu pentru a expune, a se face cunoscut și a obține comisioane de la stat. „Controlează instrucțiunea, vei controla stilul” , a spus pictorul academic Jean-Léon Gérôme . Antichitate face obiectul de referință absolute; lucrările de desen și copiere sunt cele două mijloace privilegiate de acces la această învățătură.
Cursul studenților la Arte Plastice include multe teste, dintre care cea mai importantă este competiția Prix de Rome , care le permite laureaților să rămână la Academia de Franță din Roma . Subiectele competiției sunt extrase din istoria antică, povești din Biblie sau din mitologie. Odată ajunsi la Roma, destinatarii continuă să fie controlați de Academie, trebuind să îi trimită mai multe lucrări în timp ce studiază lucrări din Antichitate, precum și din Renaștere. După șederea lor la Roma, artiștii trebuie să continue să trimită lucrări la Academie pentru a fi admiși la Salonul anual de pictură și sculptură , în timp ce lucrează pentru patroni bogați, chiar și pentru stat.
Acest control total al Academiei, al cărui juriu respinge orice lucrare care nu respectă canoanele, nu permite artiștilor să exploreze alte subiecte, tehnici sau pur și simplu să inoveze în procesul lor creativ. De asemenea, academicismul este puternic criticat pentru conservatorismul său. În 1846, multe lucrări ale lui Gustave Courbet , un pictor realist , au fost refuzate de Salon. Dacă juriul Salonului a fost abolit prin revoluția din 1848 , președintele Louis-Napoléon Bonaparte l-a restabilit după alegeri. În 1855, Courbet a inaugurat, pe marginea Expoziției Universale și a Salonului din 1855, Pavilionul Realismului, pentru a-și grupa picturile acolo. În 1859, alți pictori realiști refuzați de juri (cum ar fi Fantin-Latour , Legros și Ribot ) au fost premiați într-o expoziție la o casă privată, pictorul François Bonvin .
În 1863, conflictul s-a extins la mișcarea impresionistă : juriul, din cele 5.000 de lucrări oferite, a respins 3/5. În fața criticilor, fostul președinte și noul împărat Napoleon al III-lea a fost de acord să creeze Salon des refusés , care are loc la Palais de l'Industrie . Acest Salon des refusés nu durează, dar marchează pauza clară între pictorii academici și ceilalți. În 1868, datorită sprijinului membrului juriului Charles-François Daubigny , impresioniștii au fost acceptați la Salon. Alte saloane refuzate au fost deschise în 1873 și apoi în 1875; în 1881, Salonul de pictură și sculptură a fost reformat și a devenit Salonul artiștilor francezi , reunind toate tendințele.
Anul 1897 confirmă înfrângerea academismului. Edouard Manet , Edgar Degas , Camille Pissarro , Claude Monet , Auguste Renoir , Sisley și Paul Cézanne își fac intrarea într-o instituție oficială, Muzeul Luxemburgului , rezervată comisiilor de stat. Gustave Caillebotte moștenire , patronul impresioniști, colector și pictorul însuși, a fost acceptat după trei ani de lupte grele (picturi numai Degas au fost admise inițial). Consiliul de stat a fost cel care a condus, argumentând că aceste lucrări au făcut parte de facto din istoria picturii franceze. În realitate, para a fost tăiată în două: din 67 de pânze, 29 au fost respinse, Gérôme amenințând că va demisiona din catedra sa de profesor de Arte Frumoase, calificând aceste pânze drept „gunoi” și văzând intrarea lor în Luxemburg semnul „sfârșitul națiunii”.
Curenții de avangardă s-au înmulțit. Academia și Școala de Arte Plastice au devenit ele însele mai eclectice, notează Claire Barbillon . După ce a fost respinsă în timpul celui de-al doilea imperiu, cu excepția anumitor forme înundate, „ naturalismul a fost adoptat de cei mai oficiali pictori ai celei de-a treia republici” , scrie ea. În ceea ce privește simbolismul , reunește „artiști formal destul de tradiționali” , cum ar fi Gustave Moreau , și pictori radical inovatori precum Gauguin sau Odilon Redon .
Deschiderea Muzeului d'Orsay în 1986 va fi prilejul unei controverse aprinse în Franța. Mulți vor vedea în ea o reabilitare a „pompierilor”, chiar și a „revizionismului”. Cu toate acestea, André Chastel a considerat încă din 1973 că există „numai avantaje în a substitui o judecată globală de dezaprobare, o moștenire a vechilor bătălii, o curiozitate liniștită și obiectivă. "
Aplicarea cuvântului „pompier“ în arta academică, a apărut la sfârșitul XIX - lea secol (1888 , conform lui Robert) pentru a bate joc, este , probabil , o aluzie la coifurile strălucitoare ale unor personaje de compoziții mari ( în special David ), care a amintit de cele ale pompierilor vremii. Această explicație și-ar lua sursa dintr-o comedie dintr-un act de MM. Varner și Duvert, La Sœur de Jocrisse , au evoluat pentru prima dată la teatrul Palais-Royal de pe17 iulie 1841în care un personaj pe nume Jocrisse, un slujitor, privește tipăritul Le Passage des Thermopyles și declară: „Ah! este o prostie! se bat goi! ... Ah! Nu ; au căști ... pot fi pompieri care se culcă ... ” . Această trecere a termopilelor a fost probabil pictura lui David , Leonidas la termopile . Prin urmare, urmașii lui David ar fi fost calificați ca pompieri.
O altă explicație sugerează ipoteza unei batjocuri a cuvântului „Pompéien” (de la Pompei ), o aluzie la o mișcare pompeiană fondată în 1840 de Jean-Léon Gérôme. În sfârșit, acest cuvânt evocă fastul, pomposul. Potrivit criticilor artei oficiale, aceasta este denigrată pentru tehnica sa, culorile, subiectele sau pur și simplu principiile sale.
Thomas Couture , Romanii decadenței (1847), Paris , Musée d'Orsay .
Hippolyte Flandrin , Young Seated Naked Man (1855), Paris , Musée du Louvre .
William Bouguereau , Idylle (1852), colecție privată.
William Bouguereau , Les Oréades (1902), Paris , Musée d'Orsay .
William Bouguereau , Dante și Virgil in Hell (1850), Paris , Musée d'Orsay .
Fernand Cormon , Caïn (1880), Paris , Musée d'Orsay .
Franz Xaver Winterhalter , împărăteasa Eugenie înconjurată de doamnele sale de așteptare , (1855), Château de Compiègne .
Alexandre Cabanel , Nașterea lui Venus (1863), Paris , Musée d'Orsay .
Ernest Meissonier , 1814, Campagne de France (1864), Paris , Musée d'Orsay .
Amaury-Duval , Madame de Loynes , Paris , Musée d'Orsay .
La Vérité (1870) de Jules Lefebvre , Paris , Musée d'Orsay .
Jules Lefebvre , Lady Godiva (1891), Amiens , muzeul Picardiei .
Évariste-Vital Luminais , Les Énervés de Jumièges (1880), Rouen , Musée des Beaux-Arts .
Jean-Léon Gérôme , Pollice Verso (1872), Muzeul de Artă Phoenix .
Alphonse de Neuville , Le Cimetière de Saint-Privat (1881), Paris , Musée d'Orsay .
Alphonse de Neuville , The Last Cartouches (1873), Bazeilles , Muzeul Casei Ultimilor Cartouches .
Hans Makart , Intrarea lui Carol al V-lea în Anvers (1878), Kunsthalle din Hamburg .
Jean-Paul Laurens , L'Agitateur du Languedoc (1887), Toulouse , Musée des Augustins .
Édouard Detaille , Le Rêve (1888), Paris , Musée d'Orsay .